“Sirât” e a fragilidade do ser humano

Logo na início de “Sirât”, o diretor Oliver Laxe exibe uma mensagem que explica o título do filme. Sirât vem a ser uma expressão que vem da tradição islâmica e significa uma ponte. Ponte esta descrita como fina como um fio de cabelo e mais afiada do que uma espada.

Basicamente, ela seria uma metáfora para a dificuldade em seguir o caminho certo e o nível de precisão necessária para alcançar o seu destino.

Eu devia ter prestado mais atenção a este detalhe no início, pois ele me deixaria mais preparado para tudo o que veria nas duas horas seguintes.

Filme que conta a história de um pai e um filho que saem por raves que acontecem no deserto do Marrocos em busca da filha/irmã desaparecida, “Sirât” é um filme que nos leva a refletir sobre a fragilidade do ser humano e como determinadas escolhas nos direcionam para os mais diferentes destinos.

É também um filme que questiona e coloca em perspectiva a sensação de segurança que eventualmente podemos ter.

Estou pisando um pouco em ovos para escrever aqui, pois este é um raro filme em que falar sobre eventos que acontecem na tela podem prejudicar a experiência.

Vencedor do Grande Prêmio do Júri em Cannes neste ano, “Sirât” nos faz pensar. Demorei um pouco a compreender a sua vibe, embora tenha gostado de cara das cenas tão cruas e cheias de textura das raves e também das imagens bem bonitas do deserto. Um deserto que evoca beleza e horror, em que perigo está sempre à espreita aguardando uma decisão equivocada. O deserto é como a morte com quem os homens jogam xadrez, se eu puder evocar uma imagem de “O Sétimo Selo”, de Ingmar Bergman (1957).

O uso do som também é uma das ferramentas mais relevantes no filme. E quase um personagem na história.

Ainda estou digerindo o filme, mas quanto mais penso, mais gosto do filme.

Nota 7,5/10.

O relacionamento como equação matemática em “Amores Materialistas”

Pedro Pascal é o destaque do filme

Se “Amores Materialistas” fosse escrito e dirigido por qualquer outro diretor, corria um grande risco de virar uma comédia romântica medíocre igual a muitas que vemos por aí no cinema. Mas Celine Song filma com tanta beleza e elegância, que eleva este filme a um outro patamar cinematográfico.

Segundo filme da diretora sul-coreana e sucessor do excelente “Vidas Passadas”, “Amores Materialistas” conta a história de Lucy (Dakota Johnson), uma matchmaker que trabalha para uma empresa que organiza encontros entre pessoas para formarem casais baseados nos gostos e, especialmente, nas exigências de cada um.

Enquanto atravessa entre a crise e o sucesso no seu trabalho, Lucy se vê entre dois homens, o ricaço Harry (Pedro Pascal) e o garçom e ator amador, e também seu ex-namorado John (Chris Evans).

Lendo esse enredo, o filme soa tão pobre quanto o personagem de Evans, mas Song aproveita os clichês das filmes românticos para refletir sobre uma série de situações bem comuns no dia de hoje.

“Amores Materialistas” fala sobre como o ser humano virou um número descartável, como o amor está sendo visto mais como uma equação matemática que envolve mais uma performance a partir de um conjunto de posses do que como encontrar alguém que melhor combine com você.

O filme também fala sobre como o ser humano não passa de mercadoria no jogo do amor determinado pelos algoritmos (ou boxes) da empresa de Lucy, que não deixa de ser como os aplicativos de encontros de hoje em dia.

O filme emana uma frieza matemática que parece se encaixar perfeitamente com o jeito como Dakota Johnson atua. No entanto, quando ela precisa ter uma virada emocional, “Amores Materialistas” não se sustenta, pois ela não convence quando precisa ter um tom diferente da mulher fria que (supostamente) sabe fazer perfeitamente a matemática do amor. Chris Evans também não vai muito além com o seu galã romântico pobre apaixonado por uma mulher que é out of his league.

Do trio principal, o melhor é Pascal. Ator que está aparecendo em muitas produções populares recentemente, Pascal parece não ter medo de ficar com a imagem saturada. E acaba sendo difícil se cansar dele, uma vez que o ator sabe fazer seus personagens crescerem sempre com interpretações no tom certo. O seu Harry nos engana no início até mostrar que têm mais em comum com Lucy do que imaginávamos.

“Amores Materialistas” só não consegue fugir do desfecho padrão das romances. E da lição no final de que o amor nem sempre é uma equação exata.

Nota 7,5/10.

Os filmes e as séries de julho

Os filmes e as séries mais interessantes que vi em julho:

Quarteto Fantástico: Primeiros Passos (The Fantastic Four: First Steps — ING, EUA, CAN, NZL — 2025) — Diretor de “WandaVision”, Matt Shakman usou está experiência para fazer um “Quarteto Fantástico” num cenário futurista como estática dos anos 1960 e inspiração nos “Jetsons”. A química dos quatro protagonistas é a força de um filme que tem coração. Finalmente o Quarteto ganhou uma boa adaptação no cinema.

Superman (Superman — EUA, CAN, AUS, NZL — 2025) — A trama do imigrante que faz a vida nos Estados Unidos e é odiado e invejado por um bilionário é um dos pontos altos desta nova versão do Superman. James Gunn acertou em cheio, embora tenha feito um filme que tem muita informação e muita subtrama para apenas pouco mais de duas horas. Mas o Superman de Gunn é o herói necessário para a era Donald Trump.

Amores Materialistas (Materialists — EUA, FIN — 2025) — Celine Song filma tão bem e com tanta elegância que eleva a qualidade deste filme que nas mãos de outro diretor poderia ser apenas uma comédia romântica vazia. Gosto como ela reflete sobre o frio mercado do amor, mas só gosto mesmo do trabalho de Pedro Pascal.

Apocalipse nos Trópicos (Apocalypse in the Tropics — EUA, BRA, ING — 2024) — Filme que investiga a influência da igreja evangélica na política e sociedade brasileira, isto não é um documentário, mas um filme de terror. Infelizmente o filme não traz muitas respostas para as causas de o Brasil ter virado refém de um fundamentalismo religioso. Ele apenas documenta o horror, o que também é importante.

Bird (Bird — ING, EUA, FRA, ALE — 2024) — Por uns momentos pensei que o filme resvalaria num certo pornô da miséria, mas no fim ele se revelou um coming of age áspero, difícil de digerir, mas que tem alguma sensibilidade.

Três amigas (Trois Amies — FRA — 2024) — Francês adora refletir sobre relacionamentos e adultério. Este é um filme bem legal sobre as desventuras amorosas e como o dito amor é um trabalho árduo de construção cheio de contratempos, reviravoltas e uma boa dose de sorte.

“O Estúdio” (The Studio — EUA — Apple TV) — Eu queria agradecer a Sal Saperstein por esta série existir. “O Estúdio” é fenomenal. Agrada a quem gosta da indústria do cinema, mas também a quem gosta de uma boa comédia com um roteiro muito bom e muita criatividade. Seth Rogen deve ser um cara muito querido por seus pares para fazer com que eles tenham participado desta série em situações potencialmente constrangedoras. Aguardo a segunda temporada, pois nós gostamos de “MOVIES! Movies! Movies!”

“Terra da Máfia” (Mobland — ING, EUA — Paramoumt/MTV) — Série de gângsters ingleses absolutamente fantástica. Uma das melhores atuações da carreira do Pierce Brosnan, com uma Helen Mirren maravilhosamente perturbada. E ainda tem Tom Hardy se virando nos 30 com cara de desgosto pela vida para proteger a família em meio à guerra de gangues.

“Poker Face” (Poker Face — EUA — Peacock) — Charlie Cale (Natasha Lyonne) parece ainda mais enrascada na segunda temporada do que na primeira. A série criada por Rian Johnson foi uma das boas surpresas de 2023 e manteve um bom nível na segunda temporada com novos desafios para Charlie e histórias mirabolantes enquanto ela viaja pelos Estados Unidos.

“Quarteto Fantástico” não é perfeito, mas tem coração

Finalmente um filme bom do Quarteto

Depois de tantas décadas sendo maltratado por diferentes versões de gosto duvidoso no cinema, pôde-se dizer que finalmente o Quarteto Fantástico ganhou uma adaptação digna do grupo no cinema.

São muitos os acertos do filme. A começar pela estética anos 1960 futurista que emula demais os quadrinhos e tem uma clara inspiração no desenho animado dos Jetsons.

Outro ponto positivo está no elenco. A química do quarteto Pedro Pascal (Reed Richards), Vanessa Kirby (Sue Storm), Ebon Moss-Bachrach (Ben Grimm) e Joseph Quinn (Johnny Storm) funciona muito bem. Especialmente os três primeiros, que conseguem dar nuances em suas atuações onde o roteiro por vezes soa pueril e básico.

Pascal sabe transmitir uma insegurança e falhas ao mesmo tempo em que demonstra ser o cientista mais brilhante daquele universo. Kirby foi muito feliz ao aproveitar muito bem o quanto o roteiro valoriza e faz justiça a Sue Storm como líder, ponto de equilíbrio, força mental e uma heroína extremamente poderosa do Universo Marvel.

Já Moss-Bachrach, que ainda tem o desafio de muitas vezes ser apenas a voz do Coisa, consegue transmitir perfeitamente as inseguranças de Ben e seus medos com a sua aparência e sua dificuldade de se encaixar num mundo cheio de pessoas de aparência normal enquanto ele é todo feito de pedra. Isso parece que será algo ainda mais explorado no futuro, principalmente pelo que vemos de sua relação com Rachel Rozman, personagem de Natasha Lyonne.

O elo mais fraco dos quatro é o Tocha Humana de Quinn, ainda que ele também tenha muitos bons momentos, especialmente nas cenas de ação. No entanto, é o personagem que mostra menos complexidade do quarteto.

Outro ponto positivo está na história. A melhor coisa que a Marvel podia fazer neste momento era o simples. Uma história com começo, meio e fim e uma linha bem básica: o Quarteto é o super grupo de heróis da Terra que precisa fazer o possível para impedir que o vilão Galactus (Ralph Ineson) destrua o seu mundo e roube o filho de Richards e Storm, que aparentemente é muito poderoso.

É um roteiro direto, sem grandes conexões com toda a história do Universo Marvel em um filme que pode ser visto como uma aventura única, sem precisar olhar para outras produções da Marvel.

É claro que não é a história mais criativa do mundo e as diálogos por vezes são até bem simples e pouco criativos, mas é um feijão com arroz bem gostoso.

Além do mais, por mais que possa ter algumas falhas, “Quarteto Fantástico: Primeiros Passos” é um filme bonito e que tem coração. O diretor Matt Shakman, o mesmo de “WandaVision” (2021), uma das melhores produções da Marvel pós-“Vingadores: Ultimato” (2019). Shakman parece ser um diretor que consegue ler bem os personagens da Marvel e transformar em produções que se não são brilhantes, são bastante satisfatórias e prazerosas de assistir.

Em “Quarteto Fantástico”, Shakman meio que repete o exercício que fez em “WandaVision”, especialmente nos episódios que falavam das séries de TV do passado. E dá muito certo. Ainda mais aliado à ótima direção de arte do filme e o CGI, que parece muito bem feito. Pelo menos aos olhos de um leigo no assunto como eu.

Em resumo, “Quarteto Fantástico: Primeiros Passos” é um ótimo filme da Marvel como não se vê há algum tempo. Se será o primeiro passo para a retomada do estúdio, só o futuro dirá.

Nota 8,5/10.

Book Review: “O Cavaleiro dos Sete Reinos”, George R. R. Martin

“Egg servia Dunk havia um ano e meio, embora às vezes parecesse vinte. Haviam escalado o Passo do Príncipe juntos e cruzado as areias profundas de Dorne, vermelhas e brancas. Um veleiro os levara de Sangueverde à Vila Tabueira, onde compraram passagem para Vilavelha na galé Senhora Branca. Tinham dormido em estábulos, estalagens e valas, dividido o pão com irmãos santos, putas e pantomimeiros, e seguido uma centena de espetáculos de títeres, Egg mantinha o cavalo de Dunk bem cuidado, sua espada longa afiada, sua cota de malha livre de ferrugem. Era tão boa companhia quanto qualquer homem poderia desejar, e o cavaleiro andante começara a pensar nele quase como em um irmão menor.” (pág. 170)

Somos extremamente necessitados do fim numa relação quase tóxica com a ideia de completude. Uma espécie de colecionismo virtual que, por vezes, nos cega para a beleza da jornada e do fato de que histórias são pequenos extratos de uma vida — fictícia é claro — sobre a qual nunca saberemos tudo. Nem das nossas próprias vidas sabemos tudo.

Depois de ler “Fogo e Sangue” (2018) e agora “O cavaleiro dos sete reinos” eu me sinto em paz com o mundo de Westeros criado por George R.R. Martin. Talvez o escritor nunca entregue os dois livros finais da saga de Gelo e Fogo. Mas está tudo bem. Quão rico e fascinante é o mundo criado por Martin. Quão bem escritas são suas histórias. Eu fico satisfeito em ler extratos de Westeros. Das tramas palacianas as aventuras mais comezinhas, há sempre algo de muito interessante a ler.

“O cavaleiro dos sete reinos” aposta exatamente neste último ponto. O livro narra histórias menores vivida por um cavaleiro andante sui generis e de um passado invulgar e seu jovem escudeiro que tem um segredo importante a guardar. A relação e a dinâmica de poder e aprendizado deles é muito interessante ao mesmo tempo em que os diferentes backgrounds também tornam seus diálogos um deleite a parte. Até pelo que não é dita.

Enquanto eles evoluem vagando pelos Sete Reinos, vamos acompanhando pequenos extratos do que está acontecendo naquele momento em Westeros e do que aconteceu nos últimos 90 anos. É quase como montar um quebra-cabeças de Gelo e Fogo.

“O cavaleiro dos sete reinos” reúne três histórias. Todas elas de construções inortodoxas o que só torna o livro mais interessante. Além da escrita deliciosa, a força do livro também está na ausência de heroísmo e na aleatoriedade da vida do homem comum.

Book Review: “A glória e seu cortejo de horrores”, Fernanda Torres

“Fui feliz no começo, aos vinte, e também aos trinta, quando larguei o teatro e emendei uma sequência de sucessos na televisão. Famoso, vivi o apogeu da minha arrogância. Comi muita gente, gastei mais do que devia, humilhei subalternos, acreditei em destino. Não mais. O contrato polpudo me transformou num ator preguiçoso.” (Pág. 29)

A história de ascensão e queda de Mário Cardoso é a de muitos artistas que conhecem a fama e se perdem no meio do caminho de suas vidas profissionais. Narrada com elegância, tons de sarcasmo e um molho tipicamente carioca, “A glória e seu cortejo de horrores” é uma deliciosa tragicomédia brasileira. Ou melhor, carioca.

No livro, Fernanda Torres navega por um oceano que lhe é bem conhecido. A vida de um ator no Brasil e suas diferentes fases no teatro, na TV, no cinema. Seus altos e baixos, suas glórias, seus fracassos. Torres conhece cada pedaço dessa realidade. Seja pelo que viveu, seja por colegas de profissão com quem conviveu. E este trunfo faz com que “A glória e seu cortejo de horrores” soe tao verdadeiro, tão autêntico, mas ao mesmo tempo com um toque saltimbanco que tire o livro suficientemente fora da ficção documental.

Comparativamente com seu romance anterior, “Fim”, Torres manteve o cenário, este Rio de Janeiro purgatório da beleza e do caos, mas olhando um pouco mais para a Zona Norte, o subúrbio, e todas as suas idiossincrasias. De certa forma, ela expandiu o Rio em “A glória e seu cortejo de horrores”. E as diferenças sociais, demográficas e de classe entre os bairros viram pano de fundo para o estado de espírito e financeiro do seu Mário Cardoso.

Além de uma atriz de primeira grandeza do Brasil, Torres reafirma em seu segundo livro o quanto é uma escritora fascinante. Demorei a ler seus livros apenas para agora desejar que ela crie ainda mais histórias. Torres é uma cronista do Rio de Janeiro moderno e ler as suas histórias é como vivenciar a vida pulsante e as contradições de uma cidade tão única como o Rio de Janeiro.

Por mais paradoxal que possa parecer, o livro é uma bonita tragédia carioca.

Superman é o herói necessário para a era Trump

O Superman que salva muitas pessoas

Primeiro super-herói criado pela DC Comics, o Superman sempre foi um dos personagens mais queridos dos amantes dos quadrinhos. No entanto, a ascensão do Batman através de filmes mais populares e mais bem feitos para o vigilante de Gotham nas últimas quatro décadas e um certo cinismo do mundo neste mesmo período deixaram o Superman um pouco de lado. De uma certa forma, o ideal de bondade e esperança que o filho de Krypton transmite parecia não caber no ambiente dark/soturno criado por Zack Snyder, ainda que eu não desgoste do trabalho de Henry Cavill como Clark Kent.

Quando foi contratado em 2022 para assumir como novo chefão da DC, James Gunn tinha entre os seus desafios resgatar o velho Superman. Um Superman mais inspirado no herói dos quadrinhos e que foi tão bem retratado por Christopher Reeve em quatro filmes entre 1978 e 1987.

Três anos depois, “Superman” inaugura nos cinemas a nova era da DC Studios. Agora estrelado por David Corenswet, “Superman” é bem sucedido em muitos pontos e falha em alguns outros. Mas acima de tudo, o Superman de James Gunn é o herói necessário para a era Donald Trump e um mundo em que bilionários estão brincando de serem deuses enquanto transformam o planeta num tecnofeudalismo sob a anuência de uma enorme massa influenciada e emburrecida por algoritmos de redes sociais.

Ver o “Superman” chegar aos cinemas neste momento em que Trump voltou a ser o presidente dos Estados Unidos intensificando o discurso de ódio, a divisão, a perseguição a imigrantes e criando discursos falsos para atingir os seus interesses é para nos fazer refletir sobre que mundo temos hoje e que mundo queremos para o futuro. É triste observar as guerras que ocorrem neste momento entre Rússia e Ucrânia, na faixa de Gaza, entre Israel e Irã e não poder apelar para um herói que mantenha a paz diante de políticos que disseminam o ódio. Ainda que isso possa causar incidentes diplomáticos, questão que é relativamente arranhada pelo filme. O Superman não existe, mas o seu ideário de bondade, de ajudar ao próximo e buscar o melhor das pessoas devia ser um norte diante de um mundo que exibe muita raiva não apenas vindas dos Estados Unidos, mas também de todos os políticos de extrema direita e seus seguidores pela Europa e no Brasil, que acirram a divisão disseminando ódio contra imigrantes e minorias.

A mensagem de Gunn é muito clara. Superman é um imigrante que construiu a sua vida nos Estados Unidos. Um imigrante que tenta dar o seu melhor no seu ofício, mas é alvo de ódio nas ruas e nas redes sociais. Especialmente a partir das ações de seu arqui-inimigo, o bilionário Lex Luthor. Vivido por Nicholas Hoult, Luthor aqui é um cruzamento de Trump com Elon Munsk. Tem ódio pelo que vem de fora a ponto de afirmar que o Superman não é um homem (man), mas uma coisa (it). Tem inveja pelo herói monopolizar as atenções do mundo e usa todo o seu arsenal financeiro e tecnológico para o difamar, destruir a sua imagem antes de destruí-lo literalmente. O Luthor de Hoult é o arquétipo do bilionário de extrema direita que tem uma esposa troféu e financia o que de pior o ser humano pode produzir para atingir seus próprios interesses. Mais atual, impossível.

Gunn é muito feliz em se afastar da história de origem e estabelecer em cinco minutos de filme em que ponto estamos neste mundo. Há 30 anos, a nave de Kal-El atingiu a Terra e o jovem foi criado por fazendeiros do Kansas. Há três anos, ele se revelou a um mundo que já conta com uma série de meta-humanos como o Superman. Há três minutos, este ainda jovem Superman sofreu a sua primeira derrota dias depois de impedir um conflito armado entre dois países fictícios, a Boravia e Jarhaunpur, salvando milhares de vidas, mas criando um incidente diplomático com a Boravia, uma ditadura aliada dos Estados Unidos.

As ações do Superman têm causado controvérsia, provocando uma divisão em Metrópolis, ainda que sua popularidade seja maior do que se imagina e que o ódio seja menor do que aparenta ser (e o filme deixará isso claro numa cena em especial).

O Superman de David Corenswet não chega a emular a versão de Reeve, mas se afasta muito da versão de Cavill, O Superman de Cavill era quase uma versão de Jesus Cristo na forma sacralizada em que era filmado por Snyder e era um herói que estava ali para salvar a humanidade, mas sem pensar muito nas consequências dos seus atos. O Supermann de Gunn e Corenswet atua praticamente em jornada dupla e fazendo multitasking. Precisa cuidar dos vilões, mas tem sempre um olho em salvar as vidas. Todas as vidas: humana ou animal. E isto é repetido quase em exaustão. Acho que este Superman salvou mais vidas neste filme do que o de Cavill nos quatro filmes em que esteve presente entre 2013 e 2021.

Fala demais, mostra de menos

E aqui chegamos num ponto em que o filme apresenta seus problemas. A enorme quantidade de informação que o trailer exibia já dava indícios de que o filme de Gunn poderia não dar conta de contar tantas histórias. E fica exatamente esta impressão quando Gunn resolve romper com a clássica regra de roteiro “show, don´t tell”, que poderia ser traduzida como “mostre, não diga”. A ideia desta regra é que você revele informações por meio de ações, imagens e comportamento dos personagens, ao invés de simplesmente explicá-las por meio de diálogos ou narração expositiva. Gunn faz isso muito bem e, como disse, quase a exaustão com as ações do Superman, mas sobra pouco tempo para o restante dos personagens do filme e para os demais temas que o filme aborda.

Por isso, ele precisa reafirmar diversas vezes o estatuto de imigrante do Superman e até criar um paralelo com um imigrante comum, vendedor de comida na rua, ele precisa deixar claro que o Superman resolveu um problema sem causar a morte de nenhum indivíduo, ele precisa mostrar o que é o governo da Boravia, precisa explicar quem é a Gangue da Justiça e quem esta por trás do grupo formado por Lanterna Verde (Nathan Fillion maravilhoso como o bonachão Guy Gardner), Mulher Gavião (Isabela Merced) e Senhor Incrível (Edi Gathegi), ele precisa contar as origens e os desdobramentos de tudo o que Lex Luthor tem feito para destruir o Superman enquanto a ação corre solta… E para isso, Gunn usa muitas vezes o recurso dos jornalistas de TV dando notícias ou fazendo entrevistas. Nisso, sobra pouco tempo exatamente para o Planeta Diário, que é onde Clark Kent e Louis Lane (Rachel Brosnahan) trabalham. Pelo menos, ainda houve tempo para Lane fazer uma importante reportagem sobre Luthor. E ainda temos Krypto, o cachorro que pode ser muito fofo, mas toma muito tempo de tela e serve como constante alívio cômico do filme.

É compreensível que Gunn precisaria chegar na DC com o pé na porta e apresentando uma miríade de informações para mostrar que esta é a nova DC. Neste mundo, meta-humanos vivem entre nós, os heróis e os vilões estão estabelecidos, nós vamos ter discussões políticas e sociais e vamos trazer no meio disso muito entretenimento. Mas tudo isso pareceu ser muito para um filme de 2h09min, deixando-o por um lado excessivamente expositivo, por outro com pouca profundidade nas questões políticas importantes que o filme levanta, como os temas da imigração e da manipulação de informações. Este último então, se resolve num piscar de olhos, ou melhor, na velocidade das redes, mas ao mesmo tempo deixando uma ponta solta relativa ao pai biológico do Superman, que é algo que vai ter que ser resolvido no futuro. Afinal, duvido que tenham contratado o Bradley Cooper para fazer somente aquilo que é mostrado na tela.

Outro ponto que o filme peca um pouco é no CGI. As lutas do Superman em muitos casos parecem inorgânicas. É óbvio que é muito difícil fazer uma cena de luta com um super-herói que é praticamente um deus, e talvez tenham sido usados os melhores recursos possíveis para dar o peso, a velocidade e a emergência da situação, mas nem tudo ficou 100%, especialmente no confronto com o capanga mais poderoso de Luthor.

Entre virtudes e defeitos, porém, Gunn acerta em trazer de volta a essência do Superman. Mas ao mesmo tempo expõe as suas vulnerabilidades. Por ser um herói ainda jovem na função, o Superman tem uma inocência e ainda acredita em ver o melhor nas pessoas. E isso quase foi a sua ruína. O que mostra que para além da kryptonita, as suas virtudes também podem ser usadas contra ele para lhe fazerem mal. Algo que, aliás, é constantemente explorado por Luthor no filme. 

O Superman de Gunn é um herói que ainda não está pronto e está aprendendo o seu ofício, mas que tem bem clara a sua missão: ajudar o mundo a ser um lugar melhor. E não vão faltar políticos e bilionários de extrema direita para ele combater.

Nota 8/10

Film review: A tentativa de recomeço de “Jurassic World”

Bailey e Johansson tentando não ser comidos

Eu já tinha abandonado a franquia “Jurassic Park” lá nos filmes do Chris Pratt. Embora tenha visto todos os filmes, não tinha qualquer motivação em ir ao cinema. No entanto, eu tenho um fraco: a minha admiração pela atriz Scarlet Johansson. E isso foi o suficiente para voltar a pagar um ingresso para ver “Jurassic World: Recomeço”. Qual não foi a minha surpresa ao ver que o filme é verdadeiramente divertido.

No título original, Jurassic World fala em “Renascimento”. E isto é o que a franquia está tentando fazer com movimentos dentro e fora da tela.

Do lado de fora, ao trazer de volta David Koepp, um dos roteiristas do filme original de 1993. Dentro da tela, ao conectar um mosaico de referências/homenagens que não só farão o fã pensar no filme original de Steven Spielberg, como também em outros clássicos da cultura pop. Tudo isso embalado num filme que tem cara, jeito e roteiro de aventura de filme americano dos anos 1990.

Ou seja, o recomeço, ou renascimento de “Jurassic Park” passa muito por um olhar para o passado. Se isso é bom ou ruim fica a critério do espectador e, consequentemente, da bilheteria que o filme fará.

A história de “Jurassic World: Recomeço” pode ser resumida em uma frase: um grupo de aventureiros se arrisca numa ilha onde vivem dinossauros para conseguir uma amostra de sangue de três espécies com o objetivo de construir um medicamento revolucionário para tratar doenças coronarianas.

No recheio deste bolo há uma coleção de clichês que em alguns casos seriam enfadonhos, mas nesta aventura despretensiosa dirigida por Gareth Edwards, diretor de “Godzilla” (2014) e “Rogue One” (2016), cabem deliciosamente bem. Temos os personagens-chave que são o cientista vivido por Jonathan Bailey e a mercenária vivida por Scarlet Johansson. Temos o vilão óbvio que representa a mão cruel e predatória do capitalismo vivido por Rupert Friend, temos uma família que representa a presença do homem comum sem grandes habilidades no meio daquela adversidade e temos os candidatos a virarem comida de dinossauro. Desde o início sabemos quem vai morrer e sabemos quem vai sobreviver. Havendo espaço para um ou dois numa zona mais cinzenta para criar uma expectativa mínima.

O roteiro também segue o padrão clássico dos três atos. São três as amostras que precisam ser recolhidas, três dinossauros diferentes, três elementos daquele mundo: água, terra e ar. Tudo para oferecer diferentes desafios para o grupo e mostrar a diversidade que a ilha dos dinossauros exibe.

Gosto muito também do momento histórico que o filme traça, criando uma sociedade em que dinossauros já não têm a mesma graça. Fazem parte da paisagem, perderam a popularidade. Mas também são temidos a ponto de haver uma zona do planeta próximo à linha do Equador em que os seres humanos são proibidos de viajar. Lá, só vivem dinossauros.

Este é um dos pontos que eu mais gosto do filme junto com algumas cenas bem legais dos dinossauros um tanto quanto assustadores e as referências. Toda a passagem no mar parece muito inspirado em “Tubarão” (1975), curiosamente um filme de Steven Spielberg.

Muitas cenas na floresta me remeteram ao início da franquia. Especialmente as que envolviam aquele andar mais sorrateiro de um dinossauro e os humanos tentando sobreviver em meio a uma tremenda adversidade.

A inclusão de um dinossauro mutante criado em experiências de laboratório por humanos também criou uma criatura extremamente parecida na cabeça pelo menos com o alienígena de “Alien — o 8° passageiro” (1979). Não sei se foi de propósito, mas me pareceu até uma correlação óbvia.

Acima de tudo, “Jurassic World” entretém. Mais do que os filmes recentes. Resta saber se o nosso mundo ainda gosta de dinossauros ou se eles também viraram para nós apenas paisagem.

Nota 7/10.

Jurrasic World: Recomeço (Jurrasic World: Rebirth — EUA, ING, Malta, IND — 2025)

Estrelado por: Scarlett Johansson (Zora Bennett), Mahershala Ali (Duncan Kincaid), Jonathan Bailey (Dr. Henry Loomis), Rupert Friend (Martin Krebs), Manuel Garcia-Rulfo (Reuben Delgado), Luna Blaise (Teresa Delgado), David Iacono (Xavier), Audrina Miranda (Isabella Delgado), Philippine Velge (Nina), Bechir Sylvain (LeClerc), Ed Skrein (Bobby Atwater).

Roteiro: David Koepp.

Direção: Gareth Edwards.

Os filmes e as séries de junho

"A vida de Chuck", "Homem com H" e "Andor"

Os filmes e as séries mais interessantes que eu vi em junho:

A vida de Chuck (The Life of Chuck) — Mike Flanagan se afastou um pouco do seu terreno do terror para fazer um dos filmes mais bonitos que eu vi neste ano. De certa forma, “A vida de Chuck” me fez lembrar um pouco “Peixe Grande e suas histórias maravilhosas” (2003), por causar um sentimento agridoce, mas também por ser um filme que é uma afirmação da vida.

Homem com H (BRA) — Sem sombra de dúvidas uma das maiores cinebiografias de um artista brasileiro. Soube abordar os pontos certos, fez a passagem do tempo de uma forma orgânica e aborda praticamente todos os pontos da carreira de Ney Matogrosso. 

É um filme para fã e para te transformar em fã. Um filme que sabe mostrar a dimensão e a grandeza de um artista como Ney Matogrosso. 

É muito bem editado e tem algumas tomadas magníficas que demonstram uma montagem brilhante. Nota-se isso muito claramente na cena da suruba e nos ganchos que ajudam a fazer a passagem do tempo. 

Jesuita Barbosa está monstruoso no papel principal. Ele encarnou o cantor. E o final do filme é a cereja no bolo. 

Só não achei perfeito porque não gostei muito do trabalho do ator que fez o Cazuza, A comparação com Daniel de Oliveira acaba sendo um pouco inevitável para quem viu “Cazuza: o tempo não pára” (2004).

Echo Valley (EUA) — Julianne Moore e Sydney Sweeney num filme cheio de reviravoltas do mesmo criador de “Mare of Easttown” (2021). Um deleite para quem gosta daquele gênero de filmes que trata de um crime e a complexa situação para solucionar um problema em meio a dilemas éticos e morais. Lamento apenas que a personagem de Catalina Sandino Moreno tenha sido pouco aproveitada.

Bailarina (Ballerina — EUA, HUN) — “Bailarina” não deve nada aos melhores filmes de John Wick. É uma história de vingança simples igual ao primeiro filme da franquia estrelado por Keanu Reeves e que tem todos os signos e as mitologias do universo criado pelo roteirista Derek Kolstad. 

As cenas de ação são incríveis e, embora eu ainda tenha dúvidas se Ana de Armas consegue entregar um bom trabalho como atriz, tenho certeza de que no que diz respeito a cenas de ação ela se sai muito bem. A atriz já havia brilhado do mesmo jeito em “007 — sem tempo para morrer” (2021).

A lamentar apenas a pequena participação da personagem de Catalina Sandino Moreno. Gostaria de ter visto uma dinâmica maior entre ela e Ana de Armas. Acabou sendo um buraco esquisito na história. Ainda maisdada a importância dela não só para vilão vivido por Gabriel Byrne como pela pequena revelação que é feita no filme.

Buraco este que talvez se justifique pelas fofocas de bastidores. Embora tenha sido dirigido por Len Wiseman, “Bailarina” passou por refilmagens por parte de Chad Srahelski, diretor dos quatro filmes de John Wick. Stahelski teria ficado insatisfeito com o trabalho de Wiseman. Mas, com exceção desta trama paralela, o filme não parece uma colcha de retalhos. 

A ressaltar também que este foi o último filme do ótimo ator Lance Reddick, que faleceu em 2023. E que o filme se passa entre John Wick 3 e 4. Portanto, não podemos nos empolgar. Ainda não sabemos se John Wick de fato sobreviveu em Paris. 

Extermínio: A Evolução (28 Years Later — ING, EUA) — Vinte e três anos depois do primeiro “Extermínio”, Danny Boyle e Alex Garland voltam a Inglaterra pós-apocalipse zumbi para nos mostrar como está a ilha depois de 28 anos do primeiro infectado. Temos novos elementos, caos e uma era das trevas enquanto o resto do mundo seguiu o seu curso natural. O estilo de Boyle continua o mesmo e o filme é pura diversão.

Levados pelas marés (Feng liu yi dai — CN) — Filme super experimental de Jia Zhang-Ke que começou a partir de filmagens que o diretor começou a fazer há 30 anos sem qualquer propósito além de experimentar diferentes técnicas de filmagem. Depois disso, Zhang-Ke pensou na história do casal que se desencontra em meio as transformações que a China passou nas últimas décadas. Tudo muito interessante.

Andor (EUA — Disney Plus) — Acabou a discussão. A maior trilogia de Star Wars é Andor — Season 1, Andor — Season 2 e Rogue One (2016). George Lucas que me desculpe, mas esta é a maior obra de Star Wars já feita. Inclusive, é um exercício interessante ver Rogue One, passar para Andor e depois rever Rogue One. Cassian Andor (Diego Luna, incrível, trabalho impecável) colocou até o nosso amado Han Solo (Harrison Ford) para trás. Tony Gilroy nos trouxe um mundo cheio de complexidades, personagens cinzas dos dois lados e uma ebulição política e social que devia ser o ponto central de Star Wars. No entanto, sabemos que esta é uma joia em meio a usina de venda de bonequinhos de Star Wars. Mas um dia voltaremos a nos encontrar em uma ou outra obra de arte da franquia. Afinal, “I have friends everywhere”.

O Eternauta (El Eternauta — ARG — Netflix) — Ricardo Darín tem cadeira cativa no meu panteão de artistas desde que eu era o único jovem sub-30 a ver os seus filmes nos “cinemas de arte” do Rio de Janeiro. Baseado na HQ de Francisco Solano Lopez esta série de ficção científica argentina é super bem produzida e conta a história de um grupo de pessoas que tenta sobreviver num mundo que vai sendo devastado por uma nevasca mortal. Depois, ela evolui para outras coisas que me deixaram curioso o suficiente para querer ver o que acontecerá na segunda temporada.

As quatro estações do ano (The Four Seasons — EUA — Netflix) — Baseada no filme de mesmo nome de 1981 de Alan Alda, eu acho que eu só dei play nesta série porque eu tenho visto tudo o que Steve Carrell e Colman Domingo têm feito nos últimos anos. É bonitinha e eu gosto de como a construção é feita a partir das quatro estações de Vivaldi. Valeu a jornada, mas definitivamente não era necessário anunciar uma segunda temporada.

O futuro sombrio de Boyle e Garland em “Extermínio: a evolução”

Jamie e Spike tentando sobreviver

Extermínio: A Evolução (28 Years Later — ING, EUA — 2025)

Estrelado por: Jodie Comer (Isla), Aaron Taylor-Johnson (Jamie), Ralph Fiennes (Dr. Kelson), Rocco Haynes (Jovem Jimmy), Alfie Williams (Spike), Amy Cameron (Rosie), Jack O´Connel (Jimmy Crystal).

Roteiro: Alex Garland.

Direção: Danny Boyle

Em tempos de “The Last of Us” (2023-) e “The Walking Dead” (2010–2022) e seus mais diferentes spin-offs, não sei o que motivou o diretor Danny Boyle e o roteirista Alex Garland a revisitarem o mundo de “Extermínio” 23 anos depois de terem lançado o primeiro filme. Mas a julgar por “Extermínio: a evolução”, a dupla ainda tem algo a dizer e refletir sobre o mundo apocalíptico tomado por zumbis.

Quando lançaram “Extermínio” em 2002, Boyle e Garland estabeleceram um novo padrão para a representação dos zumbis. Se em clássicos como “A noite dos Mortos-Vivos” (1968) e “Madrugada dos Mortos” (1978) eles eram vistos como mortos-vivos que andavam lentamente, em “Extermínio” eles passaram a ser rápidos e agressivos, estabelecendo um novo padrão que foi copiado posteriormente em trabalhos como “Guerra Mundial Z” (2013) e “The Last of Us”.

Por estabelecer um novo padrão na representação das criaturas, o primeiro filme virou um clássico. Seu sucesso também pode ser creditado a trama simples: personagens que precisam sobreviver a uma série de ataques enquanto se deslocam de um ponto A para um ponto B. Por trás disso, a velha discussão de que os piores monstros são os humanos e como ao invés de se unirem contra um inimigo comum eles se comportam como… humanos diante de uma adversidade global.

Outro trunfo do primeiro “Extermínio” estava no estilo de filmagem de Boyle. Os primeiros vinte minutos me conquistaram de vez ao estabelecer a história e todas as regras daquele mundo. Tínhamos:

1) Causa — Um vírus da raiva altamente contagioso que passa de macacos a humanos.

2) Forma de contagio — Todo e qualquer contato de fluídos com o sangue humano significa doença imediata e a partir daí são dez segundos para a transformação.

3) Um protagonista confuso — Corte brusco, passaram-se 28 dias e vemos Jim (Cillian Murphy) acordado nu em um hospital. Não sabemos nada dele, ele não sabe nada do que aconteceu e porque está sozinho no hospital.

4) O estilo de filmagem — Boyle passeia do interior do hospital para uma Londres abandonada, causando em nós a mesma sensação de estranheza que causa em Jim. Os espaços amplos amplificam o vazio de uma megalópole sempre cheia como Londres, o corte rápido e um tremendo zoom, provocam o horror e um certo jump scare quando os zumbis atacam. Tudo é muito enxuto, com poucos diálogos. É dito apenas o necessário.

De certa forma, “Extermínio: a evolução” mantém os princípios do primeiro filme. O novo filme se passa 28 anos depois do contágio do paciente zero. Após quase três décadas, não existem mais cidades organizadas na Inglaterra. Aparentemente, temos tribos isoladas em ilhas enquanto os zumbis tomaram o continente. Pelo menos até o momento Boyle não quebrou a regra de que zumbi não sabe nadar.

No centro da história está uma família formada por Jamie (Aaron Taylor-Johnson), Isla (Jodie Cormer) e Spike (Alfie Williams). Jamie quer iniciar o filho de 12 anos no ofício de matar zumbis. Ir até o continente e matar o seu primeiro zumbi é como um rito de passagem daquela tribo de sobreviventes, que agora precisa se defender com arcos e flechas visto que não existe mais uma indústria armamentista na Inglaterra. Jamie sabe que é cedo para Spike, mas ele tem pressa em “torná-lo homem”. Spike, no entanto, está mais preocupado com a mãe, que tem uma doença em estado avançado que não consegue ser tratada por ninguém na ilha e que a faz alternar momentos de lucidez e delírios. Neste momento, não existem mais médicos formados ali.

O problema é que ao expandir as fronteiras do filho, Jamie também atiça a curiosidade de Spike pelo conhecimento e por desbravar novas fronteiras. E ao descobrir que há um médico vivendo sozinho no continente o Dr. Kelson (Ralph Fiennes), ele o vê como o único recurso possível para salvar a sua mãe. E assim está traçada a premissa de “Extermínio: a evolução”. Mais uma vez dois personagens precisam ir de um ponto A para o ponto B para cumprir uma missão e tentar sobreviver no processo.

Se ainda não sabem nadar, os zumbis de Boyle também evoluíram em comparação com o primeiro filme. Agora há zumbis rastejantes, que se alimentam de pequenos insetos e há os temidos alfas, zumbis que ao serem infectados ficam superfortes e são capazes de arrancar a cabeça com a espinha dorsal de um humano normal com as próprias mãos. Eles também resistem a mais do que uma flechada, sendo, assim, extremamente perigosos.

Assim como no primeiro filme, a câmera frenética de Boyle, que nos aproxima do horror, mas também nos brinda com tomadas belíssimas é um dos destaques. Se em “Exterminio”, a visão era de uma Londres ainda de pé, mas isolada e vazia, agora, Boyle filma campos lindamente verdes, flores, a natureza florescendo com a ausência da humanidade, mas marcada por zumbis que podem aparecer a qualquer momento, trazendo horror àquela beleza.

Gosto de como houve uma evolução da história de um filme para o outro e de como Boyle e Garland ampliaram o mundo dos zumbis, o dos humanos e também o entorno do centro do contágio. Como existem planos para que este filme seja o início de uma trilogia e o próprio filme tem um gancho que deixa o futuro em aberto, creio que podemos esperar mais alguns movimentos interessantes de Boyle e Garland no aprofundamento deste mundo de apocalipse zumbi.

Nota 7,5/10.

Film review: “A vida de Chuck” e “Operação Vingança”

Tom Hiddleston brilha no filme

A vida de Chuck (The Life of Chuck — EUA — 2024)

Estrelado por: Tom Hiddleston (Charles “Chuck” Krantz), Jacob Tremblay (Charles “Chuck” Krantz jovem), Benjamin Pajak (Charles “Chuck” Krantz criança), Chiwetel Ejiofor (Marty Anderson), Karen Gillan (Felicia Gordon), Mia Sara (Sarah Krantz), Carl Lumbly (Sam Yarborough), Mark Hamill (Albie Krantz), Q´orianka Kilcher (Virginia “Ginny” Krantz), Matthew Lillard (Gus), Violet McGraw (Iris), Kate Siegel (Miss Richards), Samantha Sloyan (Miss Rohrbacher), Heather Langenkamp (Vera Stanley), Nick Offerman (Narrador).

Roteiro: Mike Flanagan a partir do conto de Stephen King.

Direção: Mike Flanagan

Gosto quando um artista se arrisca fora de sua zona de conforto. Com um nome extremamente associado ao terror graças a boas séries de TV como “A maldição da Residência Hill” (2018), “A maldição da Mansão Bly” (2020) e “A queda da casa de Usher” (2023), Mike Flanagan resolveu levar uma das lições do seu novo filme para si e mostrar que também contém multidões, como no poema “Song of Myself”, de Walt Whitman, citado em “A vida de Chuck”.

Baseado num conto de Stephen King, “A vida de Chuck” não deixa de ter um elemento até certo ponto de fantástico e de aterrorizante, mas o que pode ser mais aterrorizante do que a vida? Do que arriscar-se a viver? Algo que nem todos se propõem a fazer em meio aos medos e obrigações que atravessamos pela nossa existência.

“A vida de Chuck” é filme bem bonito. Causa estranheza ao começar pelo terceiro ato, mas aos poucos ele vai se construindo lindamente até montarmos todo o quebra-cabeças de referências que vimos no início nos dois atos restantes. Tudo para fechar com uma revelação que nos faz refletir como agiríamos se soubéssemos daquilo.

Muito bom ver Jacob Tremblay trabalhando. Ele que apareceu tão bem em “O quarto de Jack” (2015). Que atuação delicada e bonita de Tom Hiddleston, que faz o Chuck em sua fase adulta. Que casal fascinante fazem Mia Sara e Mark Hamill, que vivem os avós de Chuck. Ela, toda sabedoria, amor e leveza. Ele, pura razão, mas também amor, pragmatismo e ensinamentos importantes.

“A vida de Chuck” me fez lembrar um pouco “Peixe Grande e suas histórias maravilhosas” (2003), por causar um sentimento agridoce, mas também ser um filme que é uma afirmação da vida. Pode não ser o melhor filme do mundo, mas vou sempre lembrá-lo por sua beleza e delicadeza.

Nota 8/10.

Mais um filme fraco de Malek

Operação Vingança (The Amateur — EUA — 2025)

Estrelado por: Rami Malek (Charlie Heller), Rachel Brosnahan (Sarah), Jon Bernthal (The Bear), Evan Milton (Slater), Holt McCallany (Diretor Moore), Julianne Nicholson (Diretora O´Brien), Barbara Probst (Gretchen Frank), Joseph Milson (Ellish), Marc Rissman (Mishka Blazhic), Michael Stuhlbarg (Schiller), Laurence Fishburne (Henderson), Caltriona Balfe (Inquilline).

Roteiro: Ken Nollan e Gary Spinelli a partir do livro de Robert Littell.

Direção: James Hawes.

A essa altura do campeonato e seis anos depois do fim de “Mr Robot” (2015–2019), já podemos dizer que Rami Malek não é exatamente um grande ator. Apesar de ter feito um bom trabalho ao interpretar o jovem brilhante e altamente instável emocionalmente na famosa série de TV, tudo o que o ator fez na sequência foram variações das caras e bocas do Elliot de “Mr Robot”. Incluído aí o seu Freddie Mercury de “Bohemian Rhapsody” (2018), cuja vitória no Oscar ainda tenho dificuldades de compreender.

“Operação Vingança” é só mais uma variação deste mesmo tema. Pior. Depois de tantos personagens diferentes em que não conseguiu trazer minimamente novas camadas, Malek volta a interpretar aqui um especialista em cibersegurança genial e que se vê diante de uma missão pessoal. No caso do filme, vingar a morte da esposa, que fora vítima de um atentado terrorista em Londres.

Filmes sobre vingança não costumam ser ruins, mas “Operação Vingança” abusa demais da minha suspensão de descrença. Elliot, quer dizer, Charlie Heller, o novo personagem de Malek, não tem instinto assassino, mas fábrica bombas como ninguém. Como quer saciar o seu desejo para ontem, ele até chantageia os colegas da CIA. Colegas estes corruptos, é claro, pois nosso herói atrapalhado que não sabe sequer empunhar uma arma, precisa ter a nossa simpatia numa jornada de vingança que passeia pelo mundo bem ao estilo James Bond.

No fim, depois de passarmos o tempo todo ouvindo que ele não tem um instinto assassino, somos agraciados com uma filosofia de botequim em pleno alto mar antes de Heller dar o xeque-mate no vilão. Acho que podíamos ficar sem essa.

Duas coisas me chamaram a atenção neste filme que se revelou extremamente genérico e anódino:

1. Como pode um único homem, por mais brilhante que seja, enganar TODA a CIA em sua operação clandestina. E toda a inteligência mundial, porque ele viajou muito em sua jornada de vingança.
2. O que deve ter convencido tanta gente boa a trabalhar neste filme? Ele tem Rachel Brosnahan, Laurence Fishburne, Jon Bernthal, Michael Stuhlbarg e Holt McCallany. Tudo bem que nenhum deles faz parte da a lista A de Hollywood, mas são atores bons e famosos o suficiente para estarem num filme melhor. Ou são muito amigos do diretor James Hawes ou são muito fãs dos romances de espionagem de Robert Littel, cuja obra se baseia o filme. Eis um mistério que nem Charlie Heller conseguiria solucionar.

Nota 5,5/10.