Memórias da Alcova

Entre quadrinhos e cavalos

2012-02-19T23:24:00.001-02:00

O jovem e seu amado cavalo: argh!

É raro ter no cinema dois filmes do mesmo diretor passando ao mesmo tempo. Ainda mais raro é o diretor cometer tantos equívocos e errar duas vezes com as suas películas fazendo dois trabalhos bem fracos. Essa é a marca que Steven Spielberg conseguiu com “Cavalo de Guerra” e “As aventuras de Tintim”.

Eu não gostei de “Cavalo de Guerra” com três minutos de uma película que é beeeem longa. Aquela imagem de campos verdes com a câmera voando e com cavalos quase virgens cavalgando numa celebração da liberdade enquanto a música de John Williams ecoava forte, bem forte, nas caixas de som como se fazia nos filmes dos anos 40 e 50, me deu náuseas. Embrulhou o estômago mesmo.

E nas 2h30m subsequentes, “Cavalo de Guerra” só comprovou sua ruindade nas atuações, na pieguice, enfim, é o pior filme que o diretor já fez. Peraí, pior filme? Sai do cinema com essa sensação, mas será que era para isso tudo mesmo? Tudo bem, Spielberg fez “E.T.” (1982), mas até o alienígena conseguia ser mais simpático do que o filme dos cavalos.

Com medo de ser traído pela minha mente, fui consultar a Bíblia do cinema. Leia-se o site “Imdb”. Estão ali. Cinquenta filmes como diretor. Entre eles algumas coisas muito ruins como “Guerra dos mundos” (2005), outras que não fedem nem cheiram como “Prenda-me se for capaz” (2002) ou “O Terminal” (2004), filmes que gosto muito como “Munique” (2005), “A.I. Inteligência Artificial” (2001) e “O resgate do Soldado Ryan” (1998) e outros muito bons como “O império do sol” (1987), “A lista de Schindler” (1993) e “Amistad” (1997). É, Spielberg, você já fez coisa muito melhor.

Após uma acurada análise nos filmes dele que já vi pude concluir com segurança: “Cavalo de Guerra” definitivamente é o pior filme do diretor americano de 65 anos. Tudo ali dá errado. Da direção ao roteiro de Lee Hall e Richard Curtis. Sem contar as atuações lamentáveis. A começar pelo protagonista Jeremy Irvine, o jovem Albert Narracott, que desde cedo se apaixona pelo tal cavalo do título.

Depois que o pai resolve comprar o animal fraco só para não se render aos caprichos financeiros do senhor feudal da região, Albert promete domá-lo e fazer arar a terra mesmo fora de época e num terreno muito ruim. Mas milagres acontecem nos filmes de Spielberg. Chove. Chove muito e a dupla que estava sendo ridicularizada pela população local dá a volta por cima mostrando que persistência é uma virtude dos nobres.

Será a primeira tentativa de Spielberg de nos emocionar. A chuva que salva é a mesma que devasta, no entanto. A colheita não pode ser feita e para pagar o aluguel, Ted (Peter Mullan) precisa vender o cavalo que o filho tanto ama.

A primeira guerra mundial se aproxima e o cavalo vai para o exército. Mas com a promessa de Albert de que um dia eles iriam se reencontrar. Assim que o garoto puder se alistar no exército.

O cavalo faz amizade com outros de sua espécie (sim, o cavalo é quase humano), eles se cuidam, passam pelo exército inglês, pelo exército alemão e o tal cavalo tem, digamos, “a guarda” disputada por um inglês e um alemão num momento de bandeira branca em meio as putrefatas trincheiras. É uma das cenas mais patéticas que eu já vi. Passada, aliás, depois de outra cena igualmente patética do cavalo cavalgando desesperadamente para fugir da loucura da guerra, mas acabando preso no arame farpado das trincheiras.

Mas Albert só quer saber de encontrar o seu querido cavalo, cuja imagem ele guarda na carteira com o mesmo amor que os outros soldados guardam lembranças de esposas e namoradas.

No fim, é claro que tudo ficará bem e terminará com uma tomada em outra nauseante cena de pôr do sol. Como alguém não virou para o Spielberg e disse que estava tudo errado ali?

Tintim é simpático, mas o roteiro é confuso

Esse mesmo indivíduo deveria ter sido crítico com “Tintim”. Ao contrário de “Cavalo de Guerra”, “Tintim” não é um desastre, mas também não figuraria na minha lista de 50 animações a serem vistas antes de morrer.

O problema no filme baseado nos quadrinhos do belga Hergé é o roteiro confuso de Steven Moffat, Edgar Wright e Joe Cornish. Talvez não tenha sido uma boa ideia fazer uma película baseada em três histórias de Hergé. Deixou o filme com uma história meio capenga e confusa.

Mas ao contrário de “Cavalo de Guerra”, “Tintim” tem seus bons momentos, com passagens divertidas que não causam asco como no trabalho sobre o cavalo. Diante da concorrência, até poderia ter recebido uma indicação ao Oscar de animação. Afinal, “Kung Fu Panda 2” está lá, meus amigos. Mas a academia não gostou do simpático jornalista e preferiu dar seis indicações ao cavalo e seu dono chorão contra apenas uma técnica para “Tintim”. Uma das indicações ao cavalo, inclusive é para melhor filme. Eu sinceramente não sei onde os velhinhos do Oscar viram tanta qualidade no trabalho de Spielberg.

Indicações ao Oscar de “Cavalo de Guerra”: Melhor filme, direção de arte, fotografia, trilha sonora original, edição de som, mixagem de som

Indicação ao Oscar de “As aventuras de Tintim”: Melhor trilha sonora original.

O "Miss Sunshine" da vez

2012-02-12T19:06:00.001-02:00

Clooney e Shailene no paradisíaco Havaí

Volta e meia o Oscar aparece com um filme fofinho, comédia leve e divertida e que tem uma lição positiva no fim concorrendo ao prêmio de melhor filme. Foi assim em 2007 com “Pequena Miss Sunshine” e no ano seguinte com “Juno”. Em 2010, “Amor sem escalas” chegava perto do gênero. Agora é a vez de “Os descendentes”.

Estrelado por George Clooney e passado em belas paisagens do Havaí (que vontade de conhecer o arquipélago), o filme de Alexander Payne recebeu cinco indicações ao Oscar, sendo até mais bem sucedido do que os três filmes citados acima em relação ao número de estatuetas a disputar. Resta saber se a película sairá com algum prêmio entre as indicações.

Se a minha opinião valesse mais do que uma nota de R$ 3, o filme sairia de mãos vazias da festa. Não que “Os descendentes” seja ruim. Mas tem concorrentes melhores.

O filme conta a história do riquinho Matt King. O advogado vivido numa boa por Clooney tem uma esposa que está à beira da morte após um acidente no mar e precisa reconstruir sua relação com as duas filhas, Scottie (Amara Miller) e Alexandra (Shailene Woodley). Ao mesmo tempo, Matt precisa decidir com uma penca de primos que vestem bermuda e camisas floridas a venda de uma área ainda virgem no Havaí que será transformada em hotéis, parques temáticos e tudo aquilo possível que serve para dar dinheiro.

Só que sua filha lhe faz uma revelação. A mãe ali agonizando no hospital não é flor que se cheire e estava dando bola nas costas do marido com um corretor de imóveis. Sim, Payne vende a ideia que Clooney também pode levar bola nas costas.

Essa é a senha para Clooney mostrar os valores de ser bom, praticar o bem e fazer a coisa certa, por mais bizarro que algumas de suas decisões possam parecer. E isso vale tanto para como ele vai lidar com a traição, quanto com a relação com as filhas e a venda do terreno. No meio disso tudo, algumas boas e divertidas cenas, piadas leves e a conclusão de que “Os descendentes” é um filme família.

Clooney está bem no filme? Sim (com sorriso amarelo e sem muita animação nesta afirmação). Mas tem trabalhos melhores. “Um homem misterioso” (2010) é um dos meus favoritos. Também gosto muito de “Conduta de risco” (2007), “Syriana” (2005) e "Boa noite e boa sorte” (2005), de modo que não concordo com o merchandising do filme que diz que é a melhor atuação da carreira dele. E se fosse para comparar com os filmes do Oscar que eu vi, Gary Oldman está melhor em “O espião que sabia demais”.

Mas nenhuma ressalva que eu possa fazer tira de “Os descendentes” a aura de filme fofo da vez. É uma boa diversão e em breve estará passando na TV na sua “Sessão da Tarde”. Tire folga no dia e divirta-se.

Indicações ao Oscar: melhor filme, diretor para Alexander Payne, ator para George Clooney, roteiro adaptado e montagem.

De profundis. Or not

2012-02-09T22:51:00.002-02:00

Pintura de Edvard Munch

- Afinal, qual é o sentido da vida?

A pergunta caiu como uma bomba na mesa do bar em que os quatro amigos se encontravam todo mês. Há relatos de que até os copos de cerveja transpiravam de tensão. Uma licença poética que ignorava o calor senegalês que fazia no Rio de Janeiro.

- Eu falo sério. O que faz, eu, você ou ele levantarmos diariamente cedo, encararmos engarrafamentos monstruosos para trabalhar feito cornos. Todo dia sempre igual. De segunda a sexta. Sem falar alguns fins de semana e feriados. Para que fazemos isso tudo? Por que fazemos isso tudo? Foi só para isso que aquele macaco lá atrás resolveu começar a andar, desenvolver o raciocínio e botar para funcionar o seu telencéfalo altamente desenvolvido e a porra do polegar opositor?

João Luiz era o filósofo da turma. Formado em História, cineasta frustrado, escritor com bloqueios que o deixavam ansioso, achando que nunca mais conseguiria fazer algo decente diante do computador, era um professor dedicado de uma faculdade particular. Querido pelos alunos e pelos colegas, parecia pronto a mudar o mundo com suas ideias a cada vez que atravessava a rua.

Era um iconoclasta. E se achava um fracassado por mais que tivesse sucesso no trabalho, bons amigos e realizasse os sonhos que ele podia realizar com o salário que ganhava. A ideia de dirigir uma Ferrari ou um Aston Martin nunca esteve nessa lista de sonhos possíveis.

Mas uma frase tão enigmática quando profunda como aquela deixou seus amigos preocupados. Parecia o primeiro passo para um ato final shakespeariano do suicídio.

- O que você tem, bicho? A vida tem todo sentido. Você não está feliz em estar aqui com a gente, tomando uma gelada, nessa night gostosa?

Esse é Roberto. Mais velho da turma, nasceu no mesmo dia que o cantor Roberto Carlos uns 35 anos depois. A coincidência não deixou dúvida para a sua mãe, fã do Rei. Melhor para ele. Do contrário, receberia o nome de um dos avôs numa curiosa disputa de cara ou coroa em plena maternidade. E, convenhamos, ser chamado de Atanagildo ou Florisberto ia, no mínimo, causar sérios problemas para a criança.

O Rei salvou a sua vida, mas deixou sequelas graves. Uma delas é a cada três frases usar o termo “bicho” que nem o Roberto Carlos deve falar mais. Produtor de TV, Roberto já tinha feito uma série de programas sobre a Jovem Guarda. É um fã a serviço do ídolo, mas também um bom amigo. Talvez o melhor de João Luiz.

- Bicho, a vida é amor. Você está aqui interagindo conosco e com a sociedade para ajudar a criar um mundo melhor para os seus filhos. As suas aulas são a sua contribuição para este mundo novo que surge a partir dos teus atos. Bicho, tudo é muito astral... Você não sente isso? Essa energia que nos move?

- Poucas vezes em ouvi tanta bobagem. Só faltou você citar que Deus nos criou a sua imagem e semelhança – rebateu de primeira Rogério.

Rogério é cientista, niilista e ateu. Todo o papo flower power de Roberto o dava azia. É prático, cartesiano e, principalmente, kantiano. O baixinho de Kögnisberg era o seu ídolo, a ponto dele saber citar de cor trechos da “Crítica da Razão Pura” ou da “Fundamentação da Metafísica dos Costumes”. João Luiz, no entanto, gostava de dizer que Kant estava mais para o seu Deus só para provocá-lo. Rogério é tão kantiano que tem um hábito bizarro. Todo dia, no mesmo horário, caminha pela Lagoa. Até ai, nada demais. O problema é que ele não faz isso por causa do exercício em si, mas porque Kant, quando vivo, lá no século XVIII, fazia o mesmo pelas ruas da sua cidade na antiga Prússia a ponto da população local acertar os seus relógios a partir das passadas do filósofo.

Se o Rio de Janeiro soubesse daquele segredo de Rogério como os três amigos da mesa, também faria o mesmo com o seu relógio.

- Kant dizia: “Eu dormi e sonhei que a vida era beleza. Acordei e notei que a vida era dever”. É isso, meu caro. E não adianta procurar tal explicação para o seu dilema porque você não vai encontrá-la. Talvez o propósito não seja questionar qual é o sentido da vida, mas como você a faz ter sentido. Ou o que você fará para dar a ela algum sentido.

- Eu tenho 30 anos e não fiz nada de relevante. O que o faz crer que nos próximos 30 eu farei algo?

- João, estamos aqui há uma hora e meia. E eu não bebi o suficiente para ter afetada as minhas funções matemáticas. Cinco ex-alunos seus fizeram questão de parar aqui para te cumprimentar. Você de alguma forma marcou a vida destas pessoas e as ajudou a torná-las melhor, mais divertida ou a tê-las mais sapiência. Isso sem contar aquelas duas mulheres que você fez questão de NÃO nós apresentar.

- Bicho, a loura tinha os peitos maiores do que os da Wanderléia!

- E a morena com aquele olhar de Rita Hayworth em “Sangue e Areia”? Divina e pura sensualidade como uma Gilda do século XXI.

Até então Walter José estava quieto. Mas quando se trata de falar de mulher, ele sempre se manifesta. Walter é cineasta e tem prazer em filmar tudo o que diz respeito ao universo feminino. Trata mulheres com lirismo. São poesias vivas e sua única inspiração.

- Você está em crise, João. É a crise dos 30. Ela passa. Vai por mim. Estou com 33 e bebo aqui sem culpa enquanto penso no meu próximo filme e na minha próxima mulher. Não necessariamente nessa ordem.

Galã da turma e com nome de astro da Hollywood dos anos 40 – pelo menos é assim que ele gosta de imaginar -, Walter se vê como um Cary Grant ou um Clark Gable melhorado (mas os amigos dizem que ele não passa de um Mazaropi pós-moderno). Boêmio, um tanto fanfarrão, mas divertido, era a face vídeo-intelectual do grupo, sendo capaz de citar diálogos inteiros de cenas de filmes de Fellini, imitando os atores envolvidos, o que era sempre garantia de diversão.

- A vida, meu caro, não tem um sentido único. É você que o constrói a partir do uso que faz destes anos que teve, tem e terá a partir do momento do seu nascimento. Questionar um sentido para ela, me soa como sintoma de depressão. E um passo para o suícido, pois se você questiona um sentido para ela dá margem a questionar todo o resto e ficará paralisado.

- A questão não é - retrucou João - dar cabo da vida porque eu posso estar vendo alguma falta de sentido nela. O que eu questiono é a razão de todos os meus atos. Ou dos nossos atos. Com que objetivo eu levanto, me alimento, trabalho, saio no fim de semana, vejo um filme ou não. Vou a um show ou não. Qual o motivo da minha existência? Por que eu estou aqui?

- Você não deve fazer estas perguntas, porque muitas delas não têm resposta. Você deveria procurar ser feliz, bicho.

- Mas o que é a felicidade, Roberto?

Nesse momento, Roberto vira para Walter e diz:

- Maldito Sócrates! Eu falei que você não devia tê-lo apresentado aos diálogos de Platão.

- Certa vez eu conheci um guia turístico que devia ter a minha idade numa ilha que visitei nas férias. O lugar era paradisíaco com uma água de um azul mais azul que os olhos da Kate Winslet. Ele ficava ali de bermuda e camiseta ensinando a história da ilha para nós turistas num inglês bem aceitável. Tinha uma serenidade que eu não tenho. Ou sequer acho que possa ter tido mesmo num momento em que eu poderia estar mais perto da plena felicidade em que o ser humano pode alcançar. Ele parecia ser feliz e não ter angústias. Era um estado de plenitude. Tudo isso sem toda a I-tecnologia, sem carro, sem nada de extra. Apenas ali, ele de bermuda, chinelo e camiseta e o mar a sua frente.

Roberto e Walter observam o desabafo de João aparentando não saber mais o que fazer para animar o amigo. Rogério, no entanto, arrasta o copo uns dois palmos na mesa, vira-se para João e, olhando nos seus olhos, diz:

- A felicidade é um ponto fora da curva numa escala de tormentos e provações pelas quais o ser humano passa. É impossível ser feliz. Todavia, você pode estar feliz. Só que buscar isso, paradoxalmente o trará angústia e infelicidade. Kant dizia que “a felicidade não é um ideal da razão, mas sim da imaginação”. Ou seja, o que discutimos aqui é uma abstração difícil de chegar a uma conclusão. Trocando em miúdos, estamos perdendo tempo dando círculos numa versão pasteurizada do eterno retorno nietzschiano.

- Resumindo o que o Rogério disse, deixe a vida te levar, meu caro. Entra no carro e segue pelas curvas da estrada de Santos sem olhar para trás, bicho.

- Mas com que motivação eu entro nessa estrada? Por que pegar o carro para o desconhecido?

- E há algo melhor e mais excitante do que embarcar no desconhecido? Já imaginou se o Frodo tivesse continuado naquela área idílica da Terra Média? Nunca teria conhecido o lado bom e o lado ruim de tudo naquela aventura. Ele sofreu muito, ganhou e perdeu, mas saiu maior do que entrou. Arriscar é preciso. Sempre.

As palavras de Walter não trouxeram conforto nem solução para as questões de João. O cineasta rebateu dizendo que a arte nunca visa o conforto, mas o incômodo.

- Olha, não sei a que conclusão chegaremos aqui, nem se chegaremos a ela. Mas sei de uma coisa. Esse papo meio “Ponto de Mutação” me deixou com fome. Ainda servem aqui aqueles bolinhos de bacalhau divinos?

- Claro que sim, Roberto! Aquilo é praticamente a definição de felicidade e o sentido da vida que o nosso amigo aqui tanto procura.

Enquanto Walter pede os famosos bolinhos da casa, Rogério vira para João e resolve propor um brinde à vida e à sua total falta de sentido.

- Mas ainda assim, é o nosso bem mais valioso.

E todos finalmente concordam com uma coisa. Os bolinhos de bacalhau realmente são divinos.

Best Of 2011 - Cinema

2011-12-31T17:40:00.001-02:00

"A árvore da vida", o melhor filme

Finalizando a série de posts retrospectivos, hoje é a vez de cornetar a produção cinematográfica de 2011. Não vi todos os filmes que eu gostaria por problemas que variaram entre questões de saúde, falta de oferta, pouco tempo em cartaz e a famigerada proliferação de filmes dublados nas salas de cinema. Só consigo relacionar o aumento da dublagem a um processo de emburrecimento da sociedade. E não adianta virem com papinho que na Alemanha os filmes também são dublados. É bizarro do mesmo jeito.

Neste ano me debrucei em 45 dos 314 filmes lançados para chegar à listagem dos dez melhores, além dos melhores trabalhos individuais e minhas já conhecidas (pelo menos para os meus sete leitores) categorias alternativas. Assim como em 2010, comecei com uma lista inicial de 17. No corte final, ficaram de fora “Biutiful”, “X-Men: Primeira Classe”, “Um sonho de amor”, “Contágio”, “A árvore do amor”, “Inquietos” e “Um conto chinês”. Estes três últimos foram excluídos com muita dor porque são muito bons, mas acho que o top 10 ficou honesto. Sendo assim, vamos a ele:

10º lugar – “Margin Call – o dia antes do fim” – O filme que ainda está em cartaz conta a história do início da crise econômica de 2008. É um belo trabalho de estreia de J.C. Chandor com grandes atuações de Kevin Spacey e Jeremy Irons.

9º lugar – “Em um mundo melhor” – Filmaço dinamarquês dirigido por Susanne Bier sobre a questão do bullying e suas consequências numa escola na Suécia traçando um paralelo com a realidade medieval-tribal num país africano. Ligando os dois mundos equidistantes, um médico honrado e com princípios vivido por Mikael Persbrandt que tem que ensinar aos filhos o caminho das coisas certas da vida ao mesmo tempo em que não tem muito poder para lidar com questões de conflito na área onde atende os necessitados na África.

8º lugar – “Meia-noite em Paris” – A doce fábula de Woody Allen que reflete sobre a questão da nostalgia de tempos não vividos que ao mesmo tempo é uma homenagem à arte e à própria capital francesa. A película conta ainda com uma surpreendente boa atuação de Owen Wilson, perfeito no papel do personagem principal da trama.

Jeff Bridges em "Bravura Indômita"

7º lugar – “Bravura Indômita” – Excelente faroeste dos irmãos Coen. Um dos melhores filmes da dupla em um trabalho que conta ainda com ótimas atuações de Jeff Bridges e Josh Brolin e ainda resgata um duelo inesquecível no final do filme como os bons western faziam no passado.

6º lugar – “Cópia Fiel” – O filme do iraniano Abbas Kiarostami é uma grande discussão sobre a arte e a vida a partir do relacionamento do casal vivido por Juliette Binoche e William Shimell. Como cenário de fundo, as belezas da Toscana.

5º lugar – “O discurso do Rei” – Belíssimos trabalhos de Colin Firth e Geoffrey Rush são a garantia da qualidade deste filme de Tom Hopper sobre o Rei George VI, que precisa curar a sua gagueira para fazer um discurso importante durante a II Guerra Mundial.

Bale e Whalberg em "o Vencedor"

4º lugar – “O Vencedor” – Uma das melhores atuações da vida de Christian Bale. O ator é o ex-boxeador drogado e desajustado Dicky Eklund, que treina o irmão Micky (Mark Whalberg) para tentar o título mundial. Além da belíssima trilha sonora (Led Zeppelin, Whitesnake, Aerosmith), o filme de David O.Russel conta ainda com um elenco que está muito bem em cena. Além de Bale e Whalberg, Melissa Leo, que faz a mãe dos irmãos, Alice, e Amy Adams, que vive Charlene, a namorada de Micky, dão um show.

3º lugar – “A pele que habito” – Três filmes me deixaram de boca aberta neste ano. Um deles é “A pele que habito”. O trabalho de Pedro Almodóvar é simplesmente genial e nem cabe a mim explicar em poucas linhas. Leia a minha crítica, ou melhor, ainda, veja o filme porque é espetacular.

2º lugar – “Cisne Negro” – Espetacular como o trabalho de Darren Aronofsky sobre a bailarina esquizofrênica Nina Sayers (Natalie Portman), que tem que lidar com a pressão de ser a estrela principal de uma montagem de “O Lago dos Cisnes”. Eu sou um fã dos filmes de Aronofsky e este é barbaramente dirigido e escrito. Certamente foi um dos melhores trabalhos de 2011.

1º lugar – “A árvore da vida” – Nunca pensei que um dia eu colocaria no primeiro lugar da minha lista de melhores filmes um trabalho de Terrence Malick. Mas se tem um filme que merece receber a alcunha de genial em 2011, é “A árvore da vida”. É um trabalho difícil, sem dúvida. Não é para os que gostam de roteiros mais lineares. Mas uma obra-prima de Malick que conta ainda com uma atuação soberba de Brad Pitt no papel de um pai de família duro e conservador dos Estados Unidos nos anos 50. A viagem de Malick com ecos de “2001 – Uma odisseia no espaço”, de Stanley Kubrick, é definitivamente para mim o grande filme do ano.

Piores filmes – Abaixo a lista das cinco bombas de 2011

5º lugar – “O Planeta dos Macacos: a origem” – O problema do filme de Rupert Wyatt é que James Franco e Freida Pinto formam o casal mais inexpressivo de 2011. E os dois estão na linha de frente do filme. Assim fica difícil e você acaba torcendo para os macacos exterminarem a humanidade o quanto antes.

4º lugar – “Bruna Surfistinha” – Aqui nós temos o inverso. Deborah Secco se esforça muito e não está mal no filme, mas o restante não deu para engolir. História clichê, batida sobre a prostituta que fazia sucesso e deixa a vida dura para casar com um cliente apaixonado por ela. Mas se você é fã da Deborah, vale a pena ver.

3º lugar - “O amor chega tarde” – Teve quem achasse esse filme de Jan Schütte sobre um escritor octogenário fofinho, mas eu achei uma tremenda malice. Não é divertido, não é engraçado, não é dramático, não é nada. Tinha potencial para ser uma coisa meio David Lynch, mas o resultado e patético, pífio mesmo.

2º lugar – “Rio” – O filme de Carlos Saldanha é uma dispensável coletânea de clichês, óbvio e sem graça. Mas você vai achar fofo o Rio de Janeiro retratado ali, o sambinha e blábláblá. Nada que apague que é um filme muito fraco.

Evans e seu patético Capitão América

1º lugar – “Capitão América – O primeiro Vingador” – Este filme é uma ode à ruindade. Se fosse futebol, eu diria que ele é ruim do goleiro ao ponta-esquerda. Ou melhor, do presidente ao ponta-esquerda. Nada escapa. Do protagonista Chris Evans ao diretor Joe Johnston. É uma grande piada de mau gosto da Marvel, que sabotou um dos seus heróis. Que Evans não consiga estragar o filme dos “Vingadores” que estreia no ano que vem.

A decepção do ano – Lars Von Trier e o seu “Melancolia” – O diretor falou bobagem com aquela piada nazista em Cannes, só que mais decepcionante foi o seu “Melancolia”. Não é que o filme seja ruim, mas é muito abaixo do que se espera do dinamarquês, que fez um filme um tanto óbvio quando eu esperava algo mais metafórico.

Depp como Jack Sparrow

O herói do ano – Se “Piratas do Caribe –Navegando em águas misteriosas” serviu para alguma coisa foi nos dar mais um filme do velho pirata Jack Sparrow para nos divertir. O filme, aliás, é bem divertido, embora o roteiro seja um tanto confuso. Mas o personagem de Johnny Depp é garantia de boas risadas. Ainda mais com a presença de Keith Richards ao seu lado no papel do pai de Sparrow.

O vilão do ano – Ninguém em 2011 foi mais cruel, frio, calculista, maquiavélico e sei lá qual outro adjetivo poderíamos aplicar do que Robert Ledgard (Antonio Banderas). Eu só não posso descrever tudo o que o cirurgião plástico de "A pele que habito" fez porque isso estragaria a história para os que ainda não a viram. Mas eu garanto que é de uma vilania nunca antes vista na história do cinema (pelo menos não por mim). Por isso, Ledgard é o vilão do ano.

A frase do ano – Eu gosto de frases cortantes e a de Benjamin, personagem de Selton Mello em “O Palhaço” é de doer na alma: “Eu faço todo mundo rir, mas quem é que vai me fazer rir?”. Um dilema que permaneceu até o fim do filme.

Melhor trilha sonora – Em qualquer lugar que você reúna Led Zeppelin, Aerosmith e Whitesnake só pode sair coisa boa. “O Vencedor” não é apenas um filmaço, é também um trabalho com uma sensacional trilha sonora rock and roll.

Cecile de France, a musa de 2011

A musa do ano – A minha categoria favorita. Aquela que requer uma análise muito bem feita. É claro que Deborah Secco chegou apelando aparecendo nua e fazendo de tudo em “Bruna Surfistinha”, mas se engana quem pensa que ela é a minha musa de 2011. É preciso muito mais do que ser bela e fazer sexo para ser uma musa. É preciso ser linda e ter um certo altruísmo. Nesse ponto, Anne Hathaway ganharia uma certa vantagem por seu personagem em “O amor e outras drogas”. Ou mesmo a bela guerreira Amy Adams, que com sua Charlene defende com unhas e dentes o namorado lutador Micky em “O Vencedor”.

Sem dúvida três belas mulheres que sucederiam com brilhantismo um reinado iniciado por Sharon Stone (2006) e que passou por Eva Mendes (2007), Penelope Cruz (2008), Kate Winslet (2009) e Anna Mouglalis (2010).

Mas eu devo confessar que se você fala francês leva uma certa vantagem na minha eleição. As francesas não são apenas lindas, elas tem classe e são charmosas. E ai, Laetitia Casta, a Brigitte Bardot de “Gainsbourg – o homem que amava as mulheres”, dá um passo a frente. Dois passos a frente, no entanto, surge um velho amor: Juliette Binoche, a bela Elle de “Cópia Fiel”.

Só que este ano o prêmio de musa vai para alguém que fala francês, mas não é da França. Quem me conquistou foi a bela belga Cecile de France, 36 anos, que apareceu linda em “Além da Vida”, de Clint Eastwood, e brilhou em “O garoto da bicicleta”, dos irmãos Dardenne. Além de linda, Cecile ainda gosta de trabalhar com bons diretores. É a musa do ano.

Natalie e Mila se conhecendo melhor

A melhor cena de sexo – Não quero nem saber se ela aconteceu realmente ou foi só na cabeça da Nina Sayers. O que importa é que Darren Aronofsky filmou, colocou em “Cisne Negro” e o encontro carnal louco entre Natalie Portman e Mila Kunis merece todas as homenagens deste signatário. Perto delas, o resto é papai-mamãe.

A melhor cena de briga – Gosto de Amy Adams estapeando as irmãs do namorado em “O Vencedor” e curti muito a melhor cena de “O Planeta dos Macacos: a origem” da tomada da ponte Golden Gate em São Francisco, mas vou me permitir ser nostálgico para eleger como a melhor o duelo final de “Bravura Indômita” envolvendo Jeff Bridges e os vilões do filme. Um grande momento do trabalho dos irmãos Coen.

O retorno do ano – Embora esteja sempre presente em trabalhos como atriz, Jodie Foster não filmava desde 1995, quando lançou “Feriados em família”. Neste ano, a diretora Jodie Foster reapareceu com um bom filme chamado “Um novo despertar”, que mostra a história de um empresário em depressão vivido por Mel Gibson que precisa resolver seus conflitos familiares e ainda apresenta um quadro de esquizofrenia.

Gainsbourg - o homem que amava as mulheres

O filme francês do ano – “Minhas tardes com Margueritte” é bem simpático, mas o meu filme francês favorito deste ano foi “Gainsbourg – o homem que amava as mulheres”. Dirigido por Joann Sfar, a película é uma bela e lisérgica cinebiografia do popular músico francês Serge Gainsbourg, pai da atriz Charlotte Gainsbourg.

O filme brasileiro do ano – Mais uma vez Selton Mello aparece com um bom filme. Depois do ótimo “Feliz Natal”, um dos melhores de 2008, “O Palhaço” é uma linda e terna história sobre um palhaço em busca de si mesmo e do seu lugar no mundo. Além de uma bonita homenagem aos artistas de circo.

Melhores roteiros – Gostei neste ano dos trabalhos de David Seidler (“O discurso do Rei”), dos irmãos Coen (“Bravura Indômita”), Abbas Kiarostami (“Cópia Fiel”), Woody Allen (“Meia-noite em Paris”) e Anders Thomas Jensen (“Em um mundo melhor”). Dos filmes que não ficaram no meu top 10 inicial, é preciso ressaltar os trabalhos de Joann Sfar (“Gainsbourg – o homem que amava as mulheres”) e Sebastian Borensztein (“Um conto chinês”). Mas o meu top 3 vai ficar com Scott Silver, Paul Tamasy e Eric Johnson, por “O Vencedor”, Mark Heyman, Andrés Heinz e John J. McLaughlih pelo trabalho em “Cisne Negro” (eu gosto de filmes loucos) e, para mim o melhor de todos, Pedro Almodóvar e seu “A pele que habito”. Aquilo ali não existe. Só na cabeça do diretor espanhol.

Piores roteiros – “O retrato de Dorian Gray” (Toby Finlay) é lamentável, “Rio” (Carlos Saldanha) é muito clichê e “O amor chega tarde” (Isaac Bashevis Singer e Jan Schütte) é triste. Mas nada é pior do que a tragédia escrita por Christopher Markus e Stephen McFeeley em “Capitão América – o primeiro vingador”. A bomba do ano.

Melhores diretores – A se destacar os trabalhos de David O. Russel (“O Vencedor”), Tom Hooper (“O discurso do Rei”), dos irmãos Coen (“Bravura Indômita”), Abbas Kiarostami (“Cópia Fiel”) e Woody Allen (“Meia-noite em Paris”). Dos filmes que não ficaram entre os melhores, gostei dos trabalhos de Matthew Vaughn (“X-Men:primeira classe”) e Zhang Yimou (“A árvore do amor”). Mas o meu top 3 ficou assim e em ordem decrescente: Pedro Almodovar por “A pele que habito”, Darren Aronofsky por “Cisne Negro” e o melhor de todos, Terrence Malick por “A árvore da vida”. Grande momento.

Piores diretores – A essa altura você já deve saber de quem estou falando. Oliver Parker foi lamentável em “O retrato de Dorian Gray” e já fiz todas as críticas necessárias a Jan Schütte por “O amor chega tarde”. Mas nada pode ser pior do que Joe Johnston e seu “Capitão América – o primeiro vingador”.

Melhores atuações masculinas – Dois nomes de filmes pouco lembrados aqui, mas bons trabalhos individuais: Javier Bardem por “Biutiful” e John Hawkes por “Inverno da Alma”. Colin Firth como o rei George VI em “O discurso do Rei” também está excelente, assim como Jeff Bridges em “Bravura Indômita”, Ricardo Darín em “Um conto chinês” e Kevin Spacey e Jeremy Irons em “Margin Call – o início do fim”. E Andy Serkis dá um show como o macaco Caesar em “O Planeta dos Macacos: a origem”. Para mim, no entanto, as três melhores atuações do ano foram as de Geoffrey Rush pelo terapeuta Lionel Logue em “O discurso do Rei”, Christian Bale, soberbo no papel do ex-boxeador Dicky Eklund em “o Vencedor” e aquela que foi a melhor de todas: a magistral atuação de Brad Pitt em “A árvore da vida”. Para mim a grande atuação de 2011.

Piores atuações masculinas – Tudo bem que Ben Barnes se esforçou no papel de Dorian Gray em “O retrato de Dorian Gray” e Anthony Hopkins vem manchando a sua história com atuações como a de Odin em “Thor”. Chris Evans também é lamentável como o Capitão América, mas este título não pode deixar de ir para James Franco, o cientista Will Rodman em “Planeta dos Macacos: a origem”. É uma coisa, eu diria, lamentável.

Kirsten Dunst em "Melancolia"

Melhores atuações femininas – O elenco feminino de “O Vencedor” está muito bem. Melissa Leo, que ganhou um Oscar, e Amy Adams dão um show no filme. Juliette Binoche também está muito bem em “Cópia Fiel” assim como Mia Wasikowska em “Inquietos”. Só que o meu pódio ficará da seguinte maneira: Tilda Swinton com a medalha de bronze pelo ótimo trabalho em “Um sonho de amor”, muito bom filme que ficou de fora do meu top 10. O segundo lugar vai para Natalie Portman e sua atuação visceral em “Cisne Negro”. Não menos brilhante e para mim a melhor de todas vem Kirsten Dunst. Sua atuação é o que “Melancolia” tem de melhor e o que faz pagar o ingresso.

Piores atuações femininas – René Russo paga mico pela esposa de Odin em “Thor”, mas muito pior é a constrangedora atuação de Demi Moore em “Margin Call – o dia antes do fim”. Só que ainda pior é Freida Pinto, a namorada de James Franco em “Planeta dos Macacos: a origem”. Que casal, amigo. Casal tristeza.

E assim termina o Best Of 2011. É claro que no ano que vem eu continuarei cornetando tudo e todos. Um feliz ano novo aos que me aturaram neste ano. Eu desejo que em 2012 continuem me aturando.

Best Of 2011 - Música

2011-12-30T19:19:00.002-02:00

O Pearl Jam/Reprodução do site da banda

O ano de 2011 foi bom para shows. Muita gente boa passou por aqui, o que tornou ingrata a minha escolha dos cinco melhores shows da temporada. Na hora de fazer o top 5, gente do naipe de Iron Maiden, que fez um grande show em março, Joss Stone e Eric Clapton ficaram de fora. Assim como o show do Sepultura com o Tambours do Bronx com participação de Mike Patton, outro destaque do Rock in Rio (que mais parecia micareta, mas até teve uma coisa ou outra de rock).

Também ficaram fora da minha lista o U2, que fez um show muito bom em abril, e a Tarja Turunen com uma bela apresentação em março. Além do Ozzy Osbourne, que pode não ter feito um showzaço em abril, mas é o Ozzy né. Sempre empolga.

Feitas então as menções honrosas, vamos ao meu top 5. Sempre seguindo a ideia do blog de gostar mais dos mares revoltos do rock ao banquinho e violão de outras praças, a lista ficou da seguinte maneira em ordem decrescente:

O Slipknot no Rock in Rio/Reprodução da internet

5º lugar - Slipknot – Dentre o pouco de rock que teve no Rock in Rio, a banda americana foi uma das que mais se destacaram. O octeto de Des Moines foi também a banda que mais mostrou ter se divertido no festival. E eles fizeram de tudo para contagiar e levar o público ao delírio. Teve desde integrante da banda se jogando no meio da galera até a imagem antológica da bateria virando de cabeça para baixo com o cidadão ainda tocando ali! Espetacular! Fizeram um grande show e conquistaram um cara como eu que nunca gostou do Slipknot. Mas no palco eles são sensacionais.

4º lugar – Paul McCartney – Dono do melhor show do ano passado na opinião deste signatário, o ex-Beatle voltou ao Brasil desta vez para finalmente se apresentar no Rio de Janeiro. Foram dois shows simplesmente especiais. Na minha lista, no entanto, vai entrar o segundo, realizado no dia 23 de maio no Engenhão. Neste espetáculo, Paul estava mais solto, improvisando mais e teve um set list com poucas mudanças, mas que me agradaram mais e fizeram deste espetáculo melhor que o primeiro.

3º lugar – Metallica – De volta ao Rock in Rio para registrar outro show fantástico. O Metallica fechou o dia do metal dando o melhor de si e mais um pouco numa apresentação que eu diria que foi praticamente perfeita. James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett e Robert Trujillo levaram o público presente na Cidade do Rock ao delírio com uma série de clássicos da banda e canções do mais recente disco, “Death Magnetic”. Foi tão bom, mas tão bom, que nem o horroroso disco “Lulu” que a banda lançou depois com Lou Reed não apaga o que eles fizeram no Rock in Rio.

O vocalista do System/Reprodução da internet

2º lugar – System of a Down – No ultimo dia do Rock in Rio, vimos o melhor show do festival. O System of a Down encerrou uma longa espera dos seus fãs brasileiros com um show, deixe-me exagerar um pouco porque eu acho que devo, histórico. No dia, um amigo também presente resumiu em três palavras e com simplicidade o que nós estávamos vendo os americanos de origem armênia e libanesa Daron Malakina, Serj Tankian, Shavo Odadjian e John Dolamayan fazerem. Ele disse: "Que show foda". É isso. Talvez o show do System of a Down tenha sido o melhor do ano. Foi uma apresentação perfeita. O que desempatou aqui na minha lista foi mais uma questão de coração, uma questão pessoal do que propriamente uma diferença de qualidade. Aliás, os cinco selecionados e mais o Iron Maiden tiveram pouquíssimas diferenças entre si. O seu posicionamento na lista foi mais uma questão de gosto pessoal, ineditismo, momento, enfim, valores subjetivos. Só posso dizer que o System of a Down me deixou com vontade de ver novamente um show deles o quanto antes. Foi simplesmente antológico.

O melhor do ano – Pearl Jam – Quando o Pearl Jam veio ao Brasil em 2005 fizeram um show antológico que eu achava que nunca seria superado nem por eles mesmos. Certamente foi o melhor espetáculo daquele ano, mas eu não tinha ainda um blog para dizer isso e deixar registrado. Quando Eddie Vedder, Matt Cameron, Stone Gossard, Mike McCready e Jeff Ament voltaram ao neste ano eu esperava um showzaço, mas não algo melhor do que o de 2005. Pois eles conseguiram me surpreender e se superar fazendo um espetáculo único. Tudo foi perfeito do primeiro acorde de “Unthought Know” ao último de “Yellow Ledbetter”. Por isso que a banda de Seattle que veio aqui para comemorar os seus 20 anos de estrada merece o título de “Memórias da Alcova” de melhor show de 2011.

O pior show do ano – Seria fácil pescar na minha lista um Rockz, um Gloria ou um Coheed and Cambria, mas para ser o pior não basta fazer um show ruim, você tem que decepcionar um público que tem alguma expectativa de você. O Stevie Wonder, por exemplo, fez um show ruim. Que me desculpem os que gostaram dele. Mas neste ponto nada, absolutamente nada, supera o Gun N’Roses. E veja como o mundo da voltas. A banda que fez um dos melhores shows do ano passado, voltou neste ano para fechar o Rock in Rio e pagar aquele mico homérico com o Axl Rose sem voz errando tudo. Eu disse tudo! Até o assobio de “Patience” saiu errado. E para variar, o cantor ainda se atrasou por horas irritando todo mundo. De fãs a jornalistas. Merece o troféu mala de 2011.

No próximo post, os melhores e os piores filmes do ano.

Best Of 2011 - Esportes

2011-12-29T17:09:00.002-02:00

O Barça ergue o título europeu/Reprodução da internet

Tão tradicional quanto a corrida de São Silvestre ou o Réveillon de Copacabana é a lista dos melhores (e piores) do ano que está se encerrando feita por este signatário. Como é de praxe, começo pelos esportes. Amanhã falarei sobre os melhores shows e no derradeiro dia do ano sobre os melhores filmes da temporada. Sem mais delongas, vamos à lista.

Dez jogos marcantes de 2011 – Em ordem cronológica, dez partidas que entraram para os anais do esporte.

Espetáculo catalão na casa do rival – No dia 27 de abril, o Barcelona foi até o Santiago Bernabéu para enfrentar o Real Madrid no primeiro jogo das semifinais da Liga dos Campeões da Europa. E Messi acabou com a partida. Em mais um jogo em que o time catalão mostrou toda a sua superioridade sobre o rival, o argentino fez os dois gols, sendo um deles espetacular e ajudou o Barcelona a conseguir uma boa vantagem para a partida de volta no Camp Nou, quando em outra partida muito boa deixou o campo com o empate em 1 a 1 e a classificação para a final. O jogo foi o terceiro de uma série de quatro partidas que os rivais fizeram num intervalo de 18 dias. O Barça levou a melhor na Champions, empatou no Campeonato Espanhol, cujo título conquistaria, e perdeu na Copa do Rey por 1 a 0.

Emoção no rugby – Northampton Saints e Leinster Rugby entraram em campo no dia 21 de maio para decidirem a Heineken Cup, um dos tradicionais torneios do esporte. E o que se seguiu no estádio Millenium, em Cardiff, no País de Gales, foi um dos jogos mais emocionantes do ano. O Leinster começou perdendo, mas conseguiu uma espetacular virada e venceu a partida por 33 a 22. O destaque e personagem do jogo foi Jonathan Sexton, que na final marcou dois tries, três conversões e dois pênaltis, sendo responsável por um total de 28 pontos do Leinster e se tornando o segundo jogador da história em número de pontos em uma única partida da Heineken Cup. Foi uma grande atuação individual do atleta.

Uma aula de futebol – No dia 28 de maio, o Barcelona entrou em campo para dar mais uma aula de futebol na decisão da Liga dos Campeões da Europa. O time de Pep Guardiola engoliu o Manchester United em Wembley e conseguiu uma vitória por 3 a 1 que não disse o que foi o jogo tamanha a superioridade dos catalães sobre um dos melhores times do mundo. Foi uma partida espetacular coletivamente do Barça e mais uma atuação de gala do trio Messi, que fez um gol, Xavi e Iniesta. Pedro e David Villa marcaram os outros gols do Barcelona, com Wayne Rooney descontando. Para quem só descobriu o Barcelona na final do Mundial Interclubes, esta foi uma grande oportunidade perdida de uma aula de futebol-arte.

Nadal com o troféu/Reprodução da internet

A velha rivalidade no saibro francês – O ano foi de muitas grandes partidas no tênis, principalmente envolvendo os três principais nomes do esporte atualmente: o suíço Roger Federer, o espanhol Rafael Nadal e o número 1 do mundo, o sérvio Novak Djokovic. A final de Roland Garros no dia 5 de junho foi mais um daqueles duelos épicos entre Federer e Nadal. O suíço não fez uma boa temporada, mas vinha de uma vitória heroica sobre Djokovic na semifinal. Na decisão jogou muito, mas mais uma vez sucumbiu ao talento de Nadal, que venceu por 3 sets 1, parciais de 7/5, 7/6, 5/7 e 6/1. Com o título, o espanhol igualou a marca de seis conquistas de Bjorn Borg na lendária quadra francesa.

Basquete de alta qualidade – Dallas Mavericks e Miami Heat fizeram uma série de seis jogos fantásticos na decisão da NBA deste ano. O último deles foi disputado no dia 12 de junho, quando o Mavericks venceu por 105 a 95 e conquistou o primeiro título de sua história. Apesar de o Miami ter três astros (LeBron James, Dwayne Wade e Chris Bosh), quem brilhou muito nos playoffs e conduziu o Dallas ao campeonato foi o alemão Dirk Nowitzki, eleito o MVP das finais.

Mais uma vez na fila – Aqueles que acham que futebol feminino não é esporte deviam ver o VT de Brasil 2 x 2 Estados Unidos pela Copa do Mundo feminina disputada na Alemanha no dia 10 de julho. Brasileiras e americanas podem não ter feito um jogo de grande técnica, mas protagonizaram a partida mais emocionante do torneio. No final, as americanas venceram por 5 a 3 nos pênaltis, com duas cobranças defendidas pela goleira-musa Hope Solo e se classificaram para a semifinal. Na decisão, as americanas acabariam sendo derrotadas pelo Japão também nos pênaltis. As japonesas conquistaram o primeiro título de sua história.

Uruguai novamente protagonista – De volta ao futebol masculino, uma partida emocionante na soporífera Copa América. Argentina e Uruguai entraram em campo em Santa Fé, na Argentina, na disputa por uma das vagas nas semifinais da competição. Jogando em casa e com Messi tendo boa atuação, os argentinos perdem incontáveis gols. O Uruguai joga com a sua conhecida garra e leva a partida para os pênaltis após o empate em 1 a 1. Na decisão, brilha a estrela do goleiro Muslera, que garante a vitória uruguaia por 5 a 4. Mais um jogo emocionante protagonizado pela Celeste, que conquistaria o título da competição após derrotar o Paraguai por 3 a 0 na final.

O jogo do Campeonato Brasileiro – O Brasileirão foi emocionante como sempre, mais técnico do que o anterior e teve muitos bons jogos, embora nada que faça a crítica dizer que o Brasil está no topo do planeta. Por favor. O melhor jogo do torneio deste ano aconteceu na Vila Belmiro, onde o Santos de Neymar recebeu o Flamengo de Ronaldinho. A partida no dia 27 de julho foi um daqueles momentos que sempre serão lembrados no esporte. O Santos abre 3 a 0 com 30 minutos numa grande atuação e dá a impressão de que vai aplicar uma goleada histórica. Borges (2) e Neymar marcam os gols. Mas o Flamengo reage, faz dois gols com Ronaldinho e Thiago Neves e diminui. Um pênalti é marcado para o Santos, mas Elano dá uma cavadinha ridícula e é Felipe quem tira sarro do meia na defesa. Logo depois, Deivid empata para o Flamengo. No segundo tempo, Neymar faz um golaço e coloca o Santos na frente, mas Ronaldinho faz um gol genial e empata. Em seguida, o mesmo Ronaldinho na sua grande atuação do ano vira a partida para o Flamengo. O rubro-negro no fim perderia o fôlego na disputa do título. Já o Santos após essa derrota só fez figuração no Brasileiro, apesar de seguidas boas atuações de Neymar, e acabaria humilhado pelo Barcelona no Mundial no Japão.

Magnano e Marcelinho comemoram a vaga/Reprodução

Vitória emocionante no basquete – No dia 7 de setembro, o basquete brasileiro pareceu ter nascido de novo. Comandada pelo técnico Ruben Magnano, a seleção derrotou a Argentina de forma heroica em Mar del Plata por 73 a 71, triunfo que foi fundamental na campanha do Pré-Olímpico que levou a equipe masculina de volta às Olimpíadas depois de 16 anos. No ano que vem o Brasil estará em Londres. Tudo graças ao argentino Magnano e sua jovem equipe que superou tudo para arrancar uma vaga para Londres-2012.

Why Always me? – Fechando a minha lista, uma goleada histórica no dia 23 de outubro. O Manchester United recebeu o rival da cidade Manchester City em Old Trafford. O estádio conhecido como Teatro dos Sonhos foi palco do pesadelo da equipe de Sir Alex Ferguson impiedosamente goleada por 6 a 1, um chocolante que quebrou uma série de tabus: Desde 2008 o United não perdia para o rival no Campeonato Inglês, desde 1996 não tomava seis ou mais gols em casa e a goleada foi a pior derrota do United para o City desde janeiro de 1926. Foi também a pior derrota de Ferguson em 25 anos de Manchester United. “Foi o nosso pior dia na história”, resumiu o treinador escocês. E um dos personagens do chocolate foi o atacante Balotelli, que ao abrir o placar levantou a camisa e mostrou outra com a mensagem: “Why Always me?” (Por que sempre eu?), uma referência à polêmica que ele se envolvera naquela semana, quando colocou fogo na própria casa depois de “brincar” com fogos de artifício. Por que sempre você, Balotelli?

Messi, o craque, o mito/Reprodução da internet

O craque do ano – Tem alguma dúvida de que mais uma vez o prêmio de Memórias da Alcova vai para Lionel Messi? O cara continua decidindo tudo. Foi o craque e artilheiro da Liga dos Campeões, fez gol na final, foi decisivo no Campeonato Espanhol, foi decisivo nos confrontos contra o Real Madrid, foi decisivo no Mundial de Clubes. Messi é o cracaço do ano e tem tudo para conquistar pelo terceiro ano consecutivo a Bola de Ouro de melhor jogador do planeta. Que continue jogando muito por muitos e muitos anos.

O time do ano – Quantas equipes do mundo têm três craques? O Barcelona é uma delas com Messi, Xavi e Iniesta. Quantos times praticam o futebol-arte? O Barcelona é um deles e talvez o único que encante os amantes do futebol do Alaska a Nova Zelândia. Além disso, o Barcelona foi campeão espanhol, europeu, da Supercopa da Espanha, da Supercopa da Europa e no apagar das luzes ganhou só o título mundial com uma goleada acachapante sobre o Santos por 4 a 0. Ou seja, o Barcelona ainda é o time a ser batido e a equipe do ano.

O técnico do ano – Seguindo a mesma lógica culé, se você comanda o time do ano que pratica o futebol mais brilhante e tem os craques, tem como você não ser o treinador da temporada? Pep Guardiola é o cara por comandar uma equipe que está fazendo história.

O herói – Um herói, não, um super-herói. Novak Djokovic talvez tenha sido o esportista do ano. O cara assumiu o primeiro lugar do ranking do tênis, massacrou gente do porte de Rafael Nadal e Roger Federer e ganhou nada menos do que três dos quatro Grand Slams da temporada (Austrália, Wimbledom e Estados Unidos). Foi um monstro em quadra e um dos grandes nomes do esporte em 2011.

O vilão – José Mourinho é um grande treinador. Um dos melhores do mundo, certamente. Mas não se comportou dignamente em 2011. Quando enfrentava o Barcelona, o treinador do Real Madrid parecia um Eurico Miranda nos tempos de Vasco x Flamengo falando bobagens e sem focar no seu time. Pior, deixando o sua equipe pilhada, o que só a fez entrar na roda culé. Mas não foi só isso. Mourinho ainda deu uma dedada no olho do auxiliar de Guardiola. Pegou muito mal para o português. Quem em 2012 ele fique mais calminho.

O mico do ano – Eu poderia citar a derrota do Corinthians para o Tolima e a eliminação na Pré-Libertadores, mas o time paulista depois se recuperou e foi campeão brasileiro. Mico mesmo foi o do Atlético-MG, que poderia ter rebaixado o rival Cruzeiro, mas apanhou de 6 a 1 na última rodada do Brasileirão. Resultado, a Raposa ficou na elite e com a derrota o Galo ficou de fora até da Copa Sul-Americana. Micaço!

O tabu quebrado do ano – O recorde de jardas conquistadas em uma única temporada (5.084) estava há 27 anos nas mãos de Dan Marino. Mas o quarterback do New Orleans Saints, Drew Brees, o pulverizou com uma rodada de antecedência do fim da temporada regular da NFL durante a vitória da sua equipe sobre o Atlanta Falcons por 45 a 16. Agora são 5.087 jardas e ainda falta um jogo. Um grande feito para Brees, que celebrou a marca em grande estilo: com um passe para touchdown que você vê abaixo.

Balotelli e sua camisa/Reprodução da internet

O figuraça – Mario Balotelli merece muito essa alcunha em 2011. Ele comemora gol com a camisa “Why Always me?”, ele não comemora gol, tira sarro fazendo gol de ombro, se mete em confusão fora de campo. É o personagem bizarro do ano. Coloca fogo na própria casa quando brinca com fogos de artifício, sai com atriz pornô, é flagrado comprando revistinha erótica. Balotelli, o rei dos tabloides ingleses e figuraça de 2011.

O golaço do ano – O gol de Neymar contra o Flamengo foi espetacular, o de Wayne Rooney contra o Manchester City foi sensacional, mas eu vou ficar com o gol de Messi nos 2 a 0 do Barcelona sobre o Real Madrid no Santiago Bernabéu. Serve para representar também os outros golaços espetaculares que o craque argentino fez no ano.

A jogada do ano – Não existe prêmio aqui para touchdown, mas não posso deixar de registrar o que Jerome Simpson, do Cincinnatti Bengals, fez no jogo contra o Arizona Cardinals, na NFL. O cara simplesmente deu uma cambalhota para marcar um touchdown. Foi a jogada de 2011. Veja no vídeo abaixo.

A seleção do ano – Minha equipe ideal de 2011 ficou assim: Neuer (Schalke 04), Daniel Alves (Barcelona), Piqué (Barcelona), Vidic (Manchester United) e Marcelo (Real Madrid); David Silva (Manchester City), Xavi (Barcelona) e Iniesta (Barcelona); Van Persie (Arsenal), Messi (Barcelona) e Cristiano Ronaldo (Real Madrid).

Amanhã, os melhores shows do ano.

Sessão nostalgia

2011-12-28T14:00:00.001-02:00

Tudo começou com um comentário de uma amiga totalmente excelente que vibrara ter um dia de folga que coincidia com a exibição de um dos seus filmes favoritos na “Sessão da Tarde”. No dia seguinte, tomado por um certo tom nostálgico, crise dos 30 ou qualquer coisa do gênero, pensei: Tem muitos anos que eu não fico em casa vendo um filme da "Sessão da Tarde".

Foi quando tive a ideia de reunir 30 filmes inesquecíveis da "Sessão da Tarde" num mega post aqui em Memórias da Alcova. Inicialmente seria apenas o meu top 10, mas um almoço com a mesma amiga e outras duas pessoas ampliaram o leque de tal forma que eu não resisti. Afinal, aqui no meu espaço a edição é como o gol para o Parreira, apenas um detalhe. Então vamos à minha lista.

1-“Curtindo a vida adoidado” (Ferris Bueller’s Day Off – 1986) – Disparado o número 1 da "Sessão da Tarde". Vi pelo menos umas 15 vezes. O filme conta a história de Ferris Bueller (Matthew Broderick), que num belo dia de sol de Chicago resolve inventar que está doente para matar aula e curtir o dia. Para acompanha-lo nas desventuras, Ferris convoca o melhor amigo, o hipocondríaco Cameron (Alan Ruck), e a namorada Sloane Peterson (Mia Sara), que ele tira da escola dando um dos seus muitos golpes. Dirigido por John Hughes e com diversas cenas antológicas, “Curtindo a vida adoidado” tem o seu ponto alto com Ferris cantando “Twisted and Shout”, dos Beatles, em uma parada alemã fazendo todos os cidadãos de Chicago dançarem com ele. Até o pai, que acha que o filho está doente em casa. Como todo bom filme de "Sessão da Tarde", “Curtindo a vida adoidado” tem a participação de um ator desconhecido que ganharia notoriedade depois. É Charlie Sheen, que aparece numa ponta na delegacia beijando a irmã de Ferris.

2- Gotcha! – uma arma do barulho (Gotcha! – 1985) –Um dos meus favoritos. Na trama dirigida por Jeff Kanew, Jonathan Moore (Anthony Edwards) é um estudante da UCLA que joga com seus amigos de faculdade um jogo muito popular chamado “Gotcha”, uma espécie de paintball jogado sempre em qualquer lugar. A cada vez que alguém acertava um alvo, ele dizia: “gotcha”. E isso valia para ela se vingar de garotinhas que lhe davam um fora manchando as roupas delas com a tinta vermelha. Um dia, Moore e seu colega de apartamento, o espanhol Manolo (Jsu Garcia), vão passar férias em Paris. Lá, o nosso herói conhece a sexy Sasha (Linda Fiorentino), uma gata tcheca que vai tirá-lo a virgindade, e leva-lo para Berlim. Mas tantas nights de sexo cobram um preço. Moore acaba envolvido em uma trama de espionagem na Alemanha envolvendo a CIA, soviéticos, enfim, todas essas coisas de antigamente de um tempo em que o mundo era mais simples. Com isso ele acaba tendo de lidar com uma arma de verdade, mas sua habilidade com o “Gotcha” vai acabar ajudando a se dar bem e ficar com a Sasha, porque, afinal, é um filme de "Sessão da Tarde".

3- “O grande dragão branco” (“Bloodsport” – 1988) – A melhor atuação da vida de Jean-Claude Van Damme! Não que isso seja grande coisa, mas “O grande dragão branco” é um clássico. No filme de Newt Arnold, Van Damme é Frank Dux, um jovem do exército que passou a vida inteira sendo treinado pelo pai adotivo Tanaka e deseja honrar o nome da família no Kumite, um torneio de artes marciais em Hong Kong. Van Damme dá seus melhores golpes neste filme, se apaixona por uma jovem jornalista que quer se infiltrar no local secreto para escrever uma reportagem (ô raça), e ainda faz de bobo os dois policiais que vão ao seu encalço. Um deles é vivido por Forest Whitaker 18 anos antes de ganhar um Oscar por “O último rei da Escócia”. É claro que tudo dá certo (finais felizes são fundamentais na "Sessão da Tarde"), Dux ganha o torneio, a mulher e ainda humilha o vilão caricato Chong Li (Bolo Yeung) fazendo-o dizer: “matêeeee”.

4- Karaté Kid – A hora da verdade (Karatê Kid – 1984) – Nós que éramos crianças e adolescentes nunca imaginamos, mas este filme tinha muita qualidade. Tanto é que Pat Morita foi indicado ao Oscar de ator coadjuvante em 1985. Dirigido por John G. Avildsen, o filme conta a história de Daniel San (Ralph Maccio), jovem nerd, fracote, idiota e boboca da escola, que apanha dos valentões, não consegue pegar ninguém e ainda me entra numa festa a fantasia vestido de banheiro. Mas a vida resolve sorrir para Daniel. Embora a dublagem faça a gente pensar que ele é gay, Daniel gosta de mulher e consegue até sair com Ali Mills (Elisabeth Shue, uma espécie de musa da "Sessão da Tarde"). Mas é o senhor Myagi que será fundamental na vida de Daniel. Usando técnicas revolucionárias de ensinar o karatê (coisa como limpar o carro e pintar cercas), o garoto aprenderá a se defender dos valentões e ainda vai vencer um torneio de karatê usando o famoso golpe do balé!

5- Top Gun – Ases Indomáveis (Top Gun – 1986) – Na minha adolescência, Tom Cruise era amado por todas as meninas (quer dizer, menos as mais roqueiras que idolatravam o Axl Rose). E a culpa disso é deste filme. “Top Gun” é um clássico da "Sessão da Tarde" onde um jovem Tom Cruise (ele tinha 24 anos) vivia o personagem Maverick, piloto de aviação que sonha em fazer parte dos ases indomáveis, da elite, dos Top Gun da Força Aérea americana. Mas é claro que nesta sua caminhada ele terá algumas pedras pelo caminho. A maior delas é Iceman, o vilãozinho do filme vivido por Val Kilmer. Como um bom filme de "Sessão da Tarde", nosso herói vai se apaixonar pela única mulher em cena em praticamente todo o filme e será correspondido após um pequeno momento de conflito. Esta mulher vem a ser Charlotte (Kelly McGills), uma das instrutoras do programa (olha a "Sessão da Tarde" nos ensinando que devemos pegar nossas professoras). É claro que no final Tom Cruise vai se dar bem e as menininhas vão suspirar ao som de “Take my breathe away”, do Berlin. Um verdadeiro clássico este filme de Tony Scott e agora se fala até numa sequência. Será que o velho Tom (hoje com 50 anos) ainda encara essa?

6- Caçadores de emoção (Point Break – 1991) – As mulheres amam “Dirty Dancing” e “Ghost”, mas o melhor filme de Patrick Swayze é este dirigido por, vejam só, Kathryn Bigelow muitos anos antes de sequer imaginar que um dia ganharia um Oscar, o que aconteceu há dois anos com “Guerra ao Terror”. No filme, Swayze é Bodhi, um surfista líder de uma quadrilha de assaltantes de banco que se disfarça de ex-presidentes americanos (Ronald Reagan, Lyndon Johnson, Richard Nixon e Jimmy Carter). Para tentar desmascarar a quadrilha dos Ex-presidentes, o agente do FBI Johnny Utah (Keanu Reeves) tem que se infiltrar nela. Mas para isso, este rauli tem que aprender a surfar e vai levar muitos caldos. Mas Bodhi é um “bandido-beleza”, um cara que rouba para realizar um sonho: ele quer viajar para Bells Beach, na Austrália, onde uma mega tempestade formará uma onda única e mortal que ele precisa surfar. Como na convivência os dois, bandido-surfista e policial-neo-surfista, atingem um ponto de camaradagem, tudo termina numa boa onda no mar. Uhuuu!!!

7 – Os Goonies (The Goonies – 1985) – Dirigido por Richard Donner, este é um verdadeiro clássico da "Sessão da Tarde". Mostra um grupo de garotos numa aventura atrás de um tesouro depois que eles encontram um mapa de um pirata qualquer. O mais legal de rever “Os Goonies” é perceber que alguns nomes que se envolveram nele viraram pessoas famosas. É o caso de Josh Brolin. O ator que já foi indicado ao Oscar de coadjuvante por “Milk” em 2009 e estrelou filmes como “Onde os fracos não tem vez”, “Bravura Indômita” e “W”, era uma das estrelas dos “Goonies”. Ele tinha 17 anos quando fez o papel de Brand Walsh. O nome de Sean Astin também pode não te trazer muitas lembranças, mas o ator que então tinha 14 anos e fez o irmão de Brand, Mikey Walsh, ficaria mais tarde conhecido por ser o Sam, o melhor amigo de Frodo na trilogia do “Senhor dos Anéis”. Verdadeira “divisão de base” do cinema, o filme tinha ainda como roteirista Chris Columbus, que ficaria conhecido por ser o diretor de dois filmes da série “Harry Potter”.

8 – Velocidade Máxima (Speed - 1994) – Um dos melhores filmes de Keanu Reeves. Dirigido por Jan de Bont, ele se passa em uma Los Angeles ameaçada por um terrorista maluco vivido por Dennis Hopper. Reeves é o policial Jack Traven que terá que salvar as pessoas que estão dentro de um ônibus desgovernado pelas ruas de LA. Ônibus que em parte do filme será dirigido pela mocinha Annie Porter (Sandra Bullock), por quem o policial vai se apaixonar e, bem, você sabe como essas coisas funcionam.

9 – Elvira – a rainha das trevas (Elvira – mistress of the dark – 1988) – Descrito com muita propriedade no YouTube como o primeiro pornô de toda criança, o filme é estrelado por Cassandra Peterson, que ficaria eternamente conhecida pela personagem que usava roupas com decotes generosíssimos. Era impossível não ficar vidrado nos peitos da Elvira. A história? Bem, em Los Angeles, Elvira deixa o emprego depois de ser assediada sexualmente pelo novo dono da TV que ela trabalhava. Se muda para a pequena e conservadora Fallwell, em Massachusetts, e logo provoca um verdadeiro auê na região com suas roupas e estilo, digamos, chocantes. Elvira acaba dando a volta por cima a tempo de nos premiar com a inesquecível cena dos peitos giratórios.

10 – De volta para o futuro (Back to the future – 1985) – Todo fã de "Sessão da Tarde" idolatra Michael J. Fox. Afinal, ele é o astro de uma das trilogias mais legais da história do cinema. Neste primeiro filme dirigido por Robert Zemeckis, Fox, ou melhor, o inesquecível Marty McFly, parte no carro invocado do doutor Emmett Brown (Christopher Lloyd) para o ano de 1955, e encontra os seus futuros pais no ginásio. Num verdadeiro drama freudiano, ele ainda tem que lidar com o interesse de sua futura mãe nele, romance que se fosse consumado mudaria completamente o futuro e o faria desaparecer! Ou ser pai dele mesmo! Na história, McFly descobre ainda que o pai sofria bullying na escola e os três acabam vivendo grandes aventuras. E McFly acaba se tornando involuntariamente o inventor do skate.

11 – Uma linda mulher (Pretty Woman – 1990) – Você que acha que Julia Roberts, o mais belo sorriso de Hollywood, é a “namoradinha da América”, saiba que ela já fez um papel de prostituta. Tudo bem que era uma puta de luxo e sem cenas quentes, afinal, os filmes da "Sessão da Tarde" são família. Pois neste filme de Garry Marshall com a bela trilha sonora de Roy Orbison Julia é Vivian Ward a linda prostituta por quem Edward Lewis (Richard Gere) vai passar o filme inteiro tentando conquistar. Ai vem aquelas coisas típicas de comédias românticas: os dois mundos em conflito, as diferenças, um tendo que aceitar o outro como ele é até viverem felizes para sempre. E pensar que originalmente o filme era para ser um drama sobre prostituição em Nova York. Acabou virando uma película light passada em Hollywood que deu a Julia uma indicação ao Oscar.

12 – Procura-se Susan Desesperadamente (Desperately Seeking Susan – 1985) - Tudo o que a Madonna faz no cinema é tosco. Mas este filme é tão tosco, mas tão tosco, que chega a ser bom. Quando fez este "Procura-se Susan desesperadamente", Madonna era uma estrela em ascensão na música. Tinha acabado de lançar “Like a Virgin” e começava a ser conhecida como a material girl que todo homem desejava. Ai a Susan Seidelman a escalou para ser a garota porra-louca Susan que marca encontros com o namorado por anúncios de jornal. Só que nisso surge Rosanna Arquette e sua Roberta, dona de casa de vida sem graça que mora em Nova Jersey e se mete na história para tentar dar alguma emoção a sua existência. As duas brigam, ficam amigas e no final tudo acaba bem. No meio dessa história toda, uma ponta de John Turturro, o mestre de cerimônias de um clube aonde as duas vão.

13 – As minas do Rei Salomão (King Solomon’s Mine – 1985) – Muito antes de Sharon Stone dar aquela cruzada de pernas inesquecível, ela já mostrava o seu potencial como a heroína que dá trabalho e leva Allan Quatermain (Richard Chamberlain) a loucura neste clássico da "Sessão da Tarde". Sharon era Jesse Huston, moça que contrata Quatermain para tentar encontrar o pai que teria desaparecido numa expedição na tal mina do título da película. A partir daí eles vão viver aventuras e passar por poucas e boas na tribo de Kukuana. E, claro, vai rolar um affair entre os dois.

14 – Indiana Jones e os Caçadores da Arca Perdida (Raiders of the lost ark – 1981) – Mas quando se trata de aventuras em lugares bizarros, nada supera o grande Indiana Jones (Harrison Ford). Escolhi o primeiro filme para representar aqui toda a trilogia de Steven Spielberg e George Lucas. Neste trabalho, nosso bravo arqueólogo vai para o Nepal e o Cairo numa trama que envolve artefatos históricos, nazistas (o filme se passa em 1936), muita correria, algumas brigas e o seu velho chicote. “Os Caçadores da Arca Perdida” ganhou quatro Oscars em 1982, todos em categorias técnicas.

15 – Esqueceram de mim (Home Alone – 1990) – Chris Columbus dirige a jovem estrela (que ficou presa no passado) Macaulay Culkin no divertido filme sobre o garoto de oito anos (o ator tinha dez na época) que é abandonado pelos pais quando saem de viagem. Ai ele terá que aprontar muito para impedir que dois ladrões vividos por Joe Pesci e Daniel Stern roubem a casa de sua família. Como o filme se passava no Natal, era figurinha carimbada na "Sessão da Tarde" quando dezembro chegava.

16 – Meu primeiro amor (My Girl – 1991) – Mas o jovem Macaulay Culkin não sabia apenas fazer comédia. A estrela prodígio que naufragaria na idade adulta também sabia fazer um drama e o filme que tinha a trilha sonora da conhecida música dos Temptations fez muito marmanjo chorar. O filme se passa na Pensilvânia onde duas crianças vivem as experiências do primeiro amor. Fofo, né? O problema é que uma tragédia acontece e o luto fará Vada Suntelfuss (Anna Chlumsky) aprender muitas coisas sobre a vida com o pai Harry (Dan Aykroyd). Mas a grande questão disso tudo é: por onde anda Anna Chlumsky? Na época do filme ela tinha 11 anos. Três anos depois, estrelou a bizarra continuação “Meu primeiro amor 2” (não deveria ser Meu segundo amor?) e desapareceu. Participou de algumas séries e não fez nada de relevante no cinema. Será sempre lembrada pela garotinha do “Meu primeiro amor”.

17 – Os Caça-Fantasmas (Ghostbusters – 1984) – Muito antes do Gasparzinho, o Geleia também era um fantasminha camarada. Embora fosse um pouco gosmento. “Os Caça-Fantasmas” reunia um trio de malucos da Universidade de Columbia que, como o próprio nome dizia, saia pelas ruas de Nova York a caça de fantasmas. Com Dan Aykroyd, Bill Murray e Harold Ramis como astros, o filme de Ivan Reitman contava ainda com a participação de Sigourney Weaver e chegou a ter duas indicações no Oscar de 1985, uma delas para a música “Ghostbusters” que era um dos chicletes da "Sessão da Tarde". E quem não se lembra do inesquecível marshmallow gigante aterrorizando Nova York? Nunca houve um vilão tão, digamos, fofo.

18 – Máquina Mortífera (Lethal Weapon – 1987) – Martin Riggs é um dos meus heróis favoritos. O personagem de Mel Gibson em “Máquina Mortífera” sempre me divertia nas tardes com seu jeito insano e a maneira com ele se relacionava com o parceiro meio medroso Roger Murtough (Danny Glover). Os quatro filmes da série são de Richard Donner e resolvi escolher o primeiro para representar todos na lista como uma forma de homenagear a divertida série.

19 – Um tira da pesada (Beverly Hills Cop – 1984) – Por falar em policiais divertidos (filmes de policiais eram muito comuns na "Sessão da Tarde"), como não lembrar nesta lista de Eddie Murphy e seu Axel Foley? “Um tira da pesada” era tão bom, mas tão bom, que chegou a ganhar uma indicação ao Oscar de roteiro. “Um lugar no coração”, que ninguém lembra, acabou ganhando o prêmio num ano em que também concorria “Splash, uma sereia em minha vida” (meldels!). No filme de Martin Brest, Foley, um policial gaiato de Detroit vai até Beverly Hills investigar a morte de um amigo. Só que ele não está autorizado a fazer isso e durante o filme enrola o sargento John Taggart (John Ashton) e o detetive Billy Rosewood (Judge Reinhold), policiais encarregados de prendê-lo. Sem contar o tenente Andrew Bogomil (Ronny Cox). Era um tempo em que Eddie Murphy era diversão garantida.

20 – Corra que a polícia vem ai (The naked gun: from the files of police squad! – 1988) – Seguindo a linha de policiais inesquecíveis, Leslie Nielsen não poderia faltar nesta lista. Astro deste primeiro filme de uma trilogia, o ator é o detetive Frank Drebin, o policial mais atabalhoado que se tem notícia e que se mete em incontáveis e hilárias cenas. No elenco, a musa de Nielsen era a ex-mulher do Rei, Priscilla Presley. Sem contar O.J. Simpson, que apanhava bastante. O ex-jogador de futebol americano acabaria no futuro sendo preso e condenado a 33 anos de prisão pela morte de sua ex-mulher, Nicole Brown Simpson e um amigo dela, Ronald Goldman.

21 – Mad Max (Mad Max – 1979) – Continuemos na seara da lei para falar de um policial do futuro. Estrelado por um então menino de 23 anos chamado Mel Gibson, “Mad Max” fala de um policial num futuro apocalíptico em busca de uma vingança após uma gangue de motoqueiros ter matado a sua família. Gibson então vai fazer justiça com as próprias mãos e mostrar aos caras quem é que manda. Esse é o filme mais legal da trilogia. George Miller agora planeja um quarto filme, mas já disse que Mel Gibson está fora. Aí não tem graça. Ele é a alma do filme.

22 – Rambo – programado para matar (First Blood – 1982) – É claro que em qualquer lista de filmes da "Sessão da Tarde" não podia faltar algum do Sylvester Stallone. E o grande herói mentiroso (afinal, ele derruba um helicóptero sozinho no terceiro filme) John Rambo é o representante. Rambo é o herói amargurado das forças especiais do exército americano que descobre que um amigo morreu por causa da exposição ao agente laranja, arma química que os militares jogaram na população vietnamita. Rambo acaba se envolvendo com problemas com as autoridades da cidade de Hope, em Washington, é torturado e lembra dos seus tempos de prisioneiro de guerra. Tsc, tsc, péssimo momento para o xerife da cidade provocá-lo. Rambo vai mostrar que ele se meteu com o cara errado e iniciará uma jornada de vingança contra os caras e nem o Coronel Trautman (Richard Crenna) conseguirá impedí-lo.

23 – Edward, mãos de tesoura (Edward Scissorhands – 1990) – Este filme comprova que desde cedo Johnny Depp gosta de interpretar um tipo esquisito. No trabalho de Tim Burton, Depp é o personagem do título, homem gentil e melancólico por ser diferente, ter as mãos de tesoura. É ai que o filme faz o merchandising da Avon: é uma vendedora dos produtos vivida por Dianne Wiest quem resolve visitá-lo e ao vê-lo tão sozinho o leva para a sua casa. Logo Edward fica amigo do filho dela e do marido, vivido por Alan Arkin. Mas é pela filha deles, Kim (Winona Ryder antes da cleptomania) que ele vai se apaixonar. Ai é aquela história, amor impossível, dor e um desfecho melancólico para Edward e Kim. Mas o Avon deve ter faturado muito com a popularidade.

24 – Flashdance – em ritmo de embalo (Flashdance – 1983) – Um filme feito basicamente para mostrar como é dura a vida da bailarina. No filme de Adrian Lyne, Jennifer Beals é Alex Owens, mocinha de Pittsburgh que trabalha como soldadora durante o dia e à noite solta a franga dançando em um bar. Seu sonho? Virar uma dançarina famosa. Para isso ela tem que treinar muito para entrar para uma companhia de balé profissional. Não consegue em duas tentativas, perde a confiança, mas é aí que o filme nos ensina que não devemos desistir nunca dos nossos sonhos. Ou qualquer coisa do gênero. E no fim, ela dá um show na audição ao som da música-chiclete “What a feeling”. Depois deste filme, Jennifer, então com 20 anos, acabou desaparecendo, não fez nada muito relevante até reaparecer como uma lésbica no seriado “The L World”.

25 – Dirty Dancing – ritmo quente (Dirty Dancing - 1987) – Filme sobre dança, música-chiclete, bem temos outro representante desta safra aqui. Estrelado por Patrick Swayze e Jennifer Grey, “Dirty Dancing” é daqueles filmes que se você falar mal compra uma briga daquelas com sua patroa. Por quê? Ora, porque ele conta uma história de amor que todo mulher gosta. Swayze é o cara bonitão e forte que briga até o fim pela menina frágil mesmo com os pais sendo contra o relacionamento porque acham que ele é um vagabundo e não serve para a filha. No meio disso tudo tem gravidez, acusações falsas de roubo, demissão do instrutor de dança vivido por Swayze. Sabe como é, né, o clichê faz sucesso. E tome de Patrick Swayze rebolando ao som de “The time of my life”.

26 – Cocktail (Cocktail – 1988) – Esse papo de funcionário se apaixonar por uma mulher que está ali passando pelo seu emprego me lembrou de outro filme. No caso de “Cocktail” é o barman Tom Cruise quem vai para a Jamaica trabalhar e ai...ele conhece Elisabeth Shue, que estava ali passando férias. Papo vai, papo vem, Cruise exibe toda a sua técnica para preparar drinques e pronto, o amor está selado. Como numa novela da Globo, Cruise pisa na bola, Elisabeth não gosta, se separa, fica devastada, mas o herói vai atrás dela, enfrenta a sua família porque o que importa é o amor. Fica tudo bem e o casal até abre um barzinho no final.

27 – Robin Hood – o príncipe dos ladrões (Robin Hood – Prince of Thieves – 1991) – Esqueça a recente versão com Russell Crowe. Era até boa, mas muito mais legal é este filme estrelado por Kevin Costner. O ator faz o príncipe dos ladrões, cuja clássica história é contada pelo diretor Kevin Reynolds com a ajuda de um elenco conhecido, como Morgan Freeman (Azeem), Mary Elisabeth Mastrantonio (Lady Marian), Christian Slater (Will Scarlett) e Alan Rickman (xerife de Notthingham). A estragar apenas uma música chata do Bryan Adams, mas que rendeu à película uma indicação ao Oscar.

28 – Beethoven – o magnífico (Beethoven – 1992) – Eu detesto filme de bichinhos, mas tenho que reconhecer que não existe "Sessão da Tarde" sem filme de bichinhos (tá, fui também convencido a incluir um na lista). O filme conta a história do são bernardo com nome de compositor clássico que é adotado pela família Newton, mas tem uma galera que quer fazer experiências mortais com ele ou coisas assim. Beethoven faz todo o seu papel de cachorro fofo dos filmes de bichinho e todos vivem felizes para sempre no filme. Curiosidade da vez: os atores principais desapareceram na história do cinema. Foram os coadjuvantes que vingaram como Stanley Tucci e Oliver Platt, que aparecem como sequestradores de cães, e David Duchovny, que na época do filme ainda não tinha estreado no Arquivo X, série de TV que o tornaria famoso.

29 – Mudança de Hábito (Sister Act – 1992) – Não existe "Sessão da Tarde" sem Whoopi Goldberg. E “Mudança de Hábito” é o seu filme mais divertido. No filme, Whoopi é a cantora Deloris Van Cartier que acaba sendo colocada por um programa de proteção a testemunhas num convento em São Francisco para fugir do namorado mafioso, Vince (Harvey Keitel). Lá ela vai se meter em um monte de situações engraçadas que foram o riso garantido das nossas tardes.

30 – A Lagoa Azul (The Blue Lagoon – 1980) – Para fechar a lista, não poderia deixar de citar o filme mais repetido da história da "Sessão da Tarde". Tudo bem, eu não tenho estatística disso, mas alguém duvida? Estrelado por Brooke Shields e Christopher Atkins, o filme conta a história de dois jovens que ficam isolados numa ilha após uma tempestade destruir o seu barco. Os anos passam, eles descobrem o amor, fazem um sexo e, enfim, vocês conhecem o resto da história. Esta versão já é a refilmagem de um filme de 1949, mas prepare-se para o pior: algum louco está planejando uma nova versão do filme. Meu Deus! Depois de “A Lagoa Azul” tanto Brooke (hoje com 46 anos) quanto Atkins (hoje com 50) não fizeram nada de relevante. Ficaram eternamente presos na ilha da fantasia da Lagoa Azul.

Tubarões canibais

2011-12-20T21:41:00.000-02:00

O mercado financeiro não é para santos. E isso é uma coisa que “Margin Call – o dia antes do fim”, deixa bem claro. Desde o início é um individuo querendo puxar o tapete de outro para salvar a própria pele e ainda faturar alguns milhões de dólares para garantir uma vida mais tranquila.

Primeiro trabalho do diretor J.C. Chandor, o cenário deste filmaço é a crise econômica de 2008 que iniciou com a quebra do Lehman Brothers. O nome do banco nunca é citado, mas sua história está nas entrelinhas da companhia comandada com inteligência e sagacidade por John Tuld (o sempre ótimo Jeremy Irons). Tuld não entende absolutamente nada de mercado financeiro. Nada do que faz nos mínimos detalhes a empresa que comanda. Mas é um líder e tem visão a frente do seu tempo e isso basta para fazê-lo sentar na cabeceira da mesa e prever o apocalipse com algumas poucas palavras ditas pelo jovem Peter Sullivan (Zachary Quinto), que, para resumir tudo e usar uma linguagem que até um cachorro entenderia, descobre que tem coisa fedendo ali e vai dar merda.

Voltemos um pouco no tempo. Um passaralho está voando pelo banco e cortando cabeças em doses industriais. É um massacre de alta proporção e quem permanece pode se considerar vitorioso.

Uma das vítimas dos agentes de demissão (igual aquele personagem do George Clooney em “Amor sem escalas”) é Eric Dale (Stanley Tucci), da área de riscos. As mulheres com cara de poucos amigos o oferecem um acordo que é aceitar e pegar a grana ou aceitar na marra e ficar sem nada. Dale ainda argumenta sobre uma pesquisa que está fazendo e recebe o seco: “Isso não é mais problema seu”. Em seguida, como um prisioneiro culpado deixa o local escoltado por um segurança mal encarado sem nem ter a chance de retirar suas coisas do seu computador. Sua senha foi bloqueada, seu telefone ficou bloqueado e só lhe resta pegar uma caixa com seus poucos pertences e voltar para a casa.

Antes, porém, entrega um pen drive-bomba para Sullivan, o jovem promissor que ele contratara. Pede que analise os dados com carinho e, principalmente, muito cuidado. O que se segue é a crônica da tragédia da qual os Estados Unidos ainda tentam se reerguer e pode custar a cabeça de Obama na eleição do ano que vem. Afinal, o problema sempre foi a economia, estúpido.

Sullivan tem uma mente brilhante, mas é esta mente que vai provocar o ocaso da companhia a menos que um plano de emergência canalha seja posto em prática. Vender todos os ativos podres para gente que não sabe que eles são podres o mais rápido possível antes que a imprensa comece a investigar e descubra que há algo de, com o perdão da redundância, podre no reino de Wall Street.

Tuld sabe que o que acontece no seu terreno é o divisor de águas. E como águia do mercado quer se antecipar até na tragédia para se reerguer mais forte e antes de todos. O problema é que, aparentemente, Sam Rogers (Kevin Spacey, brilhante), ainda tem um resquício de dignidade nos seus olhos. Talvez a doença do seu cachorro, o único companheiro de um homem separado e sem nada além do trabalho como motivação, tenha amolecido o coração deste velho homem de 34 anos bem frisados na companhia.

Mas Rogers sabe o que deve ser feito. Tuld também. Assim como Will Emerson (Paul Bettany) e Sarah Robertson (a constrangedora Demi Moore). Sarah é a cabeça que Tuld entregará aos investidores, o boi de piranha que terá que aceitar seu destino em troca de um bom acordo. Emerson é o cara que vai se dar bem por estar no lugar certo e na hora certa. É outro que se antecipa aos acontecimentos por conhecer a história da economia do mundo. Sabe que não será demitido e ainda vai faturar uma grana. Previra um colapso, afinal algo tinha que estar errado com tanta gente comprando carros e casas e consumindo cheia de felicidade. Uma hora a bolha iria explodir.

Assim, estes e outros personagens vão se digladiando enquanto o mercado estremece. Uns tiram vantagem de outros, uns se dão bem, outros saem pela porta dos fundos e a tensão toma cada segundo do filme.

“Margin Call” tem muita linguagem econômica. Neste ponto lembra o primeiro Wall Street, “Poder e Cobiça” (1987), mas não é preciso ser versado no glossário de bônus e hipotecas para sentir a tensão do filme. Mérito dos ótimos atores e da direção e roteiro de Chandor. E o que se tem no fim é um filme sensacional. Talvez o melhor que eu tenha visto sobre a mais recente crise. Agora os outros é que vão ter que correr atrás para produzir algo melhor sobre a lama de Wall Street.

Comentários e a seleção do Brasileiro

2011-12-06T23:22:00.001-02:00

O Corinthians ergue a taça/Reprodução da internet

No ano passado, a grande história do Campeonato Brasileiro foi a do Fluminense. O time tricolor que arrancou da sarjeta em 2009 para o título de 2010 comandado por um meia incansável, um enganche chamado Dario Conca, que jogou todas as partidas. Neste ano, o Brasileiro foi muito atípico. O craque da vez ficou muito longe da disputa do título. Neymar foi inegavelmente o grande jogador da competição talvez com o Dedé ficando ali com o vice-campeonato (sem qualquer provocação, por favor, não estou em boteco).

Não existe campeão injusto nos pontos corridos. Logo o Corinthians mereceu levantar a taça e sua vitória ficou até mais simpática como uma forma de homenagem a Sócrates, um craque em tudo o que fez. Um craque que mesmo após conquistar um título pelo Corinthians declarou: "Ganhar ou perder, mas sempre com democracia". Mais condizente com o que este blogueiro pensa sobre o esporte e a vida, impossível.

O Corinthians que me dê licença, no entanto, mas a grande história do ano foi a do Vasco. Imagine um time que começou o ano com o pior início de Campeonato Estadual (aquele torneio de bairro que insistem em valorizar) de sua história. Quatro derrotas seguidas, técnico demitido (PC Gusmão), estrela do time afastada (Felipe), e o caos instalado. Uma nau sem rumo.

Veio Ricardo Gomes e tudo mudou. Com um time valente, operário e com alguns lances de técnica e um zagueiro que se consolidava como o melhor do Brasil, o Vasco se reconstruiu do horror para a glória. Sim, o time foi vice-campeão brasileiro, não conseguiu conquistar o título, mas o que importa?

O que importa é que o Vasco voltou a ser protagonista. Que se reergueu ainda no torneio de bairros para ser campeão nacional de novo. A conquista da Copa do Brasil foi um marco. Foi quando pensaram: agora o Vasco vai relaxar como todos fazem, afinal já está na Libertadores.

Não relaxou. Jogou com seriedade até o fim e só sucumbiu no Brasileiro e na Copa Sul-Americana no final. Superou até a doença de Ricardo Gomes, que sofreu um Acidente Vascular Encefálico (AVE) no final do primeiro turno. Cristóvão Borges, o auxiliar, assumiu e manteve o trabalho vencedor. Somente um time pode ser campeão. O Vasco não teve como levantar a taça no final, mas foi o grande vencedor da temporada e o melhor time carioca disparado mesmo diante de um Flamengo e um Fluminense com muitas estrelas e pouco futebol, apesar da boa arrancada tricolor no segundo turno.

Dito isso, vamos à minha seleção do Campeonato Brasileiro:

Goleiro: Júlio César (Corinthians) – Fernando Prass jogou todos os jogos e fez um grande campeonato pelo Vasco, mas este goleiro de 27 anos, o único do time campeão formado na base, é um dos principais responsáveis pelo pentacampeonato do Timão. Foram grandes defesas e muitos pontos garantidos que foram decisivos na reta final.

Lateral-direito: Fágner (Vasco) – Confesso que escolher os laterais da minha seleção foi muito, mas muito difícil. Não vi tanto assim o Figueirense jogar (uns cinco jogos no máximo) para chegar aqui e dar uma de gato mestre e dizer: Bruno na direita e Juninho na esquerda. Não dava para votar em jogador de um time que eu pouco vi. Na direita resolvi ficar com o jogador do Vasco pelas boas partidas que ele realizou no campeonato, pela absoluta falta de concorrência e pela minha falta de visão para observar melhor os jogos do Figueirense.

Dedé, o melhor zagueiro do Brasileiro/Divulgação

Dupla de zaga: Dedé (Vasco) e Antônio Carlos (Botafogo) – Dedé é uma unanimidade e a sua presença não se discute. O seu companheiro aqui poderia muito bem ter sido o Anderson Martins se ele não tivesse preferido ir para o chamado “mundo árabe”. Assim eu fiquei com um problema na zaga. Quem escalar? Nenhum zagueiro me inspirou muita confiança. Pensei no Chicão. Fez um bom início de campeonato pelo Corinthians, caiu de produção, foi afastado, barrado, mas voltou a tempo de erguer a taça. Ainda assim não era o ideal. Acabei jogando a camisa para o alto e quem pegou foi o Antônio Carlos, que não fez um mau campeonato e marcou alguns gols importantes pelo Botafogo.

Lateral-esquerdo: Cortês (Botafogo) – Pelos mesmos motivos listados no texto do lateral-direito, me faltaram opções. Acho que no cômputo geral Cortês fez um bom campeonato, embora tenha caído muito de produção na reta final junto com todo o time do Botafogo. Mas foi uma revelação do Brasileiro e vai pegar a camisa seis do meu scratch.

Dupla de volantes: Paulinho (Corinthians) e Rômulo (Vasco) – Volante é o que não falta nesse país. Volante que saiba jogar, mais ou menos. Mas os dois que entraram aqui na minha seleção fazem parte deste segundo time. Paulinho talvez tenha sido o grande nome do Corinthians campeão. É dessas unanimidades do campeonato. Rômulo também fez uma grande competição e na minha avaliação ganha a vaga que poderia muito bem também ser ocupada por Arouca (Santos), Ralf (Corinthians) ou Renato (Botafogo).

Felipe jogou muito/Divulgação

Dupla de meias: Felipe (Vasco) e Ronaldinho (Flamengo) – Esqueça o Ronaldinho que se arrastou na reta final. Lembre-se do craque que estava fazendo a diferença a favor do Flamengo e chegou a colocar o time rubro-negro na rota do título. A equipe desandou, é verdade, mas Ronaldinho com seus gols e seus passes precisos fez o Fla sonhar. Teve atuações de gala como naquele histórico 5 x 4 contra o Santos e merece um lugar neste seleção, principalmente numa posição em que não houve um único destaque em todo o campeonato. Ao seu lado, um maestro. Felipe jogou muito neste Brasileiro e merece estar na seleção por tudo o que fez ao Vasco, levando o time até o fim a disputar o título.

Ataque: Neymar (Santos) e Fred (Fluminense) – Qualquer um pode gritar. Borges (Santos) foi o artilheiro do campeonato sim, mas não vai entrar na minha seleção. Minha dupla tem a marca do craque do Santos, o melhor jogador do campeonato, e o artilheiro tricolor que se mostrou decisivo na reta final do Brasileiro e terminou apenas um gol atrás do atacante santista. Antes de Borges, Leandro Damião (Internacional) poderia ter entrado nesta festa, mas sua lesão na reta final o fez perder terreno para Fred e seus gols que chegaram a colocar o Flu na disputa do bicampeonato.

Fred, o vice-artilheiro do Brasileiro/Photocamera

Técnico: Ricardo Gomes e Cristóvão Borges – Tite fez um excelente trabalho no Corinthians, Jorginho foi a grande surpresa no Figueirense, mas a dupla do Vasco tirou leite de pedra. Basta rever alguns jogos do time para ver como Cristóvão mudava a escalação de acordo com o adversário e os jogadores se adaptavam e conseguiam surpreender os adversários. O time chegou na reta final bem treinado e jogando com alma, mérito da dupla que fez o Vasco renascer na temporada.

Concluindo – Então a seleção do Brasileiro ficou assim: Júlio César (Corinthians), Fágner (Vaco), Dedé (Vasco), Antônio Carlos (Botafogo) e Cortês (Botafogo); Paulinho (Corinthians), Rômulo (Vasco), Felipe (Vasco) e Ronaldinho (Flamengo); Neymar (Santos) e Fred (Fluminense). Técnico: Ricardo Gomes e Cristóvão Borges. Em relação ao time do ano passado, apenas o zagueiro Dedé está presente.

Uma nova musa e um belo filme

2011-11-24T23:57:00.001-02:00

O jovem Thomas Doret e Cécile de France

Não sou muito fã dos irmãos Dardenne. Nada contra a dupla de cineastas belgas. A culpa é minha mesmo. Sempre achei que tive uma incapacidade para entender seus filmes da mesma forma que tenho para compreender coisas como, sei lá, Física ou ver hora em relógio de ponteiro. O conhecimento deste último sempre esqueço segundos depois de aprender. No primeiro, bem, basta revisitar minhas provas na escola para entender que eu era um aluno medíocre na matéria.

Sobre os irmãos Dardenne vi dois filmes. Não gostara de ambos apesar dos elogios da crítica especializada. O mais recente foi “O silêncio de Lorna” (2008), quando me esforcei muito para não dormir no cinema. E olha que o filme ganhou o prêmio de melhor roteiro em Cannes.

Mas eu sou insistente e estava empolgado para ver “O garoto da bicicleta”. As credenciais dele eram boas: venceu o Grande Prêmio do Júri em Cannes neste ano e era estrelado por Cécile de France, a bela e competente atriz belga de 36 anos que eu já vira no início do ano em “Além da vida”, de Clint Eastwood. E não sai do cinema insatisfeito.

Na trama, Cécile é Samantha, uma cabelereira que vai cruzar na vida de Cyril (Thomas Doret), jovem que vive em um internato após ser abandonado pelo pai, e começará a cuidar dele. Problemático, Cyril não consegue lidar com a rejeição de Guy (Jeremie Renier), o pai que não quer ter a responsabilidade de cuidar do garoto, que se sente incomodado, mesmo desconfortável com a sua presença. Mesmo quando o menino demonstra todo o seu amor pelo pai, Guy age de forma fria e quer que o garoto suma da sua vida.

Cyril inicialmente não consegue acreditar na rejeição paterna. O persegue insistentemente para desespero dos assistentes sociais do internato. Ao mesmo tempo quer recuperar a sua bicicleta que ele acredita estar na casa do pai, mas que fora vendida.

Recupera-a num ato de bondade de Samantha, que a compra da criança para quem o Guy tinha vendido a bicicleta e a entrega a Cyril. Era o primeiro gesto de um amor gratuito pelo qual Samantha começará a nutrir pelo garoto.

Vislumbrando inicialmente em Samantha uma chance de reencontrar o pai e restabelecer uma relação, Cyril pede a cabelereira para cuidar dele como guardiã nos fins de semana. Sem muita explicação, ela aceita.

Aos poucos, Samantha vai nutrindo uma relação de amor pelo jovem. Por ele, fará sacrifícios financeiros e sentimentais que vão reforçar no garoto, que passará por tantas situações difíceis, um sentimento de companheirismo com Samantha. Ele precisará do amor dela para se reconstruir após tantas pancadas da vida, a maior delas esta rejeição inexplicável do pai. Tem medo nos seus olhos, está perdido, sem qualquer referência e um olhar que reflete uma falta de esperança na vida.

É Samantha quem vai lutar por ele, para que Cyril possa recomeçar e curar as feridas da alma. E depois de tantas turbulências, os dois vão construir uma relação de amor sincero.

Jean-Pierre e Luc Dardenne constroem um filme delicado sobre o amor gratuito de dois desconhecidos. Se Cyril precisava de Samantha, no fim percebemos que a própria Samantha também tinha a necessidade de ter na sua vida alguém como aquele garoto de 11 anos. E a bela atuação de Cécile é um elemento que nos deixa sair do cinema regozijados.

Recomeço

2011-11-20T22:26:00.001-02:00

A banda no palco do Circo/Marcelo Alves

Eu vi Liam Gallagher cantando com o Oasis em um Wembley lotado de ensandecidos, sei lá, vou chutar, 65 mil ingleses e dois brasileiros (eu e um amigo. Não tenho registro de outros). Eles cantavam todas as músicas e iam a loucura jogando copos de cerveja para o alto dando banhos entre si (eu tomei uns dois). Eu não escrevo isso para contar vantagem ou ser pedante. Até porque viajar para a Europa é uma realidade bem mais palpável hoje para a classe média brasileira e em qualquer país do mundo você vê de tudo, o melhor e o pior do indivíduo tupiniquim.

Eu digo isso para mostrar a sensação de estranheza que é ver aquele cara que dizia que cantava na banda mais importante da história desde os Beatles entrando no acanhado Circo Voador para cantar diante de um público infinitamente menor.

E isso não é uma crítica ao Circo Voador. Pelo contrário. Adoro quando tem show lá. Só é estranho ver um cara que ali pelos anos 90 era quase um dos donos do mundo num palco acanhado e diante de uma pequena plateia. Embora efusivamente apaixonada.

O que deve ter passado pela cabeça de Liam Gallagher ao se dirigir de carro do seu hotel para a casa de show? E quando entrou no camarim? E, em seguida, ao passar por um espaço pequeno, entrar por uma portinha para ser saudado pelo seu apaixonado público? Infelizmente são respostas que não tenho. Se tivesse sido malandro como foi uma amiga minha, poderia tê-lo esperado após o show para tentar fazer estas perguntas. Diante de um surpreendentemente simpático Liam, ela até conseguiu uma foto com o cantor.

Mas esta é, por enquanto, a nova realidade de Liam. Aquele show que eu vi em Wembley há dois anos foi um dos últimos do Oasis que após aquela turnê se separaria depois da enésima briga de Liam com o seu irmão Noel. O cantor pegou o que fazia parte do Oasis – os guitarristas Gem Archer e Andy Bell e o baterista Chris Sharrock – e fundou uma nova banda, o Beady Eye. Noel preferiu preparar um disco solo que já é mais elogiado do que o primeiro trabalho da banda do seu irmão, “Different Gear, Still Spending”. Natural. Noel sempre foi melhor compositor do que Liam.

O cartaz lembrando a goleada do City/Marcelo Alves

Mas é com seus defeitos e virtudes que o Beady Eye se apresenta no Circo Voador. Sim, este é o novo Liam Gallagher. Um Liam Gallagher que se apresenta surpreendentemente simpático diante da plateia. Não sei se é o clima do Circo ou se são as doses cavalares de bajulação dos seus fãs, que vestiam camisas do Manchester City, o time do coração de Liam, também acionista do clube, e exibiam cartazes que lembravam uma recente goleada de 6 a 1 sobre o rival Manchester United ou, bem humorados, perguntavam: “Who the fuck are Man United”.

“Vou responder, Man United sucks!”, mandou o cantor após a primeira canção da noite, “Four Letter World”. É o jeito simpático de ser de Liam, que mostrou estar se divertindo em toda a noite. Quando viu o cartaz referente aos 6 a 1 sobre o United já no fim do show, Liam apontou para o alto e fez um “V”. Estava em casa, quase se sentindo no City of Manchester Stadium.

O show do Beady Eye é irregular como o disco. Muitos ficaram contrariados na casa e eu ouvi muitas críticas. De palavras suaves ao bom e velho “que merda”. Não acho que tenha sido para tanto. É preciso entender que esta é uma nova banda de um cantor que avisara previamente que não tocaria uma única canção do Oasis. “Talvez na próxima turnê”, disse em entrevista ao Globo alguns dias antes do show, quando desfilou a sua marra dizendo que já tinha "ótimas" canções para um segundo disco do Beady Eye.

Com o Oasis fora da festa, sobrou a Liam tocar “Different Gear, Still Spending” na íntegra em 1h20min de show. E dai surgem canções que não são tão ruins assim como a própria “Four Letter World”, “The Roller”, uma das primeiras que eu ouvi e gosto, “Bring the light” ou “The beat goes on”. E outras que são dispensáveis e certamente não estariam num show em que Liam pudesse selecionar um repertório maior.

Se fosse qualquer outro artista, aliás, alguém diria que o cantor teria sido ousado ao optar não usar o recurso fácil de cantar músicas de sua banda anterior. No caso de Liam, poderia ser pura marra de um cara que vivia as turras com o irmão. Talvez tentando provar que poderia fazer um disco e um show excelente sem a ajuda do brother. São coisas que só a psicologia pode explicar.

Difícil saber. Só posso dizer que esse toque de ousadia (ou loucura?) de Liam resulta num show morno para aqueles que ainda não conhecem direito o som do Beady Eye. Embora para os fãs, aqueles com camisas do Manchester City e alguns até com corte de cabelo igual ao de Liam, tenha sido intenso. Eu confesso ter ficado surpreso com a quantidade de gente cantando as letras do Beady Eye como se fossem sucessos do Oasis. Para estes, foi um show espetacular.

No final, parece que todos no palco saíram satisfeitos e muitos na plateia também. O Beady Eye não é o Oasis. Nem nunca será. Mas é um recomeço para Liam Gallagher. Quem sabe em breve ele não estará tocando novamente em Wembley.

Set list do show: “Four letter world”, “Beatles and Stones”, “Millionaire”, “Two of a kind”, “For Anyone”, “Three Ring Circus”, “The Roller”, “In the bubble with a bullet”, “Bring the light”, “Standing on the edge of the noise”, “Kill for a dream”, “The beat goes on”, “Man of misery”, “The morning son”, “Wigwam”, “World outside my room”, “Sons of the stage”.

Abaixo, alguns momentos do espetáculo:

"Four Letter World"

"The Roller"

"The beat goes on"

"Millionaire"

"Bring the light"

"Sons of the stage"

Mais do que uma banda

2011-11-07T16:10:00.001-02:00

Eddie Vedder/ Site do Pearl Jam

Parece não existir algo que seja impossível para Eddie Vedder. Há seis anos, eu conversava com um amigo e nós chegávamos à conclusão de que nem o próprio Pearl Jam conseguiria superar uma apresentação tão perfeita quanto a que viramos na Apoteose naquele dezembro de 2005. Era a primeira vez da banda no Brasil para uma turnê que passou por diversas capitais e terminaria com pouco mais de 2h30m de um show espetacular que ficaria marcado na memória das 40 mil pessoas que estiveram no local.

“Sambódromo, eu lembro muito bem daqui”, disse o vocalista, se esforçando para falar português durante o show da noite de domingo no mesmo lugar seis anos depois. Lembrou e para recompensar os seus cerca de 35 mil fãs presentes, os anos de espera e todas as emoções que todos viveram naquela noite, Vedder tratou de se esmerar junto com o seus colegas de banda – Mike McCready (guitarra), Stone Gossard (guitarra), Jeff Ament (baixo) e Matt Cameron (bateria) – para tornar aquela noite ainda mais inesquecível.

E conseguiu. Em 2h40m e 30 músicas, o Pearl Jam repassou a sua carreira de nove discos de estúdio, pouco mais de uma centena de álbuns ao vivo e algumas compilações na apresentação que marca os 20 anos de carreira da banda comemorados com disco, documentário dirigido por Cameron Crowe (que ainda não estreou no cinema aqui, mas passou no Festival do Rio), e biografia. É o “Pearl Jam Twenty”.

Mike McCready e Jeff Ament / Site do Pearl Jam

Em uma carreira tão rica e como o show não costuma ter muito mais do que três horas, é claro que sempre vão faltar músicas. Eu gostaria de ter escutado “I am mine”, “World Wild Suicide”, “Porch” e “Animal”, mas tirar qual do set? Não dava para trocar nada. Só acrescentar. Vedder fez com que tudo fosse perfeito de “Unthought Known”, a canção que abriu os trabalhos, a “Yellow Ledbetter”, a que fechou o show com as luzes da Apoteose já acesas e aquela vontade de não ter que ir embora.

Aos 46 anos, perto de completar 47 daqui a um mês e meio, Vedder continua cantando com a alma, como eu gosto de dizer. Seu jeito emotivo de cantar, segurando com as mãos no microfone e com os olhos fechados reforçam a imagem messiânica que os fãs veem no cantor embora ele mesmo não leve isso muito a sério. O resultado são milhares de marmanjos com camisas pretas da banda ou blusas de flanela, um ícone da estética grunge, chorando copiosamente e/ou imitando o cantor ídolo. Enquanto isso, o vocalista olhava feliz para a plateia entre um gole e outro em uma de suas garrafas de vinho que no final do show foi dividida com os fãs do gargarejo. Só faltou alguém dizer que era o sangue de Vedder, o salvador.

Todos querem ser Eddie Vedder e o cantor retribui esse carinho dando tudo de si no palco. Ao seu lado, McCready é o responsável pela maior parte dos solos que fizeram a marca do Pearl Jam. Com frequência dialoga com Gossard levando o público ao delírio enquanto Cameron e Ament completam um quinteto que está entre os mais azeitados do rock.

Delírio é uma palavra que poderia ser frequentemente repetida ao longo da noite. Foram poucas as músicas que tiveram alguma recepção fria. Três, talvez quatro. Na maioria das vezes, muita emoção e letras na ponta da língua, por mais que isso possa parecer impossível diante das difíceis letras do cantor. “Jeremy” ganhou um coro até quando a banda já tinha deixado o palco para uma pausa. “Given to fly” e “Do the evolution” foram cantadas a plenos pulmões, assim como músicas do “Ten”, o disco que tem duas décadas celebradas neste ano. Além de “Jeremy”, foram tocadas “Even Flow”, “Alive”, “Black” e “Why Go”. Do mais recente álbum, “Backspacer” (2009), vieram, além de “Unthought Know”, as ótimas “The Fixer”, “Got Some” e “Just Breathe”, cantada por Vedder apenas no violão. Faltou apenas “Johnny Guitar” para ficar perfeito.

Entre a primeira e a 30ª canção, o Pearl Jam não deixou passar nada. Lembrou todas as fases da sua carreira e ainda fez uma surpresa. “É a primeira vez que cantamos essa música”, disse Vedder, antes de começar a tocar “Mother”, do Pink Floyd. Este foi um dos três covers da noite, que teve ainda “I believe in miracles”, dos Ramones, logo após “Come Back”, música que o cantor explicou ter sido feita em homenagem ao seu amigo Johnny Ramone (“Sinto falta dele todos os dias”), e “Keep on rocking in the free world”, o clássico de Neil Young que o Rio não viu em 2005. Esta e “State of love and trust”, foram aquisições sonhadas pelo público carioca, que finalmente pôde ver a banda tocar as duas músicas ao vivo.

Foi uma noite perfeita que já tinha começado muito bem com o X, banda punk de Los Angeles que Vedder trouxe para abrir os shows do Pearl Jam no Brasil. Noite perfeita e agora sim insuperável. Será?

Abaixo, o set list e alguns momentos inesquecíveis do show. Durante a semana vou colocando mais vídeos aqui enquanto for encontrando no YouTube.

Set list: “Unthought Known”, “Last Exit”, “Blood”, “Corduroy”, “Given to fly”, “Nothingman”, “Faithfull”, “Even Flow”, “Daughter”, “Habit”, “Immortality”, “The Fixer”, “Got Some”, “Elderly woman behind the counter in a small town”, “Why Go”, “Rearviewmirror”. Primeiro bis: “Just Breathe”, “Come back”, “I believe in miracles”, “State of love and trust”, “Off the Earth”, “Do the Evolution” e “Jeremy”. Segundo bis: “Mother”, “Betterman”, “Black”, “Alive”, “Rockin’In the free world”, “Indifference” e “Yellow Ledbetter”.

"Jeremy"

"Given to fly"

"Black"

"I believe in miracles"

O thriller de Almodóvar

2011-11-06T13:56:00.000-02:00

Elena Anaya como a misteriosa Vera

Pedro Almodóvar é responsável pelo que talvez seja o vilão mais cruel, traiçoeiro e frio que eu vi neste ano no cinema. O cirurgião plástico Robert Ledgard é a personificação da perversão no trabalho que marca o reencontro do diretor espanhol com o ator Antonio Banderas depois de 21 anos. Desde “Ata-me” (1990), Banderas, hoje com 51 anos, não era dirigido por Almodóvar. Nestas duas décadas, o ator colecionou alguns bons filmes – “Entrevista com vampiro” (1995), “A balada do pistoleiro” (1995) – e muitas bombas dispensáveis.

Banderas nunca foi necessariamente um ator fantástico, mas engana direitinho num filme azeitado. É o que acontece em “A pele que habito”. Na nova película de Almodóvar, ele é Ledgard, o tal vilão maquiavélico que eu descrevi acima capaz de traçar e executar um plano tão bizarro e perverso que faz o thriller de Almodóvar dar uma virada de embrulhar o estômago.

Ledgard é um bem sucedido cirurgião que faz experiências transgênicas para criar uma pele que seja resistente a picadas de mosquito e queimaduras. Por trás da obsessão do cirurgião está um dos seus traumas: a morte da mulher, que comete suicídio meses depois de ficar completamente queimada após um acidente de automóvel em que o carro em que ela está com o amante e irmão de Ledgard pega fogo.

Claro que muito do que ele faz não é considerado legal pela comunidade científica. Por isso usa a sua própria mansão para as suas experiências. Entre elas, está manter a misteriosa Vera (Elena Anaya) presa num dos quartos vestindo apenas um collant que cobre o seu corpo todo, cuja pele é, nas palavras do cirurgião, extremamente macia. Uma pele perfeita como a que ele sonhara.

Vera tem papel fundamental na trama de Almodóvar. Dentro do intrincado roteiro escrito pelo cineasta, ela é a personificação da esposa morta de Ledgard, mas quem assiste ao filme descobrirá que ela é muito mais do que uma personagem que atiça os desejos não apenas de Ledgard, mas do seu irmão.

Vera não é o único ponto fraco do cirurgião numa trama cercada de vingança e paixão de um homem frágil e à mercê das mulheres que o cercam. O trauma com a morte da mulher potencializa com o destino semelhante da filha Norma (Blanca Suárez), menina que está em tratamento de uma fobia social, mas acaba quase sendo estuprada numa festa por Vicente (Jan Cornet), jovem que apronta muito em Toledo, mas vai pagar caro por este último ato. Após acordar de um desmaio, Norma acha que foi estuprada pelo pai, tem que ser novamente internada, e acaba dando cabo da vida da mesma forma que viu a mãe fazer.

No thriller de Almodóvar, canções abrem portas traumáticas na mente, os personagens são psicologicamente perturbados e mesmo as mulheres fortes que são a marca de seus trabalhos revelam alguma fragilidade. Todos tem algum ponto fraco que os despedaça, uma carência que fragiliza.

“A pele que habito” é um thriller clássico, mas tem o toque do diretor espanhol nesta sua primeira incursão neste gênero. O bom humor que é uma das marcas dos seus filmes, assim como as cores fortes, são deixados um pouco de lado em nome de um forte clima de suspense. Mas os temas homossexuais e fortes sentimentos de desejo e paixão estão lá expostos em carne viva a cada passo de Ledgard, o vilão frio e calculista que terá o destino clássico em um filme tenso em que Almodóvar tem o mérito de abrir uma nova pasta nos arquivos de thriller da produção cinematográfica.

É impossível não sair incomodado de uma sessão de “A pele que habito”. Almodóvar usa o tema da cirurgia plástica para dissecar a alma e fazer refluir dela o monstro que habita o inconsciente humano. Ou ao menos aqueles que estão entre os mais perversos deles. E o desfecho de sua experiência é um trabalho que resulta num dos melhores filmes do diretor neste século e talvez um dos melhores de sua filmografia.

O Palhaço

2011-11-02T17:06:00.001-02:00

“Eu faço todo mundo rir, mas quem é que vai me fazer rir?”, questiona o palhaço Benjamin (Selton Mello) numa frase cortante que resume o seu sentimento de crise existencial, insatisfação e sensação de que não faz parte do mundo em que vive. Benjamin está cansado. É um adulto sem carteira de identidade, que não tem endereço fixo, um amor, nem um sentido para a vida. O circo do seu pai, Valdemar (Paulo José), toma todo o seu tempo, suga a sua vida, mas ele não está dando conta. Precisa parar. Parar nem que seja para voltar a um ponto inicial revigorado. Ou não. Buscar outra vida que o deixe mais feliz.

A jornada de Benjamin é o tema central do novo filme de Selton Mello como diretor, “O Palhaço”. Longe da melancolia do seu primeiro trabalho, o ótimo “Feliz Natal” (2008), a nova película de Selton, que também assina o roteiro com Marcelo Vindicato, parceiro do primeiro trabalho, é mais revestida de ternura e uma homenagem ao trabalho de circo e ao artista em geral do que o primeiro parágrafo deste texto pode sugerir.

Sim, “O Palhaço” tem drama. Mas também sabe ser divertido e engraçado. Mostra o valor de sentimentos como amor, amizade e companheirismo e emociona. Pacote completo para todas as idades e gêneros.

De volta a Benjamin. Herói numa trajetória de autoconhecimento, ele é o palhaço Pangaré, artista de circo que junto com o seu pai, o palhaço Puro Sangue, percorre pequenas cidades do interior do Brasil levando o riso às comunidades como a atração principal do circo Esperança. Um nome curioso e contraditório com o momento vivido inicialmente pelo personagem de Selton.

A cada cidade Benjamin tenta descobrir o nome do maluco local, da zona, e do prefeito e sua mulher, sempre cortejados no número principal de sua rotina de fazer rir. Longe do picadeiro, ele tem que administrar um circo que tem seus problemas e com funcionários com suas demandas como qualquer outro lugar pequeno e que vive em dificuldades financeiras se apresentando para plateias minguadas.

Benjamin acha que não está dando conta. Anda com uma maltratada certidão de nascimento, a única prova que ele existe legalmente. Quer tirar uma carteira de identidade para finalmente poder comprar um ventilador à prestação e mudar de ares. Está cansado de andar pelo interior numa máquina caindo aos pedaços e lidar com as corrupções dos tipos bizarros de cada local. Quer se estabilizar, encontrar um amor e dar início a uma nova fase na vida. Está infeliz.

É assim que ele toma a difícil decisão de abandonar o seu pai e a sua família do circo. Distante daquela realidade é que Benjamin vai perceber que aquela é que é a sua vida. Sente saudades da estrada e de fazer as pessoas rirem. E descobre que ser palhaço é que o torna especial e único.

“O Palhaço” é uma bonita homenagem de Selton ao trabalho do artista de circo e todos aqueles que lutam diariamente contra as dificuldades para viver da sua arte. É um filme terno e de muita sensibilidade do ator que vem se transformando num diretor capaz de contar ótimas histórias de uma forma simples e objetiva. Um belo trabalho.

Uma delicada história de amor

2011-10-24T14:42:00.000-02:00

Não tenho a cultura dos filmes antigos de Zhang Yimou. Infelizmente ainda não vi trabalhos como “Sorgo Vermelho” (1987), “Amor e sedução” (1990) ou “Lanternas Vermelhas” (1991). Aprendi a gostar do diretor chinês com três filmes que foram lançados neste século: “Herói” (2002), “O clã das adagas voadoras” (2004) e “A maldição da flor dourada” (2006).

Estes trabalhos mostram uma temática única falando sempre da China do tempo dos imperadores, disputas marciais envolvendo honra, coragem e glória, além de traição, amor e vingança. Eram filmes também que abusavam de cores vibrantes, instrumentos que remetiam a estados de espírito e situações-limite de seus personagens.

“A árvore do amor” não tem nada disso. Mas se eu pudesse traçar um paralelo entre o novo filme de Yimou e estes trabalhos anteriores do diretor é a delicadeza com que o chinês conta as suas histórias. O diretor sempre faz com que sua câmera capte uma expressão ou um cenário que diga muito sem precisar de uma única palavra.

Duas cenas ilustram muito bem o que estou querendo dizer. Em uma delas, Sun (Shawn Dou) está deitando no ombro de Jing (Dongvu Zhou). Atrás de uma carroça que ele improvisou de vestiário para ela para que pudesse vestir um maiô e nadar com ele no rio, ele tem uma expressão terna, mas seu rosto é marcado pelo cansaço de quem trabalha horas a fio e tem raros momentos para descansar. Ao seu lado, Jing o conforta enquanto os raios do por do sol os iluminam.

Minutos depois, Yimou nos presenteia com outra cena magnífica. Sentindo que veria Jing pela última vez na sua vida, ele pede à mãe da moça por um último ato antes de desaparecer: trocar o curativo nos pés queimados dela pelo trabalho na quadra da escola. O que vem a seguir é uma obra-prima. Num quarto pequeno que é praticamente a casa da família dela, Sun se ajoelha, coloca um dos pés da moça em cima da sua perna e começa a enfaixá-lo. No ar, apenas o som de uma marreta usada pela mãe trabalhando sentada em cima da cama. Enquanto segue lentamente o seu ritual, você sente a expressão de Sun mudar e o reflexo disso são as lágrimas escorrendo no seu rosto. Yimou então foca no rosto de Jing que também começa a chorar.

“A árvore do amor” é uma belíssima, tocante e emocionante história de amor baseada numa história real que aconteceu na China da Revolução Cultural de Mao Tsé Tung em meados da década de 60. Naquela época de repressão do governo chinês para neutralizar a oposição, jovens eram mandados para o interior para viver com camponeses e o ensino superior foi praticamente desativado, pois os intelectuais eram potenciais inimigos do governo local.

Foi nesse contexto que o geólogo Sun conheceu Jing, jovem que sonha em ser professora, mas é de uma família vigiada pela “revolução”, pois o pai é de direita e está preso na cadeia. Qualquer erro cometido por Jing pode acabar de vez com a vida de sua mãe e de seus dois pequenos irmãos.

Jing e Sun se conhecem numa viagem que ela faz ao campo. As horas de conversa se transformam numa admiração mútua e no fim de uma tarde fria, o geólogo não consegue mais esconder que está apaixonado por ela. Há uma barreira, no entanto: “Minha mãe não vai me deixar namorar antes dos 25 anos”, ela diz. “Eu espero”, ele responde. “E se ela continuar proibindo?”, ela questiona. “Eu espero a vida toda por você”, ele insiste.

As palavras de Sun são o alicerce que dá base ao amor que vai nascendo entre os dois. É o que os faz driblar as dificuldades e a repressão nos piores momentos para conseguir viver pequenos momentos de felicidade em um país marcado pela sisudez de um regime repressor e onde sorrir é quase uma afronta ao "grande líder". É também o que vai segurar a distância forçada que eles são obrigados a manter pelo bem dela.

Enquanto faz a sua crítica à Revolução de Mao, Yimou mostra um amor sem um único beijo e uma relação tão intensa que vai perdurar para sempre, mesmo após uma tragédia. A China começaria a mudar politicamente, algum progresso viria, e somente uma coisa jamais mudaria: o amor entre Jing e Sun. E no fim, ele acabaria cumprindo a sua promessa.

Sir Eric em ação

2011-10-12T02:23:00.002-03:00

Clapton fez um belo show na Arena/Reprodução

Eu tenho uma amiga que se tivesse a oportunidade de ter assistido ao show do Eric Clapton viraria para mim e diria: “Ele é um homem phyno" (fino, de classe, para os não íntimos ao neologismo). Gostaria de dizer que isso é propriedade de todos os cidadãos ingleses condecorados com o título de sir, mas não vou me arriscar. Neste diálogo que não aconteceu, no entanto, eu certamente concordaria com ela. Clapton, o guitarrista que teve o nome pichado nos muros ingleses com o hiperbólico apelido de Deus aliado ao seu nome, é um artista phyno.

E um artista phyno se impõe pela sua música. Clapton não chega no palco e diz “I love you Brazil”. Não ensaia palavras em português, não ergue bandeira nem faz qualquer tipo de manifestação brasileirinha. Ele é o que construiu em 48 anos de carreira. Ele é a sua música e os mestres que ele homenageia como Robert Johnson e Willie Dixon, aqueles que o influenciaram e o levaram a se tornar um mestre na arte de tocar guitarra e de compor clássicos.

Após duas semanas de muita papagaiada, muito “tira o pé do chão” e alguma música no circo do Rock in Rio, Clapton nos traz a arte pura. É o contraste mínimo no mundo de excessos do showbizz. Seu “Thank you” aliado a um leve sorriso é o mesmo de dez anos atrás, quando ele lotou uma Praça da Apoteose para fazer um show de despedida de suas turnês internacionais. Show marcado por sucessos, clássicos, e alguma coisa que Clapton gostava, mas que dividiu opiniões, pois “Reptile” (2001), o disco que ele então lançara e justificava a turnê não era dos mais elogiados.

Se o disco não foi agraciado por público e crítica, o show também não receberia os mesmos elogios. Para mim, no entanto, estar ali já era algo mágico. Afinal, se os muros de Londres estivessem certos, não é todo dia que você se encontra com Deus.

Dez anos se passaram e a promessa de Clapton obviamente não se cumpriu (Ainda bem). O guitarrista voltou com uma banda diferente daqueles tempos – Chris Stainton (piano), Tim Carmon (órgão), Michelle John e Sharon White (backing vocals), Steve Gadd (bateria) e Willie Weeks (baixo) –, para lançar um disco melhor do que o “Reptile", "Clapton" (2010), e fazer um show mais intimista, porém, arrebatador.

Aos 66 anos, Clapton trocou o agrado ao público para um show que ele faz para agradar a si próprio como numas férias prolongadas e espera, claro, que o público o acompanhe nessa jornada. Clássicos que fizeram a sua fama, obviamente, estão presentes. Leia-se as baladas “Wonderful Tonight” e “Ode to Love” e os rocks “Layla” e “Cocaine”. “Layla”, no entanto, ganha um arranjo diferente, menos “acústico MTV”, mas também no meio do caminho de sua versão original. O resultado é uma canção mais lenta, com a participação ativa das backing vocals por vezes fazendo a primeira voz, e em outras oportunidades acompanhando Clapton enquanto a bateria de Gadd ganha um trecho quase militar. E Clapton, sentado no banquinho, sola com a sua guitarra Fender Stratocaster azul de uma forma que leva o público ao delírio.

Além de seus clássicos, o guitarrista homenageia outros mestres. Os já citados Johnson e Dixon e até Bob Marley numa versão de “I shot the Sheriff” considerada por muita gente boa melhor do que a original. São 16 músicas do seu repertório de quase cinco décadas de rock and roll. Dezesseis joias para serem apreciadas pelo público sentado em cadeiras (o único ponto negativo), mas que não consegue ficar parado quando o mestre usa a sua guitarra e o seu violão.

Estas joias são estendidas até onde ele acha que elas devem ir. Há solos de teclado, solos de Clapton. Ele está se divertindo no palco, curtindo o momento com a guitarra, que é quase uma extensão dele mesmo. Às vezes a postura pode ser meio blasé, mas Clapton está experimentando e deixando a música o levar.

Eric Clapton é único, faz um show único e leva pouco mais de dez mil pessoas ao delírio. Foi um grande espetáculo no HSBC Arena. E nada mais precisa ser dito. Apenas apreciado nos vídeos abaixo. Uma degustação para phynos.

Set list – “Key to the Highway”, “Going down slow”, “Hoochie coochie man”, “I shot the Sheriff”, “Old Love”, Driftin’Blues”, “Nobody knows you when you’re down and out”, “Lay down Sally”, “When somebody thinks you’re wonderful”, “Layla”, “Badge”, “Wonderful Tonight”, “Before you accuse me”, “Little queen of spades”, “Cocaine” e “Crossroads”.

"Layla"

"Cocaine"

"Old Love"

"Hoochie Coochie Man"

E lá se foi o festival, bebê

2011-10-08T12:54:00.002-03:00

O vocalista do System of a Down

Quem acompanhou este blogueiro pelo Twitter e por aqui sabe o quanto eu fui extremamente crítico com o Rock in Rio. Afinal, o festival que se encerrou no domingo passado ficará para a história como o que teve as atrações com o pior nível em relação às outras três edições.

Se alguns shows foram para serem lamentados, o festival, porém, teve os seus pontos positivos. Entre elas a oferta de locais para comer muito maiores do que em 2001, por exemplo, e os brinquedos que podem parecer um tanto infantil na visão de alguns, mas ajudaram a distrair o povo que chegava lá na Cidade do Rock cedo e evitava a concentração da galera num determinado ponto.

Outros dois pontos altos foram a Rock Street, espaço inspirado em New Orleans que sempre contou com bons shows, e o Palco Sunset com suas misturas de artistas de diversos estilos. Alguns shows ali foram tão bons que para muitos deveriam estar no palco mundo. Caso da cantora Joss Stone e do Sepultura. Estes dois realmente mereciam um palco maior.

Com o fim dos sete dias de festival, é chegada a hora de fazer aquele balanço dos melhores e piores shows. É claro que não consegui ver todos eles. Estive in loco em três dias e procurei ver o maior número possível de apresentações pela internet nos outros dias.

Se você sentir falta nessa lista, portanto, de nomes como Red Hot Chilli Peppers, Rihanna, Shakira, Capital Inicial ou Snow Patrol, saiba que eles não estão nem na lista dos melhores nem na lista dos piores porque simplesmente foram shows que eu não vi. Das 35 apresentações no Palco Mundo, eu consegui assistir 25. Será a partir daí e de alguns shows no Palco Sunset que escrevo o meu top 5 do bem e do mal nas próximas linhas. Então, parafraseando a atriz Christiane Torloni, vamos às críticas, bebê.

Os melhores shows:

O Metallica fez o segundo melhor show

Quando terminou o primeiro fim de semana do Rock in Rio, parecia impossível tirar o título de melhor show do Rock in Rio do Metallica. A banda tinha feito uma apresentação espetacular na Cidade do Rock, tocando muitos dos seus clássicos e mostrando que os anos passam, mas James Hetfield (voz e guitarra), Lars Ulrich (bateria), Kirk Hammett (guitarra) e Robert Trujillo (baixo) continuam mandando muito bem ali em cima do palco. Só que no último dia tinha o aguardado show do System of a Down. Um sonho antigo finalmente realizado.

Resultado? Daron Malakian (guitarra e vocal), Serj Tankian (vocal), Shavo Odadjian (baixo) e John Dolmayan (bateria) fizeram um show inesquecível. A apresentação estava dentro da turnê de volta do grupo, que fez um show de duas horas calcado nas músicas dos cinco discos lançados entre 1998 e 2005. A banda americana-armênia-libanesa correspondeu à todas as expectativas dos fãs e brilhou no palco da Cidade do Rock. Foi daqueles espetáculos inesquecíveis. De deixar o cidadão horas, dias, inebriado.

Os mascarados do Slipknot se divertiram muito

Assim, a medalha de prata ficou com o Metallica. O bronze? Este foi para o Slipknot. Os americanos fizeram, digamos, o show mais pirotécnico do Rock in Rio com imagens impressionantes que vão ficar para sempre marcadas no festival como a bateria que quase virou de cabeça para baixo e o mosh duplo de um dos integrantes dos mascarados da banda. Ah, e ainda teve a música que enlouqueceu o público. Eles passaram a impressão também de que foram os caras que mais se divertiram no festival. Estavam totalmente à vontade no palco.

Completam a minha lista dos cinco melhores o Motörhead e o Sepultura, que fez um shomzaço infelizmente em um palco menor, o Sunset.

Os piores shows:

Faltaram bons shows, mas sobrou cada bomba neste Rock in Rio que só comprovou a ideia que foi o pior line up da história do festival. Partindo do pressuposto de que Claudia Leitte e Ivete Sangalo são hors-concours porque nem deveriam ter sido convidadas para a festa, vamos à minha lista.

O pior de todos os shows foi o do Glória. A banda de metal conseguiu ser uma das poucas atrações do palco mundo vaiada e ainda perdeu público para o Sepultura que tocou no mesmo horário no palco Sunset por conta de um atraso na programação.

Ali muito pertinho do Glória, o segundo lugar vai para a Ke$ha, Eu não precisei de mais do que cinco minutos para ver o quanto a cantora que tem um cifrão no nome é fraca. Ainda assim, aguentei mais um pouco, tempo suficiente para fazer com que ela entre no top 5 das bizarrices do festival carioca.

O Jamiroquai irritou

O bronze muito bem dado vai para a banda que veio para o Rock in Rio tocar uma única música, mas ninguém percebeu. Com todo o respeito aos fãs do Jamiroquai, mas a sensação que eu tive foi que a música dele é sempre a mesma. E pior do que isso, é chata. Muitos concordaram comigo, porque o que eu vi de gente sentada esperando mesmo é pelo Stevie Wonder enquanto Jay K ficavam com o seu cocar de índio andando de um lado para o outro no palco não foi pouca coisa.

O quarto pior show foi o do Evanescence. Gosto (ou gostava?) da Amy Lee como cantora. Quando eles tocaram aqui em 2007, porém, parte do encanto foi embora. Tudo bem, Amy Lee cantava muito bem, mas a banda, que já não era a mesma dos dois primeiros discos que a levaram ao sucesso, “Fallen” (2003) e “The Open Door” (2006), mostrava pouca coisa no palco. Parecia um grupo desentrosado fazendo escada para a Amy Lee. No Rock in Rio, no entanto, foi ainda pior. Amy Lee fez um show constrangedor. Até ela estava mal. Por isso o quarto lugar na lista do mal.

Fechando o top 5 do horror, não podia deixar de faltar o Guns N’Roses. É triste dizer isso, principalmente porque eu sou um fã de carteirinha da banda, mas Axl Rose pagou um dos maiores micos da sua carreira neste festival. Errou letras, não teve fôlego para cantar outras, e desafinou até no assobio de “Patience”! (Mais detalhes no post abaixo). Realmente foi uma apresentação de chorar que me fez desejar que Axl se aposente mais cedo ou tente cantar outra coisa que não rock. Quem sabe ele não emplaca uma parceria com João Gilberto ou Chico Buarque?

Ah, e vale uma menção honrosa aqui ao Maroon5. Vai fazer show ruim assim lá em Los Angeles.

As decepções:

Aqui não tem como fugir de dois caras que são considerados lendas, mas fizeram shows muito mornos no Rock in Rio. O primeiro é Elton John. Estrela do primeiro dia do festival, o inglês fez um show para lá de sonolento e ainda não cantou “Your Song”, música aguardadíssima pelo público e que estava no set list.

O segundo é Stevie Wonder. Não me incluo entre os que acharam o show do americano espetacular. Achei para lá de meia boca e ainda teve aquela apelação desnecessária dele cantar “Garota de Ipanema” e “Você Abusou”. Numa boa, se eu quisesse ouvir “Garota de Ipanema” pegava um DVD do Tom Jobim ou aquela famosa gravação do Tom Jobim com o Frank Sinatra.

Pelo fim do cover e de manifestações brasileirinhas:

Isso me leva, aliás, a um problema do festival. Acho que tirando o System of a Down quase todas as bandas fizeram algum cover. Para o próximo Rock in Rio espero mais originalidade e menos cópia de músicas alheias, mesmo que seja na roupagem de uma homenagem.

Também gostaria que as bandas e cantores estrangeiros se concentrassem na sua música. Esse negócio de levantar bandeira, vestir camisa da seleção brasileira, dizer palavras em português, cantar música em português ou escrever “Rio” com coraçãozinho é uma grande palhaçada. Duvido que quando eles chegam na França cantem Piaf, gritem “Viva la France” ou entoem versos da Marselhesa. A gente gosta destes caras exatamente por causa da música deles. Não queremos sambinha nem “Rio, eu te amo”. Por isso, tudo o respeito ao System of a Down, que não ensaiou nem um obrigado. Sua música falou por si para fazer o melhor show do festival. No final, só ergueram uma bandeira jogada no palco pelo público, mas em respeito ao fã ali do gargarejo. Assim, em 2013, menos papagaiada e mais música.

Os brasileiros:

O Skank fez um show animado

Não vi o Capital Inicial que sempre faz um show animado. Assim, o que para mim foi o destaque do Brasil (além do Sepultura, que é parte gringo), foi o Skank. Não gosto do Skank, não gosto de suas músicas, mas é preciso admitir que os caras fizeram um belo show. Melhor até do que o da atração principal no seu dia, o Coldplay e seu show sem graça. No palco Sunset, é preciso destacar o showzaço do Matanza com o BNegão. Inesquecível. Assim como o Angra, que ainda tocou junto com a fantástica cantora finlandesa Tarja Turunen.

E a Pitty, me perguntariam alguns? Pitty não entra aqui pela minha total incapacidade de avaliá-la com isenção, embora eu já tenha feito isso aqui em outros posts. Para mim, ela está sempre ótima e fim de papo. E não ouse discordar! Por isso, ela é hors-concours. Mas de qualquer maneira, o show dela foi muito bom e certamente estaria entre os cinco melhores entre os brasileiros.

Entre os brasileiros não gostei do Frejat e da Orquestra Sinfônica reunida com os ex-membros da Legião Urbana. O primeiro porque usou pouco o próprio repertório. E alguém que tem uma história tão rica na música nacional não precisava ser tão tímido. No caso do segundo, a intenção da homenagem foi boa, mas não deu certo. Quase ninguém foi bem interpretando as músicas da Legião Urbana. A galera se empolgou? Claro, eram as músicas de Renato Russo. Mas na análise fria dos fatos, não deu certo, apesar das boas intenções.

É isso. Que em 2013 o Medina escale um elenco mais bem qualificado para o seu festival. Esse ano, o Rock in Rio deixou um pouco a desejar, apesar de alguns bons shows.

Abaixo, os shows completos de System of a Down, Metallica, Slipknot e Motörhead:

As rosas murcharam

2011-10-07T21:49:00.002-03:00

Axl estava irreconhecível no palco

Sentado com um olhar atônito e vazio diante do céu que já começava a clarear na Cidade do Rock, um amigo fã do Guns N’Roses me sussurra uma pergunta buscando um bálsamo que contrarie o que seus olhos acabaram de presenciar: “Foi ruim?”. Minha resposta foi com a sutileza de um javali: “Foi uma merda”.

Eu demorei a escrever sobre o show do Guns N’Roses. Aliás, eu nem iria fazer um post específico sobre um show. Pretendia apenas falar sobre o Rock in Rio como um todo (o que virá no próximo texto). Mas eu demorei porque ainda tentava entender o que eu vira na madrugada de segunda-feira, durante o encerramento do festival. O que aconteceu com Axl Rose? Como pode um cara como ele errar o assobio de “Patience”? Não ter fôlego para cantar “You could be mine” ou “Paradise City”? Como pode a banda errar tudo em “November Rain”?

Resolvi voltar no tempo. Mais precisamente até abril do ano passado, onde assinei um post aqui no blog com o título “A ressureição de Axl Rose”. Nele eu falava sobre o show do Guns N’Roses que fora realizado dias depois de um adiamento por causa da queda de parte do palco em uma chuva torrencial no Rio de Janeiro.

Ao reler o texto, recordo passagens como frases que eu colhi naquela noite em que Axl, claro, se atrasou muito (o show só começou 1h30m). Ali eu lembrava a frase de um fã que resumiu a essência daquele Guns N’Roses que renascia com os guitarristas DJ Asbha, Ron Bumblefoot e Richard Fortus, o baixista Tommy Stinson, o baterista Frank Ferrer e o velho parceiro que sobrava do velho Guns ao lado de Axl, o tecladista Dizzy Reed. Um fã perto de mim dizia: “Ele está cantando como nos discos. Parece que estou ouvindo os discos do Guns”.

Em outros trechos eu lembrava que o enterro artístico de Axl estava muito longe de acontecer e que o cantor apresentara uma surpreendente forma física e vocal, embora continuasse gordo. E uma banda afinada. E lembrava da tragédia do Rock in Rio de 2001, quando Axl errou tudo e mais um pouco. Assim como no Rock in Rio de 2011. Será que o problema está no festival capitaneado por Roberto Medina?

Eu considerei aquele show do Guns um dos melhores do ano passado da mesma forma que o que eu vi na segunda-feira pode ser descrito como uma das coisas mais constrangedoras em 15 anos de shows e mais alguns ouvindo esse tal de rock and roll.

Axl estava devagar, começou mal com “Chinese Democracy”, não se acertou com “Welcome to the jungle”. Cometeu bobagens em “Nightrain” e esteve apático em praticamente todo o set list previamente anunciado com 39 músicas, mas que mal passou de 20.

Tudo bem que ele estivesse receoso de tomar um tombo no palco molhado pela chuva que caía e por isso não dava aqueles conhecidos piques ali em cima. Mas a chuva não podia tê-lo impedido de cantar de uma forma minimamente decente. Isso não tem desculpa.

Axl já tinha começado o dia mal após a história de que perdeu o voo. Já no Brasil, não passou o som com a banda. Grupo este que embarcou na mediocridade de Axl para se mostrar irreconhecível em relação ao show de 2010. Como convencer os meus amigos que não estiveram na Apoteose em abril do ano passado, que DJ Ashba é um bom guitarrista e não uma caricatura do Slash? Impossível. A apatia tomou conta de todos.

Não vi as apresentações do Guns no Rock in Rio de 1991, quando a banda estava no auge e com sua formação mais clássica com Slash (guitarra), Duff McKeagan (baixo), Matt Sorum (bateria) e Gilby Clark (guitarra). Só tenho na mente três shows, justamente estes três últimos. Dois ruins e um bom. O que me faz pensar que o que eu vi no ano passado, na realidade, foi mais um canto do cisne do que uma ressureição.

Aos 49 anos, Axl parece ter acabado cedo para a música. Se for para ser desse jeito, Axl, é melhor você ir para casa e deixar apenas o seu legado de pelo menos três álbuns inesquecíveis: “Appetite for destruction” (1987), “Use your Illusion I” e “Use your Illusion II” (1991). As pistolas parecem não ter mais munição. Enquanto isso, as rosas murcharam.

Abaixo, cenas de uma tragédia no Rock in Rio em cinco capítulos:

Dois sessentões no palco

2011-10-02T02:07:00.002-03:00

David Coverdale em ação

Diz a lenda que antes de morrer Kurt Cobain não via muito futuro para o tipo de música que fazia em dez anos porque neste período sua garganta já não seria mais a mesma e ele não poderia soltar seus berros guturais que eram uma das marcas do Nirvana. O palco do Citibank Hall viu recentemente dois exemplos de como o tempo pode ou não ser cruel com um vocalista de hard rock e heavy metal quando a idade começa a chegar.

Seis anos depois da última turnê que fizeram juntos e passou pelo Brasil no mesmo local no Rio de Janeiro, Whitesnake e Judas Priest voltaram a se encontrar em terras cariocas para dois shows em que o tempo foi o protagonista em tudo que ele tem de bom e de ruim, mas que também foi marcado por momentos de muita emoção em 3h35m de muito rock and roll (1h20 de Whitesnake e 2h15m de Judas Priest).

Em seis anos, deu para notar o quanto o tempo foi pesado para David Coverdale. Se ele ainda está longe dos micos que Ian Gillan paga a cada turnê do Deep Purple, é possível notar que o velho David, 60 anos, hoje já joga mais para a galera do que naquela época. Muito mais do que há três anos, quando a sua banda esteve aqui em turnê do disco “Good to be bad”.

Coverdale já não conserva mais a voz de outrora e está visivelmente acabado, mas tem carisma e uma penca de canções que levantam a galera. E é isso que emociona e faz o povo vibrar com ele, os guitarristas Doug Aldrich e Reb Beach, o baterista Brian Tichy, o baixista Michael Devin e o tecladista Brian Ruedy.

Para o Whitesnake, a receita “Espero morrer antes de ficar velho” cantada por Roger Daltrey em “My Generation” como prólogo do show é uma alusão dos velhos e felizes tempos que começa com “Best Years”: “Você veio como um sol na noite/Tirou-me das trevas para a luz/Agora esses são os melhores anos/Verdadeiramente os melhores anos da minha vida”.

Para retomar os tais melhores anos, o Whitesnake exibe três canções do novo disco. Boas músicas com a marca do Whitesnake: “Steal your heart away”, “Love will set you free”, com refrão grudento para pegar e cantar junto, e “Forevermore”, baladinha estilo Coverdale para cantar com a mão no coração e que o cantor diz que foi feita para homenagear os fãs que apoiam a Cobra Branca desde a sua fundação em 1978.

Mas é nos clássicos de outrora, nas eternas músicas com “love” no título que o Whitesnake ganha a galera. “Give me all your love” esquenta para a explosão da sequência com “Love ain’t no stranger” e “Is this love”.

Dois solos de guitarra e de bateria (este um show a parte de Brian Tichy jogando suas baquetas para o alto) depois, que revelam pausas estratégicas para Coverdale respirar, e a banda ataca de “Here I Go Again”. Com “Still of the night”, Coverdale acaba com o que lhe restava na garganta. O fim apoteótico com “Burn” é com o refrão levado pelo guitarrista Reb Beach e o público cantando “Buuuuuurnnnn”.

O Judas Priest mandou bem

O tempo foi mais generoso com Rob Halford, 60 anos. O cantor do Judas Priest mostrou que não perdeu muito da forma apresentada em 2005 e fez uma apresentação de clássicos da banda que é uma das mais importantes do heavy metal.

Inicialmente a turnê “Epitaph” era para marcar a despedida do Judas Priest. Depois virou a despedida da banda de grandes turnês e, por fim, um tchauzinho com promessa de novo disco em breve e, quem sabe, mais alguns shows. O que explica esse recuo estratégico do Judas, dizem, é a entrada do novo guitarrista Richie Faulkner. O músico de 31 anos (portanto o mais novo do quinteto) entrou na banda porque K.K. Downing pediu o boné antes do início da turnê e deu novo gás ao grupo.

Faulkner está à vontade no Judas. Entrou como se fosse membro desde sempre e deu novo gás ao time. É dele muitos dos bons momentos do show marcados por clássicos da banda.

Rob Halford canta tudo o que os fãs querem ouvir e segue a cartilha Judas Priest. Ou seja, entra no palco com aquela roupa de couro preta pesada, andando como um paquiderme que carrega o peso da história do metal nas costas. No bis, não falta o número da moto Harley-Davidson no palco.

Perto de David Coverdale, a voz de Halford ainda dá para o gasto e ele manda bem mesmo nas músicas do Judas que o exigem um pouco mais. Mas em “Break the law” deixa tudo a cargo da galera, apenas regendo do palco.

Aliás, a parte final do show é a que concentra as melhores músicas do Judas. Tem “Painkiller”, “Hellbent”, “Live after midnight”, que fecha os trabalhos, “Blood red skies” e “Sentinel”. Petardos que valem o ingresso de uma noite emocionante protagonizada por dois sessentões do rock.

Set list do Whitesnake: Best Years, Give me all your love, Love ain’t no stranger, Is this love, Steal your heart away, Forevermore, Love will set you free, Here I go again, Still of the night, Soldier of fortune, Burn/Stormbringer.

Set list do Judas Priest: Rapid Fire, Metal Gods, Heading fot the highway, Judas Rising, Starbreaker, Victim, Never Satisfied, Diamonds and rust, Prophecy, Nightcrawler, Turbolover, Beyond the realms, Sentinel, Blood Red Skies, Green Manalish, Breaking the law, Painkiler, Hellion/Eletric Eye, Hellbent, Another Thing, Living after midnight.

Abaixo, alguns bons momentos dos dois shows:

Capitão Piada

2011-09-04T21:26:00.000-03:00

Evans estraga o Capitão América

Há alguns anos o signatário deste blog vem acompanhando com ansiedade quase juvenil os filmes baseados em quadrinhos da Marvel com suas conexões que vão desembocar no ambicioso projeto do primeiro filme dos Vingadores. Quase todos eles variavam entre excelentes películas e razoáveis, mas nenhuma delas até aqui tinha sido patética. Pois bem. Na hora de tirar o 10 e deixar o fã dos quadrinhos com água na boca pela chegada dos Vingadores em 2012, a Marvel faz a patetice chamada “Capitão América – O Primeiro Vingador”.

É difícil saber o que é pior no filme de Joe Johnston. Diretor conhecido pelos seus trabalhos em “Rocketeer” (1991), Jumanji (1995), “Jurassic Park III” (2001) e “O Lobisomen (2010), ou seja, nada de relevante, o próprio Johnston é um dos responsáveis por tudo o que dá errado no filme.

Junte isso ao roteiro mequetrefe escrito por Christopher Markus e Stephen McFeeley, que passa a impressão de ser uma mera colagem de alguns quadrinhos do herói em 2h e temos um desastre.

O que transforma o desastre em tragédia? O elenco como um todo seria uma boa resposta, mas vamos nos concentrar no protagonista. O que faz Chris Evans num filme de super-herói? Ele pode, para começo de conversa, ser considerado no mínimo pé frio. Dos filmes sobre quadrinhos que considero ruins, Evans participa de três. Para quem não lembra, o ator interpreta o Tocha Humana nos dois e ridículos trabalhos do Quarteto Fantástico lançados em 2005 e 2007 e completamente dispensáveis. Agora é o protagonista deste trabalho do Capitão América que quase me faz sentir saudades do filme de 1990. E olha que aquele lá não era grande coisa. E pensar que Johnston praticamente implorou para Evans vestir o uniforme do Sentinela da Liberdade.

“Capitão América – O Primeiro Vingador” era para ser o último estágio antes dos Vingadores. Era para exibir a origem do jovem franzino Steve Rogers, que sonha em se alistar no exército para derrotar os nazistas na Segunda Guerra Mundial e acaba sendo o único experimento acertado do programa do governo americano para a formação de supersoldados.

Hugo Weaving e seu circense Caveira

Por representar esse início, entramos em contato com personagens conhecidos da história do herói como o eterno parceiro Bucky Burnes (Sebastian Stan) – e não acredite que ele morreu como o filme supostamente mostra –, Peggy Carter (Hayley Atwell) e o arquiinimigo, o Caveira Vermelha (Hugo Weaving, numa atuação, para ser educado, lamentável). Em torno deles, orbitará Rogers, que para defender os Estados Unidos com lealdade, justiça e aquele blablablá cívico aceitará passar por todas as provações possíveis.

É verdade que um filme sobre o Capitão América poderia parecer datado. Esse furor patriótico não convence mais muita gente (ainda bem), mas Johnson e a dupla formada por Markus e McFeeley poderiam ter criado um filme com menos cheiro de naftalina. Sem contar que eles têm zero de talento para a comédia (para não falar da falta de timing de Evans). Os diálogos escritos para serem engraçadinhos são na verdade constrangedores.

Paralelo ao enredo da origem do Capitão América, o filme conta a história de parte da organização americana na Segunda Guerra, inserindo aí uma batalha contra uma organização criminosa alemã chamada Hidra, liderada justamente pelo Caveira Vermelha, ele também um supersoldado criado na Alemanha, mas num experimento que deu errado e o fez ficar com aquela cara de caveira que conhecemos.

Mas no filme a Hidra parece mais uma organização chiliquenta com desejos megalomaníacos de domínio mundial no melhor estilo Dr. Evil, o vilão-trapalhão dos filmes do Austin Powers. O Caveira tem até no doutor Arnin Zola (Toby Jones) uma espécie de mini-mim.

Enquanto isso, Evans segue salvando os fracos e oprimidos e de máquina de propaganda começa a se transformar em máquina de guerra, com direito a sair atirando por ai, o que sinceramente não me lembro de ter visto o Capitão América fazer nos quadrinhos. Sua única arma sempre foi a superforça e o escudo. Mas em meio a tantos erros, esse é o menor dos problemas.

Mas de tudo o que vimos em “Capitão América”, o que sobra? Duas coisas. A primeira é a presença interessante de Howard Stark (Dominic Cooper), que vem a ser o pai de Tony Stark (Robert Downey Jr), o Homem de Ferro, mostrando que ele tinha a quem puxar. Tem até uma cena parecida com a que vemos em “Homem de Ferro 2” (2010), quando ele apresenta uma nova invenção num evento público.

A segunda é a cena extra no final do filme, que na realidade é um trailer do filme dos Vingadores quando pela primeira vez vemos todos os heróis juntos. É empolgante. Só espero que Evans não consiga estragar mais esse filme baseado em quadrinhos. Se bem que para cada mancada do ator, sempre existirá neste caso um Robert Downey Jr. para brilhar em cena. E ainda tem Scarlett Johansson como a Viúva Negra, Jeremy Renner como o Gavião Arqueiro, Mark Ruffalo como Bruce Banner, o Incrível Hulk. Um elenco que deve garantir a qualidade do filme. Espero.

Só um macaco salva

2011-08-29T21:56:00.001-03:00

O macaco de olhos verdes que gosta de cookies

Macacos evoluídos têm olhos verdes. Macacos evoluídos gostam de cookies (e quem não gosta?). Estas foram duas conclusões sacanas que tirei ao assistir à “Planeta dos Macacos: a origem”, a enésima versão da história que nunca será superada por aquela protagonizada por um tal de Charlton Heston em 1968, que verdadeiramente era impactante. Para começo de conversa porque não tinha um “a origem” antes dele. Entendíamos o que tinha acontecido no final do filme como uma daquelas revelações bombásticas.

James Franco e Freida Pinto também formam o casal mais insosso do ano no cinema. Esta é outra conclusão, porém ácida, que tiro do filme. Eu acho que um casal de tartarugas de um documentário da Discovery Channel filmado na Nova Zelândia mostraria mais intimidade, química e talento diante de uma câmera do que o indicado ao Oscar deste ano por “127 horas” e a estrela do mediano “Quem quer ser um milionário?” (2008).

Nunca gostei de Franco. Acho-o fraco desde que o conheci nos filmes do Homem-Aranha no papel de Harry Osbourne, vulgo Duende Verde. Como apresentador do Oscar, ele foi desastroso. E ele ainda não tem a beleza de Anne Hathaway, de quem perdôo tudo só por causa daqueles olhos e daquele sorriso irresistíveis. Também acho Freida fraquíssima. E ela só comprova a minha avaliação com sua atuação constrangedora em “Planeta dos Macacos”.

Com um casal como Franco e Freida, o que sobra no filme de Rupert Wyatt? Em primeiro lugar, a boa atuação de John Litgow, que faz Charles Rodman, o pai de Franco que sofre do mal de Alzheimer. Ele ilumina o filme, mas não é suficiente para pagar o ingresso.

O que vale a pena mesmo é um macaco. E quando um macaco é a estrela do filme, a coisa não pode dar certo. Pelo menos não para mim que não gosto muito de filmes com bichinhos em geral. O macaco em questão é Ceasar, criado com computação gráfica a partir da atuação de Andy Serkis, um ator do qual não conhecemos o rosto, mas aprendemos a gostar. Quem não se lembra do “my preeeeeciousssss” Golum da trilogia do Senhor dos Anéis? Por trás do monstrinho estava Serkis atuando com uma roupa especial e um cenário verde no fundo.

Agora ele é o macaco que vai liderar a pequena revolução contra a opressão humana. Tudo começa com a tentativa de um médico, Will Rodman (James Franco) de tentar encontrar uma cura para o Alzheimer e, consequentemente, curar o seu pai. Apertando um fast foward na fita, tudo dá errado, o remédio que ele desenvolve não encontra a cura, mas faz os macacos desenvolverem uma inteligência acima do normal. E o primeiro filho desta leva de macacos evoluídos é Ceasar, a quem ele cria como filho ou mascote em casa.

Ceasar cresce e começa a desenvolver rapidamente o seu QI, mas o instinto animal sempre esteve presente. É o que o leva a ser confiscado pelo governo após atacar um vizinho que agredia o pai doente de Will. A partir daí ele vai entender que a vida não é fácil para ninguém, mesmo para um macaco evoluído acostumado a comer cookies, e vai iniciar um levante revolucionário depois de dar um pouquinho da droga do Will que deixa todos os macacos evoluídos e com os olhos em tom verde-ariano.

Várias coisas são impressionantes na atuação de Serkis. Ele faz com que a gente tenha medo da evolução de um macaco. Pense na imagem de Ceasar numa postura semelhante ao “O Pensador”, de Rodin, pense nele falando para uma multidão de macacos como um Cristo no alto da montanha e se assuste quando você vê aquele macaco proferindo a sua primeira palavra. Um “não” fruto da agonia, repressão e revolta. É emblemático que “não” seja a primeira palavra da nova civilização que vai tomar primeiro a ponte Golden Gate na melhor cena do filme e posteriormente o mundo. Mas isso é papo para outro filme.

Aqui estes são pontos positivos no filme de Wyatt que tem como mérito ter ainda um roteiro simples escrito por Rick Jaffa e Amanda Silver. O primeiro não tem trabalhos de grande destaque. A segunda escreveu “A mão que balança o berço” (1992). Você entende a história numa boa. O problema é que, em geral, os atores são fracos e deixam o caminho aberto para um macaco brilhar. E Serkis/Ceasar cumpre a sua missão perfeitamente.

Por ser uma tentativa de explicar os acontecimentos do filme de 68 (esqueça a bobagem feita por Tim Burton em 2001), o filme até faz umas ligações interessantes. Em uma cena, é exibida uma imagem de TV mostrando os primeiros astronautas em uma missão tripulada para Marte. Era do espaço que o astronauta Charlton Heston voltava quando se deparou com uma Terra desértica e tomada por macacos evoluídos (mas sem olhos verdes) no “Planeta...” original. Lá houve uma hecatombe nuclear. Aqui, o início do ataque de um vírus criado por Will que deveria curar o Alzheimer, mas faz é muito mal aos humanos.

E com isso “Planeta dos Macacos: a origem” se torna o primeiro filme que vi na minha vida que promete mais por sua continuação do que pelo que expõe em duas horas de cinema. O próximo tem tudo para ser mais interessante se mostrar uns anos a frente na destruição humana e o domínio dos “macacos arianos” na Terra. O atual, embora com alguns bons momentos, se mostrou muito mais vezes enfadonho. E se não fosse o Ceaser teria sido muito pior. Mas sempre é possível confiar em quem gosta de cookies.

Mergulho psiquiátrico de Von Trier

2011-08-24T23:06:00.001-03:00

Kirsten Dunst nada feliz com o casamento

O dinamarquês Lars Von Trier gosta de uma polêmica. Dois anos depois de provocar vaias e aplausos com o seu “Anticristo” em Cannes, ele voltou ao palco do tradicional festival de cinema francês para virar persona non grata após suas declarações controversas de que entendia Hitler. A piada de mau gosto ofuscou o seu “Melancolia”, bom filme que então fora exibido no festival, mas não impediu a atriz Kirsten Dunst de deixar a premiação com a Palma de melhor atriz.

“Anticristo” e “Melancolia” guardam algumas semelhanças. Primeiro as óbvias: a presença da atriz Charlotte Gainsbourg e uma abertura com uma composição clássica e imagens em câmera lenta. Lá o escolhido era Händel, aqui Von Trier atacou de “Tristão e Isolda”, de Richard Wagner (ouça no vídeo no fim do post). Logo Wagner, o nazista Wagner, e o diretor ainda me elogia Hitler. Queria brincar com fogo.

Uma terceira semelhança é que suas histórias não deixam de ser um certo “drama psiquiátrico”. Se em “Anticristo” Charlotte vive uma mãe em luto eterno e numa dor profunda pela culpa da morte do filho e acaba mergulhando num estado de loucura enquanto o marido psicólogo vivido por Willen Defoe tentava buscar formas de curá-la, em “Melancolia” Kirsten Dunst é a protagonista que navega entre um estado melancólico e a profunda depressão a partir da noite do seu casamento.

Dividido em duas partes, “Justine” e “Claire”, nomes das personagens de Kirsten e Charlotte, “Melancolia” começa com o casamento de Justine, uma noite que teria tudo para ser de muita felicidade numa festa organizada por sua irmã, Claire, com o dinheiro do marido ricaço John (Kiefer Sutherland, cuja imagem não consigo dissociar do Jack Bauer. Sempre acho que ele vai puxar uma arma, torturar alguém em busca de informação ou dizer um dos seus bordões do tipo “Do it, now!!”).

No início Justine parece feliz com Michael (Alexander Skarsgard) e o casal tira de letra e com bom humor um imprevisto com a limusine que não consegue passar por uma rua estreita. Mas é um filme de Von Trier. Não poderíamos esperar que a noite fosse feliz. Aos poucos Justine mostra que sua felicidade é aparente, é para o mundo exterior e o casamento e a vida feliz é algo enfadonho. Justine sofre de depressão. Por isso entendemos a preocupação extrema de Claire com a irmã. A mesma ainda tem que se preocupar com a mala da mãe, Gaby (Charlotte Rampling), mulher que não acredita no casamento e na tal felicidade a dois e faz questão de deixar isso claro no meio da festa. E Rampling está maravilhosa soltando o seu veneno nas poucas cenas que participa.

A verdade é que Justine já não consegue mais disfarçar que o casamento para ela não faz mais qualquer sentido assim como a sua própria vida. Ela tenta manter a capa de felicidade para justificar a festa, mas nada daquilo tem importância e ela mergulha numa profunda depressão após jogar tudo para o alto.

Paralelo ao caso de Justine, “Melancolia” conta a história de um planeta de mesmo nome do título da película que estaria em rota de colisão com a Terra. A possibilidade da morte, que John garante que não acontecerá, paralisa e deixa transtornada Claire, pois ela não consegue entender que seu filho pequeno não terá um futuro por conta dos caprichos da natureza.

Lendo informações sobre o filme, descubro que Trier resolveu filmar essa história após uma sessão de terapia quando ele se tratava de depressão. Na ocasião, o terapeuta lhe informou que uma pessoa depressiva tende a reagir mais calmamente do que as demais diante de uma situação de grande pressão porque ela já tem a expectativa de que coisas ruins vão acontecer.

Kirsten Dunst nua diante de Melancolia

O diretor pegou esse fiapo de informação para fazer o seu muito particular filme-catástrofe. Diante da iminência de o planeta ser atingido pelo Melancolia, Justine e Claire mudam completamente de lado. Justine, que mal conseguia tomar banho sozinha se acalma e até se entrega ao destino inevitável numa bela cena em que Kirsten Dunst aparece nua ao “luar da melancolia” (não podia deixar de destacar isso e postar a foto ai de cima). O fim do planeta representa para ela o fim da dor, o fim de uma vida sem sentido e finalmente a paz que ela nunca teve.

Para Claire, saber que a morte lhe baterá a porta em uma semana é desesperador. Ela “recebe o diagnóstico” de que tem uma semana de vida e não consegue aceitar. Pensa no futuro que o filho não terá e em tudo o que não realizou. As palavras pessimistas de Justine obviamente não a reconfortam e ela passa toda a segunda parte buscando um fiapo de esperança que a mantenha sã. No final, ambas acabarão aceitando o seu inevitável destino.

“Melancolia” é um bom filme, mas me deixou com uma pontinha de decepção por ser exatamente o que se propõe a ser. Esperava algo mais desafiador como “Anticristo” e outros trabalhos anteriores de Von Trier que o forçam a ter mais imaginação.

Mas é impossível assistir ao filme sem celebrar a ótima atuação de Kirsten Dunst. A atriz de 29 anos que até então era conhecida por interpretar a Mary Jane, a namorada de Peter Parker na trilogia do “Homem-Aranha” (entre 2002 e 2007), e a rainha Maria Antonieta no dispensável filme de Sofia Coppola de 2006, tem aqui o seu primeiro grande papel e encara muito bem o desafio. Kirsten é um dos pontos altos do filme e sua atuação é daquelas que valem o ingresso. Ela tem aquele olhar melancólico, derrotado, devastado e depois passa perfeitamente sua serenidade pós-depressiva.

É uma atuação irretocável. Quem vê “Melancolia” entende os motivos que a levaram a ser premiada em Cannes e Kirsten acaba sendo o ponto alto do filme mais óbvio de Von Trier.

A reflexão existencialista de Malick

2011-08-21T20:18:00.001-03:00

A família O'Brien

De uma cidadezinha do Texas, uma família é o ponto de partida para as reflexões de um diretor sobre a origem da vida, a formação da civilização e tudo o que ela gera de mitos e concepções religiosas. Ela é o microcosmo que representa a natureza e a graça divina na qual o homem se equilibra e contesta suas próprias convicções se jogando numa realidade niilista e devastadora que marca profundamente o ser humano e o faz à poeira voltar. Reflexão existencial, contestação religiosa, muitos caminhos tomam o diretor Terrence Malick na sua obra que usa como mote o conceito de árvore da vida, que aparece na ciência, na religião, na filosofia e na mitologia, entre tantas outras áreas.

“A árvore da vida” é a obra-prima e minha reconciliação com o diretor sobre o qual cuspi abelhas africanas quando me vi diante de “Além da linha vermelha” (1998). Se o filme que usa a batalha do Monte Austin, durante a Segunda Guerra Mundial, para refletir sobre a moral humana e a necessidade da guerra era uma suprema chatice de curar qualquer um que sofra de insônia, apesar de suas sete indicações ao Oscar, a película que faturou a Palma de Ouro de Cannes neste ano me paralisou diante da tela e me conquistou desde os seus primeiros minutos com a câmera de Malick escolhendo planos incomuns com ângulos num campo de girassóis, no movimento do mar ou na explosão de um vulcão, foco em detalhes que vão de uma expressão a um galho de árvore e o brilho do sol sempre a iluminar um determinado ponto que será focado dentro da abordagem a que o diretor se propõe.

Sim, o filme é absolutamente hermético. Sim, ele é de difícil entendimento e um desafio a quem está acostumado com o padrão diálogos/cenas de ação/diálogos/cenas de sexo e por aí vai. Não tem nada disso em “A árvore da vida”. Em suas quase 2h20m, muito do tempo é gasto em reflexões, pensamentos “jogados em voz alta” ou simplesmente imagens que talvez não façam sentido num primeiro momento, mas que casam perfeitamente (acredite!) com o que o diretor se propõe a fazer. Há um longo período só de abstrações na tela que parecem testar o espectador e saber até onde ele pode ir na viagem de Malick da origem do universo até os anos 50 do século passado no Texas.

O filme começa com uma citação do livro de Jó, que diz: “Onde você estava quando eu fundava a Terra... enquanto as estrelas da manhã cantaram juntas e todos os filhos de deus rejubilavam?” Uma imagem disforme é a deixa para sermos introduzidos aos O’Brien, vividos por Brad Pitt e Jessica Chastain, ambos excelentes passando a infelicidade e a frustração de uma vida muito longe daquela que eles sonhavam, mas aturam numa casinha tipicamente americana de um subúrbio tipicamente americano.

O casal tem três filhos criados com disciplina militar pelo pai, um ex-integrante da Marinha, e amor pela mãe, dona de casa. Jessica olha para o céu, observa as folhas das árvores, o cenário bucólico e pensa que a vida é feita de natureza e de graça e que é preciso viver entre uma e outra para atingir a felicidade. Uma felicidade que ela desde sempre aparenta não ter.

A natureza para Malick é tudo aquilo que existe de belo, mas ao mesmo tempo agressivo. É paixão, mas é fúria, é sublime, mas é devastador. É uma dualidade extrema que na sua versão humana é representada por Pitt, um pai que ama os seus filhos, mas não deixa de, ao seu modo, prepará-los para uma vida dura e cruel, pois a sua visão de mundo é pessimista. Pitt é um ser humano frustrado. Sonhava em ser um músico famoso, mas só lhe resta um piano sem plateia. Tem facilidade em criar coisas. Detém 27 patentes, mas seus inventos são rejeitados mundo afora de tão inúteis como inútil é ele para a fábrica que fechará. Seu destino o envergonha e atinge o seu orgulho e sua moral dentro da família.

Jessica é a encarnação da graça divina. É amor acima de tudo e até dela mesma. Sua existência é melancólica, seus prazeres se resumem a sentir a grama do jardim tocar os seus pés e a água a banhá-la limpando mais do que o corpo, mas a sua alma num dos poucos momentos em que ela parece sentir paz. Sua dor é eterna em um casamento infeliz, mas ela nunca deixa faltar aos filhos o beijo e o carinho para que eles tenham o exemplo de que só o amor constrói uma vida sólida.

Cinquenta anos se passam e nos deparamos com Jack (Sean Penn), o filho mais velho, o problemático, o que desafia o pai sendo fruto desse conflito entre os progenitores. Jack tem um olhar declinante, vazio e busca um sentido para a vida em meio a turbulência dos mercados financeiros e aos prédios com seus vidros espelhados que nada refletem. A morte de um dos irmãos quando ele tinha 19 anos (provavelmente em alguma guerra), é uma marca profunda. Havia uma união inquebrantável entre eles. E no seu interior, ele vê o pai e a mãe sempre em conflito como as forças da natureza por vezes entram em choque.

Sean Penn como o Jack adulto e atormentado

A água que escorre da pia não é com a mesma naturalidade com que a que a família O’Brien se banhava no quintal em brincadeiras que ilustravam os raros momentos de felicidade em meio a tensão diária. A casa simples foi transformada num luxuoso, insipiente e vazio apartamento em que ele sequer troca olhares com a mulher que estava na sua cama. O mundo é diferente, embora a ganância seja a mesma. Lá atrás, era o que fazia o pai invejar os donos de grandes propriedades. Hoje é o que derruba os mercados. A natureza não é mais a mesma. A árvore que o jovem Jack (Hunter McCracken) subia ou equilibrava o seu balanço, hoje é, metaforicamente, a sobrevivente solitária de uma selva de pedras de uma metrópole americana.

Me arrisco a escrever que, em Malick, é essa árvore que contém a história da vida. É ela que faz a interconexão dos fatos, que une a explosão solar, os dinossauros que vivem e morrem na Terra, a família O’Brien e, por fim, Jack. Conceitualmente falando, a árvore da vida é uma tentativa de explicar que toda a vida no planeta está interconectada e que uma ação, gera reações e uma cadeia evolutiva que passa das raízes as folhas. Repare no cenário em que dois dinossauros, um maior e outro pequeno se encontram. Repare na forma como o maior segura com a pata a cabeça do menor caído indefeso num riacho e o observa fixamente. Agora compare na forma como Pitt segura seu filho mais velho pelo pescoço, ele tem aquele mesmo olhar firme, às vezes terno, às vezes cruel. É como se a vida no mundo fosse um eterno retorno. E isso é Nietzsche tentando me fazer entender Malick.

A árvore da vida conecta todas as formas de criação. Seu mito é listado desde o Egito Antigo e no Cristianismo ela representa também o amor de Deus. Na Bíblia, a citação no livro das Revelações diz que “o anjo me mostrou o rio da água da vida, claro como cristal, que sai do trono de Deus e do cordeiro no meio da rua principal da cidade. Em cada lado do rio estava a árvore da vida, que produz doze frutos, dando seu fruto de mês. E as folhas da árvore são para a cura das nações”.

Mas o conceito também aparece na ciência e no “A Origem das Espécies”, de Charles Darwin, que vê nas suas ramificações e interconexões uma forma de as espécies evoluírem porque ela “em algum grau pequeno conecta por suas afinidades dois grandes ramos da vida, e que aparentemente foi salvo da competição fatal por ter uma estação habitada protegida”.

Ao contrário de uma suposta imortalidade que uma fictícia árvore da vida poderia nos oferecer como em “A fonte da vida” (2006), de Darren Aronofsky, aqui Malick concebe a mortalidade como instrumento natural para a sequência dos acontecimentos. E fica claro também o quanto ele questiona esse poder divino que tanto se atribui questionando os motivos pela morte de alguém bom e inocente como um dos irmãos O’Brien. A mãe questiona, Jack questiona e pede ainda a eliminação do próprio pai, com quem no início de sua adolescência entra muitas vezes em conflito, mas acabará percebendo que ele o ama da sua forma bem particular. E o momento é do tiro iconoclasta de Malick sobre esse poder superior.

Não há conclusões em “A árvore da vida”, com seu enredo que tem passagens que lembram “2001, uma odisséia no espaço” (1968), de Stanley Kubrick. É uma reflexão existencialista e talvez aqui Malick tente dizer que está um tanto pessimista quanto à humanidade. Ou talvez eu tenha viajado demais.

Seja como for, “A árvore da vida” é uma obra-prima do diretor. Polêmica, difícil, complexa, desafiadora a quem vai ao cinema, mas fantasticamente bem concebida pelo recluso Malick, um cineasta que, agora sim, começo a achar interessante.

De fã para ídolo

2011-07-24T21:10:00.007-03:00

Laetitia Casta como Brigitte Bardot e Elmosnino

“Amo demais Serge Gainsbourg para trazê-lo à realidade. Não são as verdades em torno dele que me interessam, mas suas mentiras”. A frase do diretor e roteirista Joann Sfar, se exposta no início de “Gainsbourg – o homem que amava as mulheres”, explicaria muita coisa do que se vê no filme, mas também o faria perder boa parte da graça.

Eu descreveria o primeiro trabalho do diretor como uma respeitosa cinebiografia tomada de licenças poéticas que transformam Serge Gainsbourg (um ótimo Eric Elmosnino) num personagem ainda mais fascinante do que se estivesse assistindo ao modelo tradicional de filme biográfico padrão cantores, ou seja, início, dificuldades, início na música, muita música, lógica de videoclipe, queda, tragédias, música, melancolia e morte. Quando ela existe.

Sim porque Serge Gainsbourg é um personagem fascinante. Pai da atriz e cantora Charlotte Gainsbourg (aquela que fez o polêmico filme “Anticristo” de Lars von Trier), Serge foi um cantor de muitos sucessos e muitas polêmicas na França. Transou com metade das mulheres mais deslumbrantes do seu tempo. Entre elas, a deusa Brigitte Bardot (no filme, a não menos bonita modelo Laetitia Casta) muito antes de ficar feia, se tornar uma mala e virar estátua em Búzios (ele ainda escreveu uma música para ela, “Initials BB”, e gravou outra junto com Brigitte, "Bonnie and Clyde", cujo vídeo você vê clicando aqui), e Jane Birkin (Lucy Gordon), que vem a ser a mãe de Charlotte.

Cantou jazz, fez música popular, rock, pop, música eletrônica e até uma polêmica versão reggae da Marselhesa - e você pode imaginar quanta confusão isso causou numa patriótica França – o que torna difícil defini-lo artisticamente, embrulhá-lo dentro de um rótulo, e entregá-lo facilmente para consumo. Também é responsável pela canção mais erótica que eu já ouvi. “Jet’Aime” é tão bela quanto foi polêmica e explosiva na sua época (os gemidos originalmente foram gravados por Brigitte Bardot, já que Gainsbourg fez a música para ela, mas a versão que foi para as lojas foi com Jane Birkin). Faria “Erótica”, de Madonna, junto com o seu videoclipe, parecer uma canção/vídeo adequada para o jardim de infância. Mas não seria Serge Gainsbourg se não fosse polêmico assim.

Elmosnino como Gainsbourg no final da carreira

Fez de tudo e abusou de tudo entre cigarros e bebidas, o que o obrigou a passar por uma cirurgia no fígado. Nada que o impedisse de continuar fumando, bebendo e vivendo a vida do seu jeito.

É um retrato de um bon vivant conquistador desde a tenra idade que Sfar nos oferece. Você não verá aqui conflitos ou problemas que não sejam adocicados por sua música ou por suas belas conquistas. Uma biografia chapa-branca? Que seja, mas não se pode dizer que o diretor não avisou. Embora tardiamente.

É no elenco afinado, na música excelente e no lado lúdico que transforma os desenhos de Serge na infância em realidade, trazendo uma pitada de surrealismo ao filme, que Sfar ganha o espectador. Não acredite em tudo em que você vê, mas divirta-se com o que o diretor lhe oferece para contar uma história idealizada de um polêmico ídolo francês filmada por um fã.

Abaixo, Serge Gainsbourg em ação

O despertar do amor

2011-07-14T23:08:00.002-03:00

Depardieu e Gisele como Chazes e Margueritte

É sempre prazeroso esbarrar em um filme que você jamais veria nas condições normais de temperatura e pressão e de repente descobre ser prazeroso e um trabalho que lhe garante pouco mais de uma hora de diversão. Foi o que aconteceu comigo nesta semana quando o destino na pele de uma amiga me colocou diante de “Minhas tardes com Margueritte”.

Claro que quando me foi proposto ver o filme, de início eu torci levemente o rosto. Afinal, o mau humor é uma condição inerente ao signatário deste blog. Além disso, não estava muito empolgado com a ideia sabendo que há dois filmes nos cinemas em que eu estava muito interessado em ver. Mas apesar da minha contrariedade, também sou aberto a novas experiências. Então lá fui eu ver o novo trabalho do Gérard Depardieu.

Ah, como foi delicioso quebrar a cara. Não porque “Minhas tardes com Margueritte” seja um filme sobre o tardio despertar do amor de um homem de meia idade vivido pelo astro francês, mas pela maneira como a história se desenvolve tendo a literatura como veia condutora para o clímax do personagem de Depardieu no seu belíssimo e tocante desfecho de escorrer lágrimas dos olhos.

Quem acompanha este blog há algum tempo sabe que eu tenho um fraco por filmes que envolvam a leitura e a literatura. É por isso que sou completamente apaixonado por “O Leitor” (2008), o filme de Stephen Daldry que divide opiniões, e “As Horas” (2002), do mesmo diretor, que deu o Oscar a Nicole Kidman pelo papel de Virgina Woolf, e contava ainda com as magníficas Meryl Streep e Julianne Moore. É por isso também que um dos meus filmes favoritos é “Fahrenheit 451” (1966), o brilhante trabalho de François Truffaut que é uma ode à literatura.

E é isso que me encantou em “Minhas tardes com Margueritte”. Na trama, Depardieu é Germain Chazes, um operário idiota, de parco conhecimento, sem muito rumo na vida e visivelmente carente que passa os seus fins de tarde observando pombos numa pracinha. Pombos que ele batizou porque, afinal, todos os pombos são diferentes.

Um belo dia ele conhece Margueritte (Gisele Casadesus), com dois “Ts”, jovem senhora de 95 anos que passa a freqüentar a mesma praça e observar os mesmos pombos num intervalo entre os livros que ela leva para ler.

A empatia entre o bruto e ignorante Chazes e a frágil e inteligente senhora que mora num asilo ali perto é imediata apesar das diferenças. Ao mesmo tempo em que Margueritte lê para ele, Chazes se encanta com esse mundo novo que lhe surge. Considera-se um derrotado enquanto a senhora sempre otimista diz que é sempre preciso começar de novo.

O ponto de partida para Chazes ampliar seus horizontes é o livro “A Peste”, de Albert Camus. O primeiro em que Margueritte lerá para ele e que ele tentará ler por conta própria. É a partir do romance de Camus que uma amizade sincera vai surgir entre os dois e Chazes vai não apenas encontrar o amor que lhe faltou desde a infância, quando se sentia maltratado pela mãe, como descobrir que apesar de sua ignorância ele é uma pessoa especial que pode fazer feliz a sua namorada Annette (Sophie Guillemin) e mesmo o filho que ela sonha em ter com ele, apesar de sua resistência por achar que nada tem a oferecer a uma criança.

É Margueritte quem o ajudará a superar seus traumas de infância e sorrir novamente para a vida enquanto ele vai se empenhar em não deixar que ela fique sem suas histórias, seus livros, apesar da doença que a fará ficar cega em pouco tempo.

Baseado no livro “La tête en friche”, título original do filme, de Marie-Sabine Roger, “Minhas tardes com Margueritte” é um drama, mas tem aqueles momentos de comédia que o fazem lembrar os trabalhos de Woody Allen. O diretor Jean Becker, que também assina o roteiro junto com Jea-Loup Dabadie, conduz o espectador de forma cativante enquanto se alterna entre os dois gêneros até o emocionante desfecho. Para quem sentia falta de um bom filme francês nesse ano, já não tenho mais esse vazio. Espero agora poder ver outros.

Nostalgias

2011-07-04T21:38:00.001-03:00

Quantas vezes você já não se pegou dizendo que uma época que você jamais viveu certamente era melhor do que o seu tempo atual. Eu, por exemplo, queria ter nascido na Inglaterra no início dos anos 50 só para ser adolescente e adulto quando os Beatles e os Rolling Stones tomavam conta do planeta e ir acompanhando todo o resto que veio depois chutando a porta nesse tal de rock and roll. Certamente eu não precisaria mendigar um show de Paul McCartney aqui e ali e jamais lamentaria nunca ter visto o Led Zeppelin, o The Who e o The Doors tocarem.

A nostalgia do que não se vive e de um tempo meramente idealizado e do qual não se conhece os pormenores é um dos temas do novo filme de Woody Allen, o belo “Meia-noite em Paris”. Passado na capital francesa, a película com jeito de fábula do diretor americano conta a história de Gil (Owen Wilson), um roteirista de filmes de Hollywood que está cansado dessa vida e sonha em escrever um romance verdadeiramente relevante. Gil sente-se capaz disso ao caminhar pelas ruas de Paris, sua cidade-paraíso, onde até quando chove ele acha bela. Tem gosto para tudo, né?

Para Gil, Paris é o que há de mais belo no mundo e Allen trata de tentar comprovar isso com os melhores ângulos possíveis da sua câmera (alguns deles focados na Carla Bruni, que faz uma ponta no filme). Mas melhor do que essa Paris que todos conhecemos, diz Gil, era a Paris dos anos 20, onde gente do naipe dos escritores Francis Scott Fitzgerald (Tom Hiddleston), e Ernest Hemingway (Corey Stoll), dos pintores Pablo Picasso (Marcial di Fonzo Bo), Henri Matisse (Yves-Antoine Spoto) e Salvador Dalí (um hilário Adrian Brody em uma cena impagável), do diretor Luís Buñuel (Adrian de Van) e de Cole Porter (Yves Heck) frequentemente se esbarrava em festas, bares ou pela rua sempre criando, fazendo arte numa efervescência cultural jamais vista.

É então que num passe de mágica e ao tocar do sino da Igreja à meia-noite, como numa fábula da Cinderela às avessas, Gil consegue viajar no tempo para aquela Paris supostamente idealizada por ele, se encontrar com todos os seus ídolos e viver por alguns momentos entre eles.

Enquanto vive o seu sonho em meio a todos estes gênios, Gil, que está prestes a se casar com a insossa e mala Inez (Rachel McAdams), conhece Adriana (Marion Cotillard). Namorada sazonal de Picasso e Hemingway, ela também como num conto de fadas previsível passa a gostar do jovem roteirista que ainda busca o seu melhor texto sempre sob a crítica precisa de Gertrude Stein (Kathy Bates).

A questão é que se para Gil os anos 20 foram os anos dourados, para Adriana, que é uma pessoa daquela época, a era de ouro de Paris foi mesmo o final do século XIX, o tempo de Henry de Toulouse-Lautrec (Vicent Menjou Cortes), Paul Gauguin (Olivier Rabourdin) e Edgar Degas (François Rostain). E não é que como num mesmo passe de mágica, em um momento, eles vão visitar essa época e conhecê-los de perto?

Está com a maior cara de “A Origem” (2010), aquele filme do Christopher Nolan estrelado pelo Leonardo di Caprio com seus sonhos dentro de sonhos? Quase isso. Mas o tom aqui é mais lúdico. E não tente encontrar lógica nisso tudo. Apenas embarque nos sempre ótimos diálogos e na viagem de Allen por esse sentimento nostálgico que todo ser humano tem.

É exatamente na conversa entre Gil e Adriana sobre as idiossincrasias do tempo que o roteirista e aprendiz de escritor vai perceber que mesmo diante de tantos gênios nem tudo é perfeito naqueles “perfeitos” anos 20 e nem tudo é uma porcaria na sua Paris do século XXI. Se Allen já tinha apontado no início do filme que “a nostalgia é a negação do presente”, será com o humor peculiar do seu texto que ele fará Gil perceber que se os anos 20 tinham esses gênios todos, faltavam-lhes coisas como remédios tão comuns no dia a dia do novo século ou mesmo a anestesia.

Um dos melhores filmes dirigidos por Allen neste século, “Meia-noite em Paris” não deixa no espectador qualquer sentimento de nostalgia pelos trabalhos do diretor no passado, como o conhecido e badalado “Noivo neurótico, noiva nervosa” (1977). Para os fãs mais antigos, sentir saudades só da Nova York que o cineasta trocou nos últimos anos por Londres, Barcelona e agora Paris.

See you later alligator…

2011-06-06T00:05:00.005-03:00

Uma vez por ano o signatário deste blog tem o péssimo hábito de tirar férias. Fazer o quê? Eu estou apenas cumprindo as determinações trabalhistas desde que esse negócio de descanso batizado de férias foi criado em 1889.

Mais uma vez inspirado no espírito do herói de natureza selvagem Chris McCandless - mas sempre com o objetivo de um final feliz - é chegado o momento de vasculhar novos cantos, jogar em novas plagas e buscar a inspiração perdida em algum ponto dessa história.

Até lá, este blog, o Twitter da Alcova e o Facebook ficam parados. Pelo menos essa é a minha intenção e pretendo cumpri-la. Não haverá internet, telefone, nada que me faça conectar pelas próximas três semanas.

Sendo assim, como diria uma antiga e querida professora de inglês que não vejo há tempos, see you later alligator, after while crocodile...

E fiquem com as trilhas sonoras das férias logo abaixo. Para começo de conversa, tem "Kashmir", do Led Zeppelin. Na sequência, Roger Waters e David Gilmour tocando "Comfortably Numb", Pearl Jam com "Oceans", Dick Dale com "Miserlou" e, fechando, Soundgarden com "Black Hole Sun".

Um bom Mel Gibson

2011-06-05T22:31:00.001-03:00

Esqueça por 90 minutos o imbecil que Mel Colm-Cille Gerard Gibson se tornou participando de lamentáveis episódios de espancamento de namoradas. Tente esquecer por 90 minutos o patético antissemitismo do ator americano de 55 anos que dirigiu aquele banho de sangue chamado “A Paixão de Cristo” (2004). Seja superior a ele, dispa-se dos preconceitos e observe em “Um novo despertar” o bom ator que Mel Gibson pode ser quando quer e encontra uma boa história pela frente.

Terceiro trabalho como diretora de Jodie Foster, “Um novo despertar” conta a história de Walter Black, um diretor de uma fábrica de brinquedos maluco, depressivo e com tendências suicidas que um belo dia, depois de ver toda a sua vida familiar e profissional destroçada pelo seu comportamento auto-destrutivo resolve dar a volta por cima de um jeito peculiar: sendo ventríloquo da própria vida através de um castor de pelúcia. Daí o nome original do filme ser “The Beaver”, “O Castor” em inglês.

A ideia de Walter é esquecer todo o passado e começar de novo. Guardar todas as lembranças numa caixa hermeticamente fechada dentro do cérebro e reiniciar a vida, dar o reboot a partir daquele ponto, a partir do momento em que o castor assume o comando dela.

Pode soar uma ideia patética e realmente quem não embarca na viagem do filme o acha alternado entre o ridículo e o sentimento de descrença do tipo “isso não acontece na vida real”. Mas, convenhamos, isso é cinema né. Se você não embarca nessa aposta meio doidona, vai viver a sua própria vida e seja feliz.

E é em Gibson que Jodie Foster aposta para que o discurso do roteirista Kyle Killen tenha alguma veracidade dentro do cenário esquizofrênico que Walter Black vive. Mais do que a depressão é a loucura o seu grande mal. O novo despertar de Walter nada mais é do que um universo paralelo inventado pela sua mente doentia para que ele pudesse viver mais um pouco na sociedade e adiar o inevitável encontro com o manicômio mais próximo.

Em meio a tudo isso, há uma família tentando se reestruturar. A própria Jodie Foster vive Meredith, a esposa de Walter que sustenta a família e busca um pouco mais de carinho de todos, entre eles o filho mais velho, Porter (Anton Yelchin), que por não gostar das atitudes e da vida que o pai leva persegue obsessivamente em si todos os sinais possíveis que o possam fazer ser parecido com ele para eliminá-lo.

O próprio Porter é um desajustado que tem a incrível capacidade de mimetizar as ideias difusas dos seus colegas de escola e transformá-las em belos trabalhos ou textos, como o que prepara para Norah (Jennifer Lawrence), a paquera do jovem e ela também uma desajustada artista de pichações de rua que cerceia a sua arte e quer se ver distante dela após a trágica morte do irmão mais novo.

Enquanto a vida de Meredith com o Walter/Castor vai melhorando e o filho mais novo, Henry, descobre um novo pai que ele não conhecia e o ajuda a construir coisas e liberar sua criatividade, Porter não consegue aceitar que a mãe tenha aberto a casa para novamente receber o pai que por anos foi um estorvo na família. É aqui que Jodie Foster abre caminho para uma lavagem de roupa suja da família Black que para ela pode servir de espelho para muitas famílias de todos os cantos do planeta.

Mas é claro que Meredith vai se cansar da vida de ventríloqua, vai querer o marido de volta, mas não vai perceber que o sonho temporário de um tratamento para atingir uma cura era uma utopia e que o caso de Walter é mais grave do que ela podia imaginar.

E Gibson mostra que por trás daquele monstro descrito lá em cima ainda vive um bom ator que diante de um papel como esse ainda pode mostrar algumas qualidades como no passado. Lembre do guerreiro escocês William Wallace em “Coração Valente” (1995), filme pelo qual ele ganhou um Oscar de direção e outras quatro estatuetas. Lembre de como nos divertimos com Martin Riggs, o impagável policial porra-louca dos cinco filmes da série “Máquina Mortífera”, ou do seu divertido Bret Maverick, em “Maverick” (1994), quando contracenava com a amiga Jodie Foster. Do herói Benjamim Martin de “O Patriota” (2000) ou “O preço de um resgate” (1996) e “O Troco” (1999). E não esqueça de Mad Max. Nunca se esqueça de Mad Max e a trilha sonora da velha Tina Turner.

Interpretações que mereciam ganhar um Oscar? Provavelmente não, mas trabalhos honestos que representam um pouco mais do que qualquer idiotice que esse cara tenha feito para manchar a própria carreira e agora precisar do apoio de amigos como Jodie para mostrar que diante de uma câmera ainda pode dar um caldo.

E assim voltamos a “Um novo despertar”. Que o título em português sirva de inspiração para Mel Gibson olhar para trás e começar de novo. Mas sem esquecer o passado, nem enlouquecer de vez como Walter Black.

A primeira aula

2011-06-04T01:33:00.004-03:00

Inaugurada em 2000, a franquia dos X-Men se tornou uma das melhores entre as adaptações dos quadrinhos apoiada não apenas nos efeitos especiais, mas no bom desenvolvimento da história sobre os mutantes que “usam os seus poderes para proteger a humanidade que os teme e odeia” – e no que isso gera num debate acerca do racismo e de uma suposta pureza genética em substituição ao ideal nazista da supremacia ariana – e nas ótimas atuações dos seus três principais atores: Hugh Jackman (Wolverine), Patrick Stewart (professor Charles Xavier) e Ian McKellen (Magneto).

Capitaneada por Bryan Singer no início, a trilogia só deu uma escorregada no terceiro filme, dirigido por Bratt Rattner, quando optou por ser meramente um filme de ação e deixou de lado assuntos bons para serem explorados como a saga da Fênix do ponto de vista puramente dos quadrinhos ou a questão da cura dos mutantes, que seria uma continuidade daquele debate com o racismo como pano de fundo.

Apesar desse leve desvio de rota, a franquia fez sucesso arrecadando muito dinheiro nos cinemas do mundo inteiro e sair dos trilhos para pegar uma nova rota seria uma aposta ousada e ainda bastante arriscada. Mas foi esse o desafio que o mesmo Bryan Singer dos dois primeiros filmes se impôs ao ajudar a escrever a história da origem dos jovens mutantes que formariam o supergrupo X-Men e dos próprios mutantes na Terra na década de 60 do século passado em “X-Men: primeira classe”, que acaba de entrar em cartaz.

Como se trata do início da história do grupo, o filme dirigido por Matthew Vaughn não pôde contar com a trinca de atores que carregaram a trilogia nas costas até 2006 (a não ser por uma hilária ponta de Jackman no papel de Wolverine) e aposta em novos e menos midiáticos mutantes para reiniciar uma história do zero e contar a origem de tudo.

O resultado dessa aposta é mais do que satisfatório. “X-Men: primeira classe” não deve nada aos três primeiros e ganhou em James McAvoy (o novo professor X) e Michael Fassbender (o novo Magneto) substitutos a altura dos mestres Stewart e McKellen.

Base do primeiro filme dos X-Men, o confronto de ideias e estilos dos amigos e rivais Charles e Magneto é mais uma vez a linha mestra que permeia o trabalho de Vaughn. O diretor usa os dois personagens para mostrar que eles se tornarão líderes de todas as gerações de mutantes que dali nasceriam sempre num confronto entre fazer o que é certo e proteger a humanidade apesar da aversão, temor e horror que ela tem pelos nascidos com o gene X a mais, ou simplesmente esmagá-las porque os mutantes são a nova ordem, um estágio a frente da civilização e superiores, logo, devem prevalecer como espécie dominante numa corruptela da teoria darwiniana da evolução das espécies e, por que não?, uma versão mutante do nazismo.

A primeira turma dos X-Men com o seu olhar 43

No meio dos dois, há um inspirado Kevin Bacon (e há quanto tempo eu não digo isso) vivendo Sebastian Shaw, o líder do Clube do Inferno, cujo plano é simplesmente destruir a humanidade provocando uma guerra nuclear entre Estados Unidos e União Soviética. Estamos nos anos 60 e a real crise dos mísseis de Cuba é usada como plano perfeito para inserir os até então escondidos e párias mutantes na história da humanidade.

Com uma identidade alemã, Shaw foi também um oficial nazista e responsável pela morte da mãe de Magneto, quando o jovem judeu Erik Lehnsherr viu sua família ser jogada num campo de concentração nazista. O filme, aliás, começa exatamente como o primeiro trabalho dos X-Men. Desconfio até que seja a mesma cena. O início da película mostra a origem de Magneto e a primeira vez que Erik manifesta os seus poderes (os poderes de todos os mutantes começam a surgir na adolescência deles).

O episódio do assassinato da mãe é o que vai mudar toda a história de Magneto, que crescerá sempre em busca da vingança e nunca confiará na humanidade porque ele sempre vai acreditar que quem é capaz de jogar pessoas diferentes (no caso judeus) numa câmara de gás, muitos deles depois de sofrerem com experimentos científicos, fará o mesmo ou pior com os mutantes se estes não se defenderem.

Charles, porém, acredita no trabalho em conjunto, na bondade da maior parte da humanidade e que exatamente por serem um avanço na genética, os mutantes precisam dar o exemplo, colaborar, proteger os humanos e ensiná-los a não temer o que é diferente deles.

Apesar das diferenças e da sede de vingança de Erik, até o fim do filme os dois ainda estarão juntos. A película mostra exatamente a migração de Magneto para, digamos, “o lado negro da força”, logo após ser o responsável pela irreversível lesão na coluna de Xavier e o assassinato de Shaw. Até lá, eles recrutam mutantes para formar a primeira turma de alunos dos X-Men.

Assim ficamos conhecendo personagens que não haviam aparecido antes ou fizeram pequenas pontas, como o Fera (Nicholas Hoult), Banshee (Caleb Landry Jones) e Destrutor (Lucas Till), que é Alex Summers, irmão de Scott, o Ciclope conhecido por todos os fãs dos quadrinhos. No filme também aparece pela primeira vez com destaque a doutora Moira McTargget (Rose Byrne), que virá a ser uma grande parceira de Xavier e comandará uma divisão da futura escola para jovens superdotados dele na Ilha Muir, na Escócia. Além de Mística, vivida pela indicada ao Oscar deste ano por “Inverno da Alma” Jennifer Lawrence, que tem sua origem e passagem do lado dos bons para o dos maus contada também em “Primeira Classe”, e da Rainha Branca/Emma Frost (January Jones, numa interpretação patética e parecendo uma boneca de porcelana), uma telepata tão poderosa quanto Xavier.

Todos, porém são meros coadjuvantes perto das ótimas interpretações de McAvoy e Fassbender que monopolizam o filme e o tornam ainda mais interessante porque conseguem passar a ternura da amizade sincera entre os dois personagens junto com as diferenças de ideias e o afastamento sem que isso abalasse um profundo respeito mútuo e a sinceridade e reconhecimento da importância de um para o outro.

Resta saber agora o que Vaughn - ou outro diretor - fará no próximo passo dessa nova seqüência dos X-Men. Agora os caminhos das estradas estão delimitados e Magneto precisará colocar o seu plano em ação. Se a história seguir para um próximo momento do grupo de mutantes, será a hora de entrarem em cena o Homem de Gelo, Ciclope, Fênix e Arcanjo, que junto com o Fera formaram o passo seguinte dos X-Men. Mas será que o estúdio vai deixar mais uma vez o personagem mais interessante de todos, o Wolverine, de fora?