Tarja Turunen e Marko Hietala: nostalgia e celebração em Lisboa

Ver Tarja Turunen e Marko Hietala cantando juntos novamente me fez viajar no tempo. Mais precisamente até ao saudoso Canecão, no Rio de Janeiro. Novembro de 2004, show superlotado do Nightwish, turnê do “Once” (2004), que tinha os sucessos “Nemo” e “Wish I had an angel”.

Meses depois daquele show, Tarja seria demitida da banda e engataria numa carreira solo cheia de bons álbuns. Hietala ainda ficaria no grupo de metal sinfônico finlandês até 2021.

O espetáculo “Living the Dream” é sobre nostalgia. Relembrar os bons tempos, afinal, como a própria Tarja diz, “estamos envelhecendo juntos”. Mais ou menos porque eu sou mais novo e estou mais acabado que ela.

Teve de tudo um pouco no charmoso Coliseu dos Recreios, em Lisboa, que tem um quê de Canecão. Depois de uma insossa banda de abertura que entrou no palco já meio derrotada (Rok Ali &The Addiction. Infelizmente não vi o Serpentyne, que abriu os trabalhos na noite), Marko Hietala recuperou a nossas almas com suas canções sobre mitos e dragões e seu visual de quem parece fazer parte da família Targaryen, de “Game of Thrones”.

Já na primeira música, “Frankenstein´s Wife”, Hietala tomou conta do espaço com desenvoltura, bom humor e uma banda bem azeitada. Foram dez músicas, com destaque ainda para “The Dragon Must Die” e “Impatient Zero”.

Quando Hietala chamou a Tarja para cantarem “Left on Mars”, single que lançaram juntos em 2024 e que meio que selou a reaproximação dos dois músicos, tivemos um breve aperitivo do que seria a noite.

O melhor, no entanto, veio depois, com Tarja comandando o espetáculo. Depois de uma sequência de sete músicas, num set que abriu com “Eye of the Storm” e contou com canções como “500 Letters” e “Crimson Deep”, que ela não cantava desde 2020 e 2012, respectivamente, Tarja veio ao palco com Hietala para um set acústico de quatro músicas.

Na sequência, ambos cantaram três canções em formato elétrico, incluindo duas do Nightwish, “Slaying the Dreamer” e “Wishmaster”, um dos pontos mais altos dos momentos “saudades do que vivi” da noite.

Novamente sozinha no palco, Tarja encerrou a primeira parte do show com a maravilhosa “Walk Alone”, do álbum “My Winter Storm” (2007).

O bis veio com “Dead Promises”, o retorno de Hietala ao palco para a sua última participação em “Wish I had an angel”, e a ótima “Until my last breath”, do álbum “What Lies Beneath” (2010), de Tarja.

Por mais que tivesse tido um clima de nostalgia, o concerto dos dois músicos finlandeses também passou um clima de artistas que estão em paz com o passado e satisfeitos com o presente. Para além de nostalgia, houve uma celebração das conquistas do passado e orgulhosa demonstração do que ambos estão fazendo no presente.

Book Review: “E não sobrou nenhum”, de Agatha Christie

“Nenhum de nós vai sair desta ilha. Esse é o plano. A senhorita sabe perfeitamente disso, é claro. O que talvez não posso compreender é o sentimento de alívio!” (Pág. 178)

Interessei-me por ler “E não sobrou nenhum” depois de ouvir um Nerdcast sobre Agatha Christie. Na ocasião um dos participantes do podcast falou tão apaixonadamente do livro e de sua história que a minha curiosidade estava devidamente atiçada e o livro entrou imediatamente no meu radar.

Pois foi uma excelente escolha me iniciar no mundo de Agatha Christie a partir deste livro lançado originalmente pela escritora inglesa em 1939.

“E não sobrou nenhum” é uma história policial que justifica demais a fama de Rainha do Crime de Christie, bem como a sua fama como autora. Tem mistério, suspense, uma constante tensão e constantes questionamentos sobre quem é o assassino em meio ao grupo de dez pessoas que vão parar na Ilha do Soldado a convite de um misterioso homem rico.

Cada morte é construída com requintes de crueldade a partir de um antigo poema infantil. A cada assassinato é possível sentir a tensão entre os personagens que restam. E é fascinante como Christie trabalha com o paradoxo de que a inocência plena só se conquista com o fim da vida. Inocência, claro, da acusação presente de ser o assassino, pois há todo um passado de cada um dos nossos “dez soldadinhos”.

E por fim temos o turning point da história. A descoberta do assassino me pegou de surpresa pela forma como aconteceu. Foi excelente e até certo ponto anticlimático, pois não houve algo como o “discurso do vilão” ou qualquer coisa do gênero. Apenas descobrimos depois de sermos seguidamente ludibriados e apontando sempre para o lado errado.

Talvez sejam posturas como esta que separam Christie de um autor comum dentro do gênero de romance policial. Penso em Jo Nesbo, cujas histórias me divertem, mas não me subvertem. São de um outro estilo, é claro. São de um outro tempo também. Mas nem em “Baratas” (1998), nem em “O Morcego” (1997), os dois livros que li dele, eu percebi a riqueza que se encontra neste livro de Christie. Por outro lado, Nesbo parece um pouquinho mais realista. O autor norueguês nos aproxima mais do cotidiano mundano. Christie, por sua vez é infinitamente mais criativa e sedutora em seus mistérios.

“E não sobrou nenhum” foi para mim uma excelente porta de entrada na obra de Christie. Estou curioso para ler mais livros da escritora inglesa. E não faltam opções. Afinal, a autora escreveu mais de 80 livros ao longo da sua vida.

“Marty Supreme”: o caos sem propósito de um filme que vale por Chalamet

Chalamet é o que o filme tem de melhor

Com nove indicações ao Oscar deste ano, uma série de prêmios em festivais e uma elogiada atuação por parte da crítica de Timothée Chalamet como protagonista, “Marty Supreme” tinha todas as credenciais para despertar a minha atenção. Primeiro filme solo de Josh Safdie desde que ele e o irmão resolveram interromper a parceria que tinham, “Marty Supreme” tem alguma coisa em comum com “Joias Brutas” (2019), o último filme que os irmãos fizeram juntos. Para o bem e para o mal.

De fato, é possível traçar um paralelo entre os dois filmes, especialmente pelo que eu gostei menos no anterior que se repete aqui neste novo trabalho de Josh Safdie. O fato de seu protagonista ser um personagem caótico, com uma urgência caótica que o faz atirar para todos os lados sem conseguir resolver nada. O problema é que tal como o Howard Ratner de Adam Sandler naquele filme, o Marty Mauser de Chalamet é caos, confusão e gritaria sem muito propósito.

Mauser, na verdade, parece uma criança mimada que faz de tudo para conseguir o que quer sem se importar com ninguém que está ao seu redor. Família, amigos, namorada, conhecidos, estrelas de cinema, empresários, todos devem ser a escada para a sua ascensão gloriosa no tênis de mesa. Todos devem se orgulhar por serem pisados pelo grande Mauser, que faz promessas vazias, pois não pode cumpri-las. Simplesmente porque ele acha que quer, ele acha que merece. Simplesmente porque ele acha que é o melhor no que faz.

Neste aspecto, Mauser se afasta de Ratner. O protagonista de “Joias Brutas” não tinha essa autoconfiança irritante. Goste ou não do filme, era possível ter alguma empatia por Ratner. Por Mauser, o desejo é que ele se dê muito mal. Porque não tem uma única pessoa no caminho que ele não tenha decepcionado. Não tem uma única pessoa a quem ele tenha pedido desculpas sinceras. Mauser é um furacão que destrói tudo por onde passa.

E neste momento o questionamento que eu faço é: Qual o propósito deste filme? Não que o cinema necessite ter algum propósito, mas por que eu deveria me engajar nesta história de um desconhecido jogador de tênis de mesa que se acha maior do que realmente é?

Li que o filme foi levemente inspirado em Marty Reisman, jogador estadunidense que ganhou cinco medalhas de bronze em três campeonatos mundiais de tênis de mesa. Mas não é uma biografia fiel aos fatos, e sim mais uma inspiração.

Como história, o roteiro se resume a uma sequência de acontecimentos com o senso de urgência que Mauser impõe em toda a sua vida. Ele está sempre a 300 km por hora no filme. Quem quiser que o acompanhe. Ou ele atropela.

Enfim, ainda reflito sobre a que o filme se propõe, mas horas depois de sair do cinema não cheguei a uma conclusão satisfatória.

O melhor de “Marty Supreme” é a atuação de Chalamet. Se alguém ainda tinha dúvidas do trabalho dele ou implicância com a figura dele, este filme é a prova definitiva que o ator tem talento sim para mostrar e devia se dar valor a Chalamet. Não há trabalho na sua carreira em que ele tenha desaparecido mais em um papel quanto no seu Marty Mauser.

Curiosamente, o irmão de Josh, Benny Safdie conseguiu o mesmo feito com Dwayne Johnson em “Coração de Lutador” (2025). Sendo que o trabalho de Benny foi ainda mais complexo, pois The Rock nunca foi conhecido por ser um grande ator.

No entanto, assim como The Rock teve a melhor atuação da carreira em “Coração de Lutador”, pode-se dizer que Chalamet fez o seu melhor trabalho na carreira em “Marty Supreme”. Ainda que eu goste igualmente dele em “Me chame pelo seu nome” (2017) e “Querido Menino” (2018). Três momentos diferentes da sua carreira, mas atuações que junto com a sua versão do Bob Dylan “Um completo desconhecido” (2024) formam uma coleção de trabalhos que hater nenhum pode contestar.

Os altos e baixos de “Extermínio: O Templo dos Ossos”

Samson e Kelson, os pontos altos do filme

Desde que Danny Boyle revelou que pretendia fazer uma nova trilogia sobre “Extermínio” que continuaria 28 anos depois dos eventos que vemos no primeiro filme de 2002, eu fiquei minimamente curioso. “Extermínio” foi um marco dentro do cinema e estabeleceu um novo padrão para a representação dos zumbis, mostrando-os como rápidos e agressivos. Este padrão foi posteriormente copiado em produções como “Guerra Mundial Z” (2013) e a série “The Last of Us” (2023-). Essa mudança do padrão até então estabelecido e o estilo de filmagem de Boyle com cortes rápido, zoom e um certo jump scare tornaram o filme num clássico.

Em junho do ano passado, Boyle lançou o novo “Extermínio” retomando a parceria com Alex Garland. O filme contava a história de uma comunidade que vive isolada numa ilha, mas que por vezes vai ao continente para caçar num rito de passagem para os jovens. A coisa piora, no entanto, quando o jovem Spike (Alfie Williams) resolve buscar um médico para a mãe doente.

O novo “Extermínio”, chamado de “Evolução” mostrava uma Inglaterra voltando aos tempos de paus e pedras, sem tecnologia, sem armas. E uma evolução por parte dos zumbis, que agora têm diferentes espécies, incluindo os superfortes alfas, capazes de arrancar a cabeça de um ser humano com as próprias mãos.

Dirigido por Nia DaCosta, o segundo filme da trilogia agora chega aos cinemas para continuar praticamente de onde acabou o anterior. “Extermínio: O templo dos ossos”, explora três vertentes a partir dos acontecimentos que vimos no filme anterior:

1) A jornada de Spike após ter abandonado a ilha e o pai para explorar aquele mundo tomado por infectados.

2) A gangue dos malucos de cabelo louro, que matam zumbis como performance estética.

3) A vida do doutor Ian Kelson (Ralph Fiennes) em seu templo de ossos, que vimos muito pouco no filme anterior.

A partir destas três vertentes, Nia DaCosta pareceu ter a liberdade para explorar bastante o mundo pós-apocalíptico a partir de um novo roteiro escrito por Garland.

Este segundo filme tem altos e baixos. Na verdade, tem mesmo uma carinha de segundo filme de trilogia. Correndo o risco de este comentário envelhecer mal, é meio como o “As duas torres” (2002) da trilogia de “O senhor dos Anéis” (2001–03). É bom, mas inferior ao primeiro. E, assim esperamos, que ele seja inferior ao terceiro quando este vir a ser lançado novamente sob a direção de Boyle.

Em alguns momentos “Templo dos Ossos” parece um filme filler, ou seja, um filme com um conteúdo extra sobre o mundo de “Extermínio”, mas que não faz muito parte da história principal. Obviamente esta é uma impressão que não se sustentou muito especialmente a partir da sua segunda metade, quando ele cresce bastante até a um final de certa forma apoteótico.

Gosto que a Nia DaCosta não tentou copiar o estilo de Boyle para este filme. Filmou a sua maneira apostando que o fio condutor de “Extermínio” não é o meio, mas a mensagem. Enfim, a história. Infelizmente, ficou a seu cargo cuidar da pior parte desta trilogia. Os Jimmy’s são insuportáveis e têm tempo demais de tela. Quando surgiram no final de “Evolução”, eles prometiam algo interessante: um bando de lunáticos performando enquanto matam zumbis liderados por Sir Jimmy Crystal (Jack O´Connell), único sobrevivente de uma família toda infectada e morta no início de tudo, e que acolheram o Spike.

O segundo filme mostra que aquilo não passava de uma festa estranha com gente esquisita e tudo o que você deseja é que o Spike se livre rapidamente deles. Na verdade, os Jimmy´s estão ali para reforçar uma marca da franquia “Extermínio”: a lembrança de que o maior terror em qualquer mundo apocalíptico vem dos humanos e não do que supostamente causou a nossa destruição. Os Jimmy´s são uma seita satanista com uma interpretação bem equivocada de fé e religião (qualquer semelhança com o mundo real não é mera coincidência) e mostraram ser uma grande enrascada para Spike. Pior do que ter que fugir e matar zumbis.

O problema é que eles são quadrados e rasos demais na história, o que os fazem ser absolutamente desinteressantes. Felizmente fica bastante claro desde o início que eles eram estúpidos demais e não iam durar muito.

Se os Jimmy´s são o ponto baixo, ponto alto do filme está em toda a trama envolvendo o Dr. Kelson e Samson (Chi Lewis-Parry). Toda a dinâmica criada por Kelson no Templo dos Ossos com o zumbi alfa que, milagrosamente, ele consegue ganhar confiança é muito interessante. Kelson fica maravilhado com a possibilidade de poder de alguma forma dialogar com um infectado ao mesmo tempo em que está estudando uma potencial cura para o vírus. No fim, ele faz uma grande descoberta que o filme nos deixa na expectativa se ela poderá ser aproveitada ou não. Tudo isso, é importante ressaltar, com uma trilha sonora de primeira.

Além dos momentos envolvendo Kelson, eu também gostei do filme pelo seu final performático, quando os mundos de Kelson e dos Jimmy´s se chocam. Ver o médico ridicularizando o grupo com um espetáculo performático ao som de Iron Maiden me pegou muito.

E a cereja no bolo ficou para os minutos finais do filme, quando vemos o retorno de um personagem importante para a franquia e que me pegou de surpresa. Uma surpresa que manteve a minha motivação lá no alto para o terceiro filme.

Nota 7/10.

Book review: “Pachinko”, de Min Jin Lee

“Não há nada que possas fazer, entendes? Este país não vai mudar. Coreanos como eu não podem ir-se embora. Para onde iríamos? Só que os coreanos no nosso país também não estão a mudar. Em Seul, pessoas como eu são apelidadas de bastardos japoneses, ao passo que no Japão sou mais um coreano imundo, por muito dinheiro que ganhe, ou quão simpático seja. Mas e então, foda-se? Todas aquelas pessoas que regressaram ao Norte estão a morrer à fome ou então vivem aterrorizadas” (pág. 371)

Sensibilidade, dor, melancolia. São três palavras que me vieram frequentemente a mente lendo “Pachinko”. A saga de quatro gerações de famílias coreanas ao longo do século XX é arrebatadora pela escrita sensível, muito honesta e sincera de Min Jin Lee. Uma escrita que tem um peso não apenas da experiência pessoal, mas também em quase 30 anos de pesquisa da autora.

Essa combinação de emoção e densidade dramática com uma clara riqueza histórica que se percebe lendo o texto é o que talvez faça com que “Pachinko” seja tão irresistível.

Percebe-se pela jornada destas quatro gerações como a vida dos coreanos que tiveram que fazer a vida no Japão por causa de diferentes guerras e ocupações foi e continua sendo extremamente dura. Fica mesmo uma marca indelével na alma deste grupo de pessoas, muitas delas nascidas no Japão, mas que nunca deixaram de ser coreanos aos olhos dos japoneses. E esta marca é passada de geração a geração.

Penso em memória e de como o trauma perpassa gerações junto com o racismo e a xenofobia dentro de cada civilização. Penso em como o mundo é cruel e não há uma mínima razão para que esta crueldade gratuita, o ódio pelo ódio, esteja na ordem do dia. Seja na história de “Pachinko”, seja no mundo em que vivemos em pleno século XXI, que infelizmente guarda tantos paralelos com esta história.

Estes coreanos que são vistos como imundos no Japão e traidores na Coreia são quase como apátridas. Podem ter um passaporte, mas são odiados por onde passam dentro das culturas em que vivem. O que os faz ter pouca escolha na busca por uma ascensão social. Não por acaso o pachinko, espécie de jogo de azar coreano que é mal visto no Japão, acaba sendo uma das poucas saídas para os indivíduos do livro.

“Pachinko” tem muita dor, tem muita luta na busca por um lugar ao sol. Seus personagens guardam uma melancolia que parece tatuada na alma. Uma melancolia que aprisiona seus personagens junto com o senso de responsabilidade para com a família e uma busca por uma nobreza nos atos em alguns momentos até ingênua aos meus olhos ocidentais. A vida dos seus personagens parece um fardo enorme para carregar.

“Pachinko” é brilhante. Uma história extraordinária sobre os sacrifícios que os imigrantes fazem para ter um lugar no mundo. O livro de Min Jin Lee é uma leitura obrigatória que dialoga demais com o nosso tempo, especialmente quando vemos discursos que vilanizam o imigrante e a imigração ganhando tanto eco no mundo. Um paradoxo do nosso tempo. Quanto mais conectados estamos, mais apelamos para uma ridícula voz tribal e protecionista. Voz esta que é comandada pelos piores nomes da extrema-direita que voltaram a circular pelo planeta. E não tem nem 100 anos que acabou a Segunda Guerra Mundial, o auge deste horror e um dos pontos iniciais do horror dos personagens de “Pachinko”.

O que é difícil de compreender para muitos é que quando você imigra você deixa de ser uma única coisa. Não se reconhece no passado, não se enxerga no presente. Estar entre dois (ou mais) mundos é um dos fardos do imigrante que “Pachinko” mostra com tamanha… sensibilidade, dor e melancolia.

Mais uma vez volto a estas três palavras. Três conceitos que junto com o vazio do não pertencimento resumem um pouco do que penso sobre esta obra magnífica de Min Jin Lee. Um verdadeiro clássico moderno.

Os melhores filmes de 2025

"Valor Sentimental", "Pecadores" e "O Agente Secreto"

Para encerrar o ano, vamos a lista com os meus filmes favoritos de 2025. Foi um sofrimento chegar a uma lista que fosse boa e diversa. 

Tive que deixar alguns diretores que gosto muito de fora, como Guillermo del Toro (“Frankenstein”), Wes Anderson (“O esquema fenício”) e Richard Linklater (“Nouvelle Vague”), em nome de uma variedade e também porque embora tenha gostado de seus filmes, acho que faltou algo para eles estarem no top-40 deste ano. 

Fico feliz, no entanto, pela quantidade de filmes brasileiros que entrou na lista. Foram cinco, mostrando que foi um belo ano para o cinema brasileiro. E mais poderiam até ter entrado. No fim, tudo é uma mistura de gosto pessoal, equilíbrio e análise crítica. Não existe lista perfeita. E a minha está longe de ser perfeita. 

Dito isto, vamos a lista:

1 — Valor Sentimental (Affeksjonsverdi — NOR, ALE, DIN. FRA, SUE, ING, TUR). Diretor: Joachim Trier.

2 — Pecadores (Sinners — EUA). Diretor: Ryan Coogler.

3 — O Agente Secreto (O Agente Secreto — BRA, FRA, NL, ALE). Diretor: Kléber Mendonça Filho.

4 — Uma Batalha após a outra (One Battle After Another — EUA). Diretor: Paul Thomas Anderson.

5 — Dreams (Drommer — NOR). Diretor: Dag Johan Haugerud.

6 — Sing Sing (Sing Sing — EUA) — Diretor: Greg Kwedar.

7 — Homem com H (Homem com H — BRA) — Diretor: Esmir Filho.

8 — Amável (Elskling — NOR) — Diretora: Lilja Ingolfsdottir.

9 — O filho de mil homens (O filho de mil homens — BRA) — Diretor: Daniel Rezende.

10 — Bugonia (Bugonia — IRL, ING, CAN, COR, EUA) — Diretor: Yorgos Lanthimos.

11- Foi apenas um acidente (Yek Tasadef sadeh — IRN, FRA, LUX, EUA) — Diretor: Jafar Panahi.

12- A vida de Chuck (The Life of Chuck — EUA) — Diretor: Mike Flanagan.

13- A semente do fruto sagrado (Dâne-ye anjir-e ma´âbed — FRA, ALE) — Diretor: Mohammad Rasoulof.

14 — O Brutalista (The Brutalist — EUA, ING, CAN) — Diretor: Brady Corbet.

15 — Oeste outra vez (Oeste outra vez — BRA ) — Diretor: Erico Rassi.

16 — O último azul (O último azul — BRA, MEX, NL, CHI) — Diretror: Gabriel Mascaro.

17 — On Falling (On Falling — ING, POR) — Diretora: Laura Carreira.

18 — O reformatório Nickel (Nickel Boys — EUA) — Diretor: RaMell Ross.

19- Um completo desconhecido (A complete unknow — EUA) — Diretor: James Mangold.

20 — Love (Kjaerlighet — NOR) — Diretor: Dag Johan Haugerud.

21 — Vitória (Vitória — BRA) — Diretor: Andrucha Waddington.

22 — Sorry, Baby (Sorry, Baby — EUA, ESP, FRA) — Diretora: Eva Victor.

23 — Sirât (Sirât — FRA, ESP ) — Diretor: Oliver Laxe.

24 — Sonhos de Trem (Train Dreams — EUA) — Diretor: Clint Bentley.

25 — Morra, amor (Die my love — ING, CAN, EUA ) — Diretora: Lynne Ramsay.

26 — Springsteen: Salve-me do Desconhecido (Springsteen: Deliver Me from Nowhere — EUA) — Diretor: Scott Cooper.

27 — F1: O Filme (F1: The Movie — EUA) — Diretor: Joseph Kosinski.

28 — A hora do mal (Weapons — EUA) — Diretor: Zach Cregger.

29 — Superman (Superman — EUA, CAN, AUS, NZL) — Diretor: James Gunn.

30 — A história de Souleymane (L´Histoire de Souleymane — FRA ) — Diretor: Boris Lojkine.

31 — Ladrões (Caught Stealing — EUA) — Diretor: Darren Aronofsky.

32 — O ônibus perdido (The Lost Bus — EUA) — Diretor: Paul Greengrass.

33 — Honey, não! (Honey, Don´t! — ING, EUA) — Diretor: Ethan Coen.

34 — Acompanhante Perfeita (Companion — EUA) — Diretor: Drew Hancock.

35 — Pequenas coisas como estas (Small Things Like These — IRL, BEL, EUA) — Diretor: Tim Mielants.

36 — Extermínio: A Evolução (28 Years Later — ING, EUA) — Diretor: Danny Boyle.

37 — Código Preto (Black Bag — EUA) — Diretor: Steven Soderbergh.

38 — Jovens Mães (Jeunes mères — BEL, FRA ) — Diretores: Jean-Pierre e Luc Dardenne.

39 — Três amigas (Trois Amies — FRA) — Diretor: Emmanuel Mouret.

40 — Primeiro encontro (Follemente — ITA) — Diretor: Paolo Genovese.

Como este também foi um ano em que vi mais documentários do que o normal e sempre achei que documentários são muito diferentes de filmes de ficção para serem colocados dentro da mesma categoria, resolvi fazer um top-5 documentários. 

Segue a minha lista:

1 — Ernest Cole: Achados e Perdidos (Ernest Cole: Lost and Found — FRA, EUA) — Diretor: Raoul Peck.

2- Ozzy Osbourne: No escape from now (Ozzy Osbourne: No escape from now — EUA, ING) — Diretora: Tania Alexander.

3 — Becoming Led Zeppelin (Becoming Led Zeppelin — ING, EUA) — Diretor: Bernard MacMahon.

4- Ritas (Ritas — BRA) — Diretores: Oswaldo Santana e Karen Harley.

5- Apocalipse nos Trópicos (Apocalypse in the Tropics — EUA, BRA, ING) — Diretora: Petra Costa.

É isso. Um feliz ano novo a todos. Em 2026, voltamos com mais análises de filmes e listas. 

As melhores séries de 2025

"The Pitt", "Adolescência" e "Pluribus", o top-3

Antepenúltimo dia do ano. Chegou a hora de divulgar a lista com as melhores séries de 2025. Foi um ano de muita coisa boa. Lamento pelas que ficaram de fora, mas a regra é clara. Só vale 20.

Então segue abaixo o crème de la crème da televisão/streaming de 2025.

1- The Pitt (The Pitt — EUA — HBO) — Essa série foi uma porrada arrebatadora. Foi a mais surpreendente que eu vi em 2025. Principalmente porque eu não gosto e não ligo para séries médicas. Contudo, foi uma decisão muito sabia em dar uma chance para ela. “The Pitt” tem tudo o que uma boa série precisa ter. O roteiro é ótimo, os atores são muito bons, a série é bem dirigida, as histórias são muito boas, a tensão da urgência do hospital é permanente. Nunca soube que eu precisava de uma série médica que funciona ao estilo da antiga série “24 horas”. Sensacional.

2- Adolescência (Adolescence — ING — Netflix) — Além de ser uma série excelente sobre temas extremamente importantes e atuais, a série ainda se impôs o desafio de filmar todos os episódios em plano-sequência. Isso é praticamente uma música de rock progressivo do audiovisual. “Adolescência” foi outra surpresa extremamente agradável do ano.

3- Pluribus (Pluribus — EUA — Apple TV) — Vince Gilligan é um mago da TV. E tem a incrível capacidade de fazer séries de um jeito absolutamente refinado. Gilligan não trata o espectador como idiota e seus trabalhos tem o tempo de desenvolvimento que ele acha que deve ter, sem apelar para plot twists ou cliffhangers. “Pluribus” chegou bem no final do ano para discutir temas como positividade tóxica, entre outros, e nos colocou semanalmente para pensar sobre o que faríamos nas mais diferentes situações que seus episódios exibiam. Assim como “Breaking Bad” e “Better Call Saul”, “Pluribus” tem a marca do refinamento e o timing estabelecido por seu criador. Não vejo a hora de ver a segunda temporada.

4- O Estúdio (The Studio — EUA — Apple TV) — Uma série fenomenal sobre a indústria cinematográfica de Hollywood. Não sei como o Seth Rogen conseguiu convencer tanta gente a participar dela protagonizando muitas cenas que são críticas à própria indústria. Foram muitos episódios icônicos que fizeram com que a série figurasse no top-5 de 2025.

5- O lendário Martin Scorsese (Mr. Scorsese — EUA — Apple TV) — Série documental maravilhosa dirigida por Rebecca Miller. Uma verdadeira aula de cinema em cinco capítulos. Ela reafirma a genialidade do diretor, expõe seus demônios internos e externos e mostra o quanto Scorsese é um indivíduo muito único na indústria. De quebra, ainda reafirma a genialidade de nomes como o ator Robert De Niro e a montadora Thelma Schoonmaker, frequentes colaboradores de Scorsese, e a importância de Leonardo Di Caprio para o diretor a partir da virada para o século XXI.

6- Andor (Andor — EUA — Disney Plus) — “I have friends everywhere”. Essa frase ficou ecoando por dias na minha cabeça como um símbolo da resistência política neste que é um dos melhores trabalhos já feitos dentro do universo de Star Wars. Que série incrível.

7- Ruptura (Severance — EUA — Apple TV) — A segunda temporada de “Ruptura” continuou entregando episódios muito bons enquanto aprofundava a discussão sobre os internos e os externos. E o final foi excelente.

8- Alien: Earth (Alien: Earth — EUA, TAI — Fx/Hulu) — Além de Vince Gilligan, que eu falei aqui em cima, outro cara que sabe fazer TV de qualidade é Noah Hawley. Responsável por “Fargo” (2014–2024) e “Legion” (2018–2019), Hawley criou uma série do universo de Alien que é um misto de ficção científica, suspense e terror com design e elementos visuais que lembram muito o de “Blade Runner” (1982). Está é a primeira história do universo que se passa na Terra, onde vemos grandes corporações disputarem espécimes com incrível capacidade de adaptação e que se espalham facilmente como vírus destruidores.

9- Terra da Máfia (Mobland — ING, EUA — Paramount/MTV) — Série maravilhosa sobre a máfia de Londres com Tom Hardy e Helen Mirren inspiradíssimos e uma das melhores atuações da carreira de Pierce Brosnan.

10- Task (Task — EUA — HBO) — Brad Ingelsby praticamente repetiu a fórmula de “Mare of Easttown” (cidade insignificante dos EUA, policial longe da melhor forma física e mental e um crime para resolver) e criou mais uma série maravilhosa. É preciso estar sempre de olho no que Ingelsby está fazendo. Ele parece dominar um certo tipo de narrativa bem interessante. 

11- A Diplomata (The Diplomat — ING, EUA — Netflix) — A série está na sua terceira temporada e não perdeu o fôlego. Criada por Deborah Cahn, a série tem um humor refinado ao mesmo tempo em que fala de geopolítica e faz o trabalho de um embaixador parecer mais emocionante do que eu imagino que deva ser.

12- Slow Horses (Slow Horses — ING, EUA — Apple TV) — A quinta temporada foi uma das melhores da série protagonizada por Gary Oldman. É outra série que está longe de perder o fôlego.

13- O Urso (The Bear — EUA — FX) — Esta é uma série que vem aparecendo entre as melhores todo ano desde a sua estreia. Gostei muito da quarta temporada e a sua posição atual neste ranking não reflete uma queda de qualidade. Pelo contrário, sua força está em ter aparecido por quatro vezes na lista das melhores de um ano.

14- Paradise (Paradise — EUA — Hulu) — Esta foi uma das boas surpresas do ano. Um segurança do presidente estadunidense tenta resolver um crime dentro de um mega bunker da humanidade num mundo pós-apocalíptico. E mais eu não posso dizer.

15- Morrendo por sexo (Dying for Sex — EUA — FX/Hulu) — Imagina ter um tema super pesado para tratar como a morte iminente por câncer e juntar isso com a história de uma mulher que começa a explorar plenamente a sua sexualidade em busca de um orgasmo. Não parecia ser possível juntar as duas coisas, mas nada que um texto muito bom adaptado do podcast “Dying for sex” por Elizabeth Merriwether e Kim Rosenstock e uma interpretação maravilhosa de Michelle Williams não transformassem numa ótima, divertida, engraçada e agridoce série de TV.

16- Terra Indomável (American Primeval — EUA — Netflix) — Foi uma das primeiras séries que eu vi no ano e foi uma surpresa positiva. Fala de uma forma brutal sobre a exploração do Oeste americano. Longe do romantismo que vemos em filmes antigos, ela mostra a espiral de violência envolvendo nativos, governo, mórmons imigrantes. Tudo com muita sujeira e caos.

17- Diários de um robô assassino (Murderbot — EUA — Apple TV) — Uma grants surpresa. Não dava nada por está série, mas ela se revelou bem legal. Trata de um robô que faz segurança para humanos que hackeia o próprio sistema, se rebela e só quer ver séries de TV enquanto descobre os prazeres do mundo. Alexander Skarsgaard mostrou ter um bom timing cômico.

18- Fundação (Foundation — EUA — Apple TV) — Foi o ano da Apple TV definitivamente. “Fundação” é a sétima produção da Apple a entrar no top-20, mostrando que o streaming tem feito muita coisa de qualidade. A terceira temporada desta série foi uma das minhas favoritas e ainda teve um episódio final de tirar o fôlego. Para mim, “Fundação” só vem crescendo, ainda que pouco se fale sobre está série baseada na obra de Isaac Asimov. E definitivamente em 2026 eu preciso começar a ler Asimov. 

19- Hacks (Hacks — EUA — HBO) — A quarta temporada pode até não ter o mesmo fôlego que as anteriores, mas “Hacks” continua sendo uma série muito legal de acompanhar.

20- It: Bem-vindos a Derry (Welcome to Derry — EUA — HBO) — Esta série mostrou que há fôlego para a expansão do universo de “It”. A primeira temporada foi interessante o suficiente para figurar nesta lista e despertar a minha curiosidade para os trabalhos futuros.

Menções honrosas: “Black Rabbit” (Netflix), As quatro estações (Netflix), “Demolidor: Renascido” (Disney Plus), A idade dourada (HBO) e “O monstro em mim” (Netflix).

Amanhã voltamos com a lista dos melhores filmes do ano. 

Os melhores álbuns de 2025

Com 2025 chegando ao fim, é hora de fazer a lista dos melhores álbuns do ano. Eis o meu top-20:

1 — Daron Malakian nd Scars on Broadway — “Addicted to the Violence” — Se tem algum fã de System of a Down com saudade de um material inédito da banda, talvez uma boa opção seja ouvir a discografia solo de Daron Malakian. O terceiro álbum do músico em muitos momentos lembra um disco do System of a Down, mas sem os vocais marcantes de Serj Tankian. Por outro lado, é um álbum que apresenta uma estrutura eclética, boas melodias e temas políticos que o fizeram ficar no topo da minha lista. (Mais sobre o disco na crítica que fiz para o site Rock on Board)

2 — Ghost — “Skeletá” — “Skeletá” pode até não ser o melhor álbum do Ghost, mas é inegável que a banda liderada por Tobias Forge, ou atualmente Papa V Perpetua, fez um dos grandes álbuns de 2025. Muito influenciado pelo rock dos anos 1980, reafirma as virtudes da banda sueca, que também proporcionou uma experiência em seus concertos que foi interessante e perdida pelos tempos modernos, em que os celulares foram proibidos. “Skeletá” é rock, é pop, é teatro, é espetáculo e merece todos os elogios. (Mais sobre o disco na crítica que fiz para o site Rock on Board)

3 — The Amazons — “21st Century Fiction” — Eu não conhecia muito bem esta banda britânica até ouvir “21st Century Fiction”. O álbum foi um arrebatamento instantâneo. Por vezes, o The Amazons me lembrou um pouco bandas como Royal Blood e Muse, mas ficar preso a isto seria limitar demais o som do grupo de Reading formado por Matt Thomson (vocais), Chris Alderton (guitarra) e Elliot Briggs (baixo), que fez um dos grandes álbuns de rock do ano.

4 — Suede — “Antidepressants” — Nunca prestei muita atenção no Suede, mas “Antidepressants” definitivamente fez com que eu achasse que devia dar uma olhada com mais atenção na banda. Décimo álbum de estúdio do grupo de Londres, o disco tem uma pegada meio soturna, gótica, explorando temas com paranoia, morte e a desconexão com a modernidade. Ao mesmo tempo e paradoxalmente há críticos que o veem como uma afirmação da vida. Eu gostei bastante do que ouvi e agora pretendo dar mais atenção ao resto da discografia do grupo.

5 — The Hives — “The Hives Forever Forever The Hives” — Sétimo trabalho de estúdio da banda sueca, este disco representa o The Hives fincando os dois pés no rock de arena, o que eles mostraram saber fazer muito bem para quem teve a oportunidade de assistir aos shows da turnê deste disco. “The Hives Forever Forever The Hives” é divertido, bem feito e levantaria qualquer um de um estado de tristeza.

6 — Lady Gaga — “Mayhem” — Que belezura de álbum. Aquele disco pop raiz que me fez transportar para uma música pop feita um pouco nos anos 1980 e 1990. Muita gente exalta “Abracadabra”, mas esta está longe de ser a melhor canção de um álbum que tem canções como “Vanish into you”, “Disease” e “Perfect Celebrity”.

7 — El Cuarteto de Nos — “Puertas” — Essa banda uruguaia tem mais de 40 anos de estrada e até então eu nunca tinha escutado nenhum trabalho dela. “Puertas” caiu no meu colo em meio a vários discos ao longo deste ano e gostei imediatamente. Agora preciso me aprofundar mais e ouvir os outros trabalhos do grupo.

8 — We Are Scientists — “Qualifying Miles” — Um álbum bem robusto musicalmente. Acho muito interessante a consistência, arranjos e escopo lírico que a banda da Califórnia criou neste que é o seu nono álbum de estúdio.

9 — Wolf Alice — “The Clearing” — Há discos que não nos ganham na primeira vez que ouvimos. “The Clearing” foi um pouco assim. Na primeira vez que ouvi o quarto álbum de estúdio desta banda britânica, eu achei legal, mas nada de especial. Foi então que resolvi ouvir de novo e a magia aconteceu, me fazendo perceber a riqueza e uma série de nuances deste disco que tem uma pegada um tanto quanto setentista.

10 — The Hellacopters — “Overdrive” — O Hellacopters é a terceira banda sueca a entrar nesta lista, mostrando que há toda uma cena roqueira interessante acontecendo por lá. “Overdrive” é um classic rock feijão com arroz bem feito e saboroso.

11 — Franz Ferdinand — “The Human Fear” — Não tenho visto o Franz Ferdinand figurar em muitas listas neste ano. Em parte acho que é porque “The Human Fear” não está entre os melhores trabalhos da banda. Em parte eu acho que é porque “The Human Fear” saiu no dia 10 de janeiro. Mas este é um outro disco que cresce muito conforme ouvimos cada vez mais. Acho um álbum gostoso demais de ouvir, meio como entrar numa festa nostálgica na night escocesa.

12 — Halestorm — “Everest” — Sempre gostei do hard rock da banda liderada por Lzzy Hale e acho que “Everest” tem algumas de suas melhores canções. Destaque para “Shiver”, que é uma das minhas músicas favoritas do disco.

13 — Bush — “I Beat Loneliness” — “I Beat Loneliness” é um pouco uma tentativa do Bush em retomar uma sonoridade que mostrava no início, mas também uma tentativa de dar uma nova guinada para o futuro. Como olhar para o passado buscando inspiração para se adaptar e seguir em frente. Eu gostei do álbum e foi mais um que cresceu para mim na segunda vez que ouvi. (Mais sobre o disco na crítica que fiz para o site Rock on Board)

14 — The Darkness — “Dreams on Toast” — O que eu mais gosto deste álbum do The Darkness é sua versatilidade. O disco tem rock, country, baladas e ainda termina com uma canção digna de um musical.

15 — Robert Plant with Suzi Dian — “Saving Grace” — Robert Plant vive muito bem e em paz com seu passado. O Led Zeppelin não é uma sombra pesada, mas algo do que ele se orgulha e não tem nenhum problema em falar sobre, visto o documentário “Becoming Led Zeppelin”, mas ao mesmo tempo é um assunto superado. Desde então, o cantor fez diversos álbuns muito interessantes e ricos musicalmente como “Band of Joy” (2010) e “Lullaby and the Ceaseless Roar” (2014). “Saving Grace”, lançado em parceria com a cantora Suzi Dian, é tão bom que me fez quebrar a regra de que esta lista só pode ser de álbuns com material original. Aqui, Plant faz uma releitura de materiais de artistas como Memphis Minnie, Moby Grape, e Blind Willie Johnson. É um álbum muito bom de um artista em paz com o passado e de bem com o presente.

16 — Buddy Guy — “Ain´t Done with the Blues” — Buddy Guy tem 89 anos, mas como o próprio nome do seu álbum indica, está longe de ter acabado com o blues. Ele fez um excelente disco que conta ainda com parcerias com Joe Bonamassa e Peter Frampton e que foi indicado ao Grammy na categoria de Melhor Álbum de Blues Tradicional. O resultado só conheceremos em fevereiro de 2026.

17 — Florence and the Machine — “Everybody Scream” — Não sou exatamente um fã de Florence and the Machine, mas “Everybody Scream” é um álbum bem interessante musicalmente e que mereceu um lugar no top-20.

18 — The Lathums — “Matter does not define” — Terceiro álbum desta banda britânica. É daqueles discos meio indie muito legal de ouvir que muitas bandas da Inglaterra fazem. Tem um que de Smiths, um que de Arctic Monkeys. Bem interessante.

19 — Coheed and Cambria — “Vaxis — Act III: The Father of Make Believe” — Quando ouvi o álbum pela primeira vez, estava pronto para colocá-lo no top-5. A segunda escutada o fez perder um pouco da força, mas ainda assim continuei gostando de ouvir este Coheed and Cambria que me pareceu um pouco diferente da imagem que eu tinha do grupo.

20 — Neil Young and the Chrome Hearts — “Talkin to the Trees” — O Neil Young que conhecemos e amamos. Aquele garage rock com pegada blueseira e canções de protesto necessárias neste tempo sombrio em que vivemos.

Amanhã eu volto com as melhores séries de 2025.

“Valor Sentimental”: investigação do trauma e reconciliação pela arte

Reinsve está maravilhosa no papel

(Atenção: Esta crítica contém spoilers do filme)

Há filmes que a gente consegue saber desde o início que estarmos diante de algo diferente. Eu tive está sensação nos primeiros minutos de “Valor Sentimental” (Affeksjonsverdi, no original), o novo filme do diretor dinamarquês Joachim Trier, o mesmo do excelente “A pior pessoa do mundo” (2021).

Nestes primeiros minutos, Trier usa a casa que pertenceu a diferentes gerações da mesma família como uma metáfora para uma exploração da intimidade desta família, revelando memórias, fraturas e conflitos não resolvidos.

Os primeiros minutos retratam a casa tendo como texto de fundo uma redação em que a jovem Nora Borg escreveu para a escola usando a casa como a protagonista. Eles dão o início de uma jornada de investigação de traumas e reconciliação pela arte.

Pulando para o presente, o cineasta Gustav Borg (Stellan Skarsgard numa atuação absolutamente fenomenal), aparece no funeral do sua ex-mulher e se vê diante de suas duas filhas, Nora (Renate Reinsve, ainda mais impactante e cheia de nuances do que no filme anterior de Trier) e Agnes (Inge Ibsdotter Lilleaas, que eu não conhecia, mas cujo trabalho magistral não fica nem um pouco atrás dos dois protagonistas). Logo de cara, percebe-se que há uma relação com arestas que precisam ser aparadas ali.

Borg representa o clichê do cineasta livre, que viveu para o cinema, negligenciando o tempo para cuidar das filhas. Nora é uma atriz de teatro de sucesso que frequentemente tem ataques de pânico e parece ter dentro de si uma tristeza e assuntos não resolvidos. Agnes é uma historiadora que não quis seguir a carreira artística, embora tenha sido a estrela mirim de um dos filmes de sucesso de Borg. As duas se ressentem da falta do pai, são magoadas pela sua ausência que vem de muito antes de sua separação da mãe.

Borg, no entanto, parece querer tentar uma reaproximação com a família. E o caminho que ele usa é o que ele mais conhece e se sente à vontade. Depois de 15 anos sem filmar, o diretor tem um roteiro novo e quer oferecer à filha. O roteiro é perfeito para ela, ele diz. Ela, no entanto, se recusa a filmá-lo numa cena em que Skarsgaard e Reinsve duelam com expressões cheias de sutilezas e extremamente ricas pelo que não é dito. Nora diz não conseguir trabalhar com Borg porque sequer consegue dialogar com ele. Fica claro desde o início que eles têm algo que os afasta.

Borg, entretanto, precisa fazer este filme. Ele é parte do seu processo de investigação do motivo do suicídio de sua mãe quando ele tinha apenas sete anos.

É quando entra em cena a famosa atriz americana Rachel Kemp (Elle Fanning, brilhante). Ela tem o dinheiro, os recursos e o nome para atrair a atenção de grandes produtoras como a Netflix. Estes momentos que envolvem a participação de Borg em um festival de cinema e a produção para a Netflix são o máximo de alívio cômico que “Valor Sentimental” nos entregará.

Kemp se esforça muito para fazer o filme, mas por mais excelente que seja como atriz, e há algumas cenas realmente maravilhosas de Fanning neste processo, ela sente que há algo de errado. Que não devia estar ali. Embora não exponha isso para além de sutis comentários e olhares, Borg também sente que algo não está certo. Mas entre o filme possível e o não filme, ele mantém os ensaios e a produção de pé.

Paralelamente, Agnes começa a investigar o passado da avó. Sua prisão e tortura por nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. Ali temos vislumbres do que a mãe de Borg viveu. Vislumbres para tentarmos conectar com sua investigação pela arte.

É curioso que Trier coloque no centro desta história um diretor, uma atriz e uma historiadora. De um lado, Borg quer fazer o filme para tentar compreender as razões do suicídio da mãe. Mas o roteiro, como ele sempre deixa claro, não é (somente) sobre ela, mas também sobre a filha, Nora, que já mais para o fim do filme, descobrimos que também tentou tirar a vida em algum momento no passado.

Do outro, temos a historiadora, a acadêmica buscando dados e fatos do passado para compreender não apenas o passado, mas também o presente.

As duas camadas são importantes para nos darem pistas para construir o quebra-cabeças daquela família com relações fraturadas pelo tempo, pelo afastamento, por escolhas equivocadas, pela falta de diálogo.

Trier construiu em “Valor Sentimental” um filme monumental. É um trabalho sobre memória e o poder reconciliador da arte que conta com atuações soberbas dos seus principais atores. Se eu só pudesse escolher um filme para levar de 2025, definitivamente seria este.

Nota 10/10.

Helloween: 40 anos de puro entretenimento

Celebrando 40 anos de Helloween no Campo Pequeno, em Lisboa. Acho muito interessante que a formação da banda com dois vocalistas (ou três de lembrarmos que Kai Hansen também canta algumas músicas), deu um novo gás para a banda e power metal alemã num momento da carreira em que veteranos grupos de hard rock e metal costumam fazer aqueles pausas estratégicas nos shows para recuperar o fôlego.

Com Michael Kiske, Andi Deris e Kai Hansen se revezando nos vocais e em muitos momentos cantando juntos, o show do Helloween praticamente não para durante quase 2h30min. Ou como Kiske e Deris comentaram durante o set acústico, alguns membros fazem a pausa do cigarrinho.

Curioso ver como está formação com a volta de Hansen e Kiske, que seria apenas para a turnê de celebração “Pumpkins United” em 2017 acabou por ser um recomeço dentro da banda, gerando uma química tão boa que o grupo até lançou um novo álbum este ano, “Giants & Monsters”.

O disco marca a primeira colaboração de Hansen com o Helloween desde “Keeper of the Seven Keys: part II” (1988) e a primeira de Kiske desde “Chameleon” (1993).

Hansen, Deris e o guitarrista Michael Weikath trabalharam juntos na composição do novo álbum, que é uma dos principais chamarizes da tour. Algumas de suas melhores canções (“A little is a little too much”, “Into the Sun”, “This is Tokyo”) são tocadas no show, que também é recheado de clássicos construídos ao longo das últimas quatro décadas como “Future World”, “I Want out”, “Halloween”, “Eagle fly free”, “Power” e “Dr.Stein”.

Gostei que no meio do show tivesse um set acústico com Kiske se arriscando até a cantar um trecho de uma música de Elvis Presley. Set este que termina apoteótico “A tale that wasn’t right”, quando o resto da banda volta ao palco.

Antes do Helloween entrar no palco, a música que toca no Campo Pequeno é “Let me entertain you”, do Robbie Williams. Não poderia haver escolha mais perfeita para introduzir o espetáculo. Se teve algo que o Helloween entregou muito bem foi entretenimento. E não houve tempestade em Lisboa que impedisse os metaleiros de lotarem o Campo Pequeno.